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Hay una razón por la que muchos desarrolladores terminaron enamorándose de Claude en los últimos meses. Mientras otros modelos destacaban por velocidad o popularidad, la IA de Anthropic encontró un nicho especialmente fuerte entre quienes programan, analizan documentos complejos o trabajan durante horas enteras con flujos intensivos de inteligencia artificial.

Pero precisamente ahí apareció el gran problema. Claude funcionaba muy bien… hasta que dejaba de funcionar porque el límite de uso se agotaba antes de tiempo.

Y eso empezó a convertirse en una fuente constante de frustración para muchos usuarios avanzados. Especialmente después de que Anthropic ajustara recientemente los límites dinámicos de Claude Code para controlar la demanda en horas punta. En la práctica, las famosas sesiones de cinco horas podían agotarse mucho antes dependiendo del nivel de saturación del sistema.

Ahora la compañía liderada por Dario Amodei quiere demostrar que entendió perfectamente el mensaje.

Anthropic acaba de atacar una de las mayores críticas alrededor de Claude

El anuncio no llega solo con pequeños ajustes. Anthropic presentó una ampliación importante de los límites de uso tanto para Claude Code como para la API de Claude, y detrás de la mejora aparece un nombre bastante llamativo: SpaceXAI.

Según la compañía, el acuerdo le permitirá acceder a la infraestructura de Colossus 1, uno de los clústeres de inteligencia artificial más gigantescos construidos hasta ahora. La idea es bastante simple: más capacidad computacional para evitar que los usuarios vuelvan a chocar constantemente contra restricciones de uso. Y eso era exactamente lo que llevaba semanas generando tensión dentro de la comunidad de Claude.

Porque el problema nunca fue únicamente técnico. El verdadero conflicto aparecía cuando la herramienta interrumpía el flujo de trabajo de personas que dependen de ella durante jornadas completas. Programadores, investigadores y equipos enteros empezaron a sentir que Claude funcionaba casi como un recurso “limitado” incluso pagando planes avanzados.

Anthropic necesitaba reaccionar rápido antes de que parte de esos usuarios empezara a migrar hacia otras plataformas.

Los cambios son mucho más agresivos de lo que parecían al principio

La compañía confirmó tres mejoras inmediatas. La más importante probablemente sea la duplicación de los límites de cinco horas de Claude Code para los planes Pro, Max, Team y Enterprise. En otras palabras: los usuarios podrán trabajar mucho más tiempo antes de alcanzar el famoso muro.

El segundo cambio apunta directamente a una de las decisiones más criticadas de las últimas semanas: Anthropic eliminará la reducción dinámica de límites durante horas punta para cuentas Pro y Max. Eso significa que el sistema dejará de castigar automáticamente el uso intensivo simplemente porque demasiadas personas estén conectadas al mismo tiempo.

Y el tercer ajuste afecta a la API de Claude, donde Anthropic asegura haber aumentado de forma considerable los límites para modelos avanzados como Claude Opus. Todo esto parece una respuesta bastante directa a una realidad incómoda: cuanto más útil se vuelve una IA, más insoportables se vuelven sus restricciones.

La pieza más llamativa del acuerdo es Colossus 1

El gran protagonista del anuncio, sin embargo, no es Claude. Es la infraestructura detrás de Claude. Anthropic asegura que tendrá acceso completo a la capacidad computacional de Colossus 1, el enorme centro de datos de SpaceXAI. Según las cifras compartidas por la compañía, hablamos de más de 300 megavatios de nueva capacidad y más de 220.000 GPU NVIDIA disponibles en aproximadamente un mes. Y no son GPU cualquiera.

El clúster incluirá hardware H100, H200 y aceleradores GB200, algunos de los sistemas más potentes actualmente utilizados para entrenamiento y ejecución de modelos de inteligencia artificial.

Esto ayuda a entender algo importante que está ocurriendo en toda la industria: la carrera de la IA ya no depende solamente de quién diseña mejores modelos. Depende cada vez más de quién puede conseguir más capacidad energética y computacional. Y ahí SpaceXAI quiere convertirse en un jugador enorme.

Elon Musk también está reorganizando todo su ecosistema de IA

El contexto del acuerdo resulta todavía más interesante porque Elon Musk ya había adelantado recientemente que xAI dejaría de operar como compañía independiente para integrarse bajo la estructura de SpaceXAI. Eso explica por qué Anthropic utiliza ahora esa marca para describir la alianza.

Y aunque no se trata de una compra ni de una fusión, el movimiento deja ver cómo empieza a consolidarse una nueva etapa en la industria: gigantes tecnológicos intercambiando acceso a infraestructura masiva como si fuera petróleo digital. Anthropic, además, dejó claro que este acuerdo no es aislado.

La compañía recordó sus alianzas multimillonarias con Amazon, Google, Broadcom, Microsoft y NVIDIA, además de inversiones gigantescas en infraestructura de IA dentro de Estados Unidos. El mensaje parece evidente: la guerra por el cómputo ya empezó oficialmente.

La parte más extraña del anuncio apunta directamente al espacio

Y sí, hay una parte todavía más futurista. Anthropic confirmó que también expresó interés en colaborar con SpaceXAI para desarrollar infraestructura de cómputo orbital. Básicamente: centros de procesamiento de inteligencia artificial en el espacio.

Por ahora esto suena muchísimo más experimental que real. Pero detrás de la idea aparece un problema bastante serio: la IA consume cantidades descomunales de energía, refrigeración y espacio físico en tierra.

Mover parte de esa infraestructura fuera del planeta podría sonar a ciencia ficción, aunque refleja hasta qué punto las grandes tecnológicas ya están pensando en límites físicos reales para seguir expandiendo modelos cada vez más grandes.

El verdadero examen todavía no empezó

Ahora mismo todo esto suena espectacular sobre el papel. Más GPU, más capacidad, menos restricciones y una infraestructura gigantesca respaldando a Claude. Pero la prueba importante todavía falta.

Porque el problema de Anthropic nunca fue simplemente técnico. Fue una cuestión de confianza con los usuarios más intensivos. Personas que dependen de Claude durante horas seguidas y que empezaron a sentir que el servicio se volvía impredecible justo en los momentos más críticos.

La compañía acaba de responder con uno de los mayores refuerzos de infraestructura vistos en el sector de IA este año. La pregunta ahora es bastante simple: si toda esa potencia realmente alcanzará para que los usuarios de Claude dejen, por fin, de encontrarse siempre con el mismo límite.

Ricardo Arjona volvió a la Argentina para darle a sus fanáticos lo mejor de sí y, en una noche lluviosa y fría, el guatemalteco no defraudó a su público que llenó el Movistar Arena en su cuarta presentación en Buenos Aires.

Como de costumbre, el artista de carácter internacional desplegó toda su magia donde hizo vibrar a todos los fanáticos que le demostraron, llenando el estadio, que lo estaban esperando para cantar y disfrutar de todas las canciones de su repertorio interminable con puros hits.

La noche empezó con Iluso donde el público estalló al verlo aparecer en escena, pero cuando cantó Ella, la segunda canción tanto el artista como los fans no pudieron sentir la canción a todo dar y con gritos siento cada palabra de la canción como solo Arjona sabe describir.

“Argentina, buenas noches. Qué lindo es estar acá, con todo lo que eso contiene: mate, carne asada, ustedes, canciones… con todo. Estamos felices de estar acá”, saludó a su público y prosiguió con los hits que no pueden faltar. Previo a comenzar con un breve viaje al pasado comentó: “Me gusta controlar todo y por eso mandé en los primeros dos shows a gente que se meta entre la gente para escuchar lo que decían ‘puras viejitas cantó hoy’. Entonces al día siguiente lo mandamos a hacer lo mismo porque cambiamos el repertorio y al día siguiente la gente decía ‘puras nuevas cantó’. Entonces decidí que lo mejor que nos puede pasar esta noche es que yo conduzca el barco y vaya sintiendo cómo va la cosa para ir avanzando”.

Y vaya que sí lo hizo. Por su puesto que en ese listado aparecieron los emblemáticos hits como Dime que no, El amor, Te conozco, Historia de un taxi y hasta sorprendió con una del baúl de los recuerdos como lo es Sin daños a terceros.

Ricardo Arjona montó un segundo escenario más cercano al público

En total Ricardo Arjona cantó 28 canciones durante las dos horas de espectáculo, pero lo hizo en dos escenarios distintos que montó en el Movistar Arena: el segundo, puesto de frente al principal fue pegado a las gradas del fondo para estar más cerca tanto él con su público como ellos con él.

Ahí fue que contó con la ayuda de los presentes para elegir el repertorio ya que antes del que comenzara la noche épica en las pantallas le pedían “Pídanle una canción al Seco”. A ti, Desnuda, Pingüinos en la cama fueron los más pedidos y no faltó la canción “más porteña de todas”, tal como lo describió el propio guatemalteco: Marta.

Estando allí pudo mirar y leer todos los carteles donde vio uno que le llamó la atención y cuando deleitó a todos con Señora de las cuatro décadas recordó ese momento. “Marido e hijos en platea. Yo en modo 4 décadas”, decía la pancarta de una fan que estuvo presente junto a su marido, sus tres hijos y una nueva.

“Mira que yo soy abrazador, ¿le das permiso? Yo ya te advertí”, le dijo Arjona al marido de la mujer para invitarla subir al escenario: “Ven para aquí”, le dijo y así fue la noche inolvidable.

Durante el show, obviamente no faltó Santos Pecados y prosiguió con Fuiste Tú, Minutos y Mujeres, entre otras, donde sin dudas no defraudó a los presentes que por dos horas se olvidaron del frío de Buenos Aires.

Ricardo Arjona deja sin sillas al Movistar Arena

Cuando anunció su gira por Argentina, Ricardo Arjona había puesto a la venta las entradas de solo dos shows, pero debido a la alta demanda del público, el artista internacional no pudo dejar de darles el gusto a los fans y en total tendrá 14 presentaciones en el Movistar Arena donde rompió con todos los parámetros con doce sold outs y dos fechas por agotar.

En el medio de sus actuaciones en Capital Federal, estará junto al público cordobés el próximo 14 d mayo en el Estadio Instituto, para luego retornar a Buenos Aires y concluir su gira por suelo argentino.

Este jueves, Otro día perdido no salió al aire en Eltrece. La razón se debió a la dolorosa noticia relacionada con la muerte de Beatriz, la madre de Mario Pergolini, quien falleció durante la jornada y obligó a cancelar las grabaciones del ciclo. En su lugar, el canal emitió un especial con los mejores momentos de la temporada.

La noticia fue confirmada por el periodista Pablo Montagna a través de sus redes sociales, quien informó que la producción decidió suspender la jornada de trabajo tras conocerse el fallecimiento. Ni Pergolini ni el canal realizaron declaraciones públicas, y el conductor se mantuvo al margen de los medios mientras recibe el acompañamiento de su entorno más cercano.

Lo que vuelve aún más emotiva la situación es el timing de los hechos ya que apenas unas horas antes de conocerse la noticia, el conductor había dedicado buena parte de la emisión del miércoles a recordar a su madre con humor y afecto. Aún se desconoce si el conductor sabía de la situación en la que se encontraba su madre y si podía saber lo que iba a ocurrir pronto.

El recuerdo de Mario Pergolini sobre su madre

En esa última emisión del late show, Pergolini relató una experiencia reciente ligada a un consejo que su madre le repetía constantemente. Con su estilo irónico, recordó la clásica advertencia materna sobre la ropa interior: «Está la frase de las madres que siempre dicen que tenés que cambiarte los calzoncillos para que el de la ambulancia te vea bien vestido, aunque estés todo ensangrentado y te falte un ojo».

El contexto llegó cuando, durante una estadía en una clínica, observó a un paciente en condiciones poco presentables. «Justo pasó uno con una combinación horrenda y dije ‘mirá mi mamá cuánta verdad’. Ese consejo de madre que uno dice ‘¿quién se va a preocupar?’, pero lo vi pasar y dije ‘¡mirá qué calzoncillo!’», contó.

Más adelante en esa misma emisión, con la visita de las actrices Julieta Díaz y Pilar Gamboa como disparador, el conductor reflexionó sobre el vínculo con su madre y la perspectiva que el tiempo le dio sobre esa relación. «Siempre pensé que la tenía todo el tiempo encima, pero cuando vi la vida que tuve, lo que había hecho y lo que me dejó hacer, dije: «La verdad, esta tipa me dejó volar un montón». Me sentí prisionero estúpido, porque la verdad que no fui», afirmó.

En otra oportunidad dentro del programa, cuando Eduardo Feinmann participó como invitado, Pergolini dio a conocer el fanatismo que su madre profesaba por el periodista político. «Nunca la llamo por teléfono cuando vos estás al aire en la televisión, porque me dice: ‘Estoy viendo a Feinmann’», relató, a lo que el abogado y periodista respondió con humor: «Te das cuenta que tu vieja es inteligente» y luego le dedicó un saludo especial al aire.

El vínculo entre Pergolini y su madre también tuvo una dimensión más práctica y tecnológica. Luego de quedar ciega, Beatriz vio cómo su autonomía se reducía considerablemente, y fue su hijo quien encontró una solución para acompañarla en esa etapa. «Le armé un sistema con Inteligencia Artificial que le lee los diarios, le cuenta las noticias, le dice qué hay en la heladera. Todo con voz», había explicado el conductor en una de las pocas ocasiones en que eligió compartir públicamente detalles de su vida privada.

Durante décadas, la exploración de Marte estuvo ligada a una imagen muy concreta: vehículos avanzando lentamente sobre el polvo rojizo del planeta, analizando rocas metro a metro mientras enviaban datos hacia la Tierra. Pero algo cambió en 2021 cuando Ingenuity, un pequeño helicóptero experimental de la NASA, consiguió despegar por primera vez en otro mundo.

Aquella misión parecía casi simbólica. Un simple demostrador tecnológico de apenas unos kilos que realizó vuelos cortos y relativamente modestos. Sin embargo, dentro de la NASA entendieron rápidamente que aquello podía convertirse en algo mucho más grande. Y ahora acaba de ocurrir el siguiente salto.

Ingenieros del Jet Propulsion Laboratory (JPL) lograron probar rotores capaces de superar la velocidad del sonido en condiciones simuladas de Marte, un avance que podría transformar completamente las futuras misiones al planeta rojo.

El problema de Marte es que prácticamente no tiene aire para volar

Volar un helicóptero en Marte es muchísimo más difícil de lo que parece. Aunque la gravedad marciana es menor que la terrestre, la atmósfera del planeta es extremadamente delgada: apenas posee cerca del 1% de la densidad del aire de la Tierra y está compuesta principalmente por dióxido de carbono. Eso significa que generar sustentación resulta muchísimo más complicado.

En la práctica, los rotores necesitan girar a velocidades absurdamente altas para producir suficiente empuje. Con Ingenuity, la NASA evitó acercarse demasiado a la barrera del sonido. Sus rotores alcanzaban unas 2.700 revoluciones por minuto porque los ingenieros temían efectos aerodinámicos impredecibles al acercarse a velocidades supersónicas.

Pero las nuevas pruebas fueron mucho más agresivas. Dentro de cámaras especiales que replican la atmósfera marciana, los ingenieros llevaron los nuevos rotores hasta 3.750 rpm. El resultado fue histórico: las puntas de las palas alcanzaron Mach 1.08 sin sufrir daños estructurales. Eso significa que, técnicamente, la NASA ya logró hacer volar componentes supersónicos pensados específicamente para Marte.

La nueva generación de helicópteros quiere hacer algo que Ingenuity nunca pudo lograr

Ingenuity abrió la puerta, pero tenía enormes limitaciones. No transportaba instrumentos científicos importantes, sus vuelos eran relativamente cortos y funcionaba más como una prueba experimental que como una herramienta científica completa. Ahora la NASA quiere exactamente lo contrario: convertir estos helicópteros en auténticos laboratorios voladores.

Según los datos preliminares de las pruebas, los nuevos diseños aumentaron cerca de un 30% la capacidad de sustentación respecto a modelos anteriores. Eso permitirá cargar sensores avanzados, cámaras de alta resolución, baterías más grandes y equipos capaces de analizar directamente la superficie marciana. La diferencia parece técnica, pero en realidad cambia muchísimo la exploración planetaria.

Los rovers son extremadamente eficientes para estudiar áreas concretas, aunque tienen un problema evidente: avanzan lentamente y no pueden atravesar ciertos terrenos. Un helicóptero supersónico marciano podría inspeccionar rápidamente cañones, acantilados, tubos de lava o regiones montañosas donde un vehículo terrestre jamás llegaría. Y eso abre escenarios completamente nuevos para la búsqueda de rastros de vida pasada en Marte.

La misión SkyFall será el verdadero examen de esta tecnología

Todo este desarrollo ya apunta hacia una misión concreta: SkyFall. La NASA planea enviar tres helicópteros avanzados al planeta rojo en diciembre de 2028. A diferencia de Ingenuity, estos vehículos sí tendrán funciones científicas mucho más ambiciosas y podrían colaborar directamente con futuras misiones humanas y robóticas.

Parte del desafío consiste en diseñar rotores capaces de soportar condiciones extremas sin desintegrarse. Durante las pruebas en California, los ingenieros incluso reforzaron parte de la cámara experimental con placas metálicas por si alguna pala explotaba a velocidades supersónicas. Porque acercarse a Mach 1 dentro de una atmósfera tan extraña genera fenómenos aerodinámicos muy complejos.

Lo curioso es que romper la barrera del sonido en Marte no requiere la misma velocidad que en la Tierra. Debido a las características atmosféricas del planeta, el sonido viaja más lento: alrededor de 869 kilómetros por hora frente a los más de 1.200 km/h terrestres. Aun así, sigue siendo un reto enorme para un vehículo tan pequeño.

Marte empieza a parecer cada vez menos inaccesible

Lo más interesante de este avance quizá no sea únicamente la velocidad. Lo verdaderamente importante es que la NASA empieza a construir sistemas aéreos capaces de moverse por Marte con una libertad impensada hace apenas cinco años. Y eso cambia la lógica completa de la exploración espacial.

Un helicóptero marciano ya no sería simplemente una curiosidad tecnológica. Podría convertirse en una pieza central de futuras misiones científicas, actuar como explorador adelantado para astronautas o incluso transportar equipos entre distintas zonas del planeta.

Por ahora, los ingenieros siguen procesando datos de las 137 pruebas realizadas en California. Pero dentro del JPL hay algo que parece bastante claro: después de Ingenuity, la exploración aérea de Marte dejó de ser un experimento. Ahora empieza a convertirse en una nueva forma de explorar otro mundo.

Aseguran que el jugador habría intentado rehacer el vínculo con regalos millonarios, pero como todo concluyó en malos términos, la ruptura sería definitiva.

Separación, regalos millonarios, unfollows y rumores de terceros en discordia: la historia entre Alejandro Garnacho y Adriana Lobaz que terminó envuelta en un verdadero escándalo mediático y sitios y programas de espectáculos en España parece haber llegado a su fin.

La ruptura, que llega después de apenas siete meses de relación, fue revelada por el periodista español Roberto Antolín durante una entrevista con Juan Etchegoyen en Mitre Live. Y lejos de hablar de una separación tranquila, el comunicador lanzó una frase explosiva: “Han acabado fatal”.

Las alarmas se habían encendido días atrás cuando ambos dejaron de seguirse en redes sociales, un gesto que para muchos ya es sinónimo de crisis definitiva. A partir de ahí comenzaron a multiplicarse las versiones sobre discusiones, distanciamiento y hasta intentos desesperados del futbolista por recuperar a la influencer.

Según trascendió, el futbolista del Chelsea habría intentado recomponer el vínculo con regalos impactantes y millonarios: un auto valuado en 60 mil euros y un viaje a Estados Unidos para Adriana y una amiga. Pero nada habría funcionado.

El escándalo escaló todavía más cuando aparecieron supuestos terceros en discordia. De acuerdo con Antolín, Garnacho podría retomar el vínculo con Eva, la madre de su hija, mientras que Adriana Lobaz ya estaría conociendo a otro futbolista español.

Garnacho y Eva Garcia

Dicen que estarían con ganas de volver a estar juntos.

El nombre que comenzó a sonar es el de Sergio Manzano, jugador del Deportivo Illescas. Aunque no hubo confirmaciones oficiales, el rumor rápidamente explotó en redes y alimentó aún más las especulaciones.

Above & Beyond confirmó el lanzamiento de Anjunabeats Volume 17, el regreso de una de las series compilatorias más importantes de la música electrónica. Luego de cuatro años sin una nueva edición, el histórico sello británico presentará un nuevo capítulo compuesto por 35 tracks distribuidos en dos mixes que reflejan el presente y futuro del sonido Anjunabeats.

Curado entre el estudio del grupo en Londres y distintos momentos de su reciente gira mundial, el compilado reúne tanto a colaboradores históricos como a una nueva generación de artistas que hoy forman parte del universo del sello. El primer mix explora un perfil más profundo y progresivo, mientras que el segundo se enfoca en el costado más energético y orientado al festival.

El anuncio llega acompañado de “When I Look In Your Eyes”, nuevo single junto a Justine Suissa, presentado recientemente durante Group Therapy 600 en Ciudad de México frente a más de 15 mil personas.

Además, Anjunabeats Volume 17 marcará un hito para la serie al convertirse en la primera edición disponible también en formato vinilo, con una selección especial de 12 tracks elegidos por Above & Beyond.

El lanzamiento oficial será el próximo 5 de junio en formatos digital, CD y vinilo.

El pasado 1 de mayo, Artlab celebró una nueva edición de Círculo de Sonido con la participación de Henrik Schwarz, una de las figuras más influyentes y particulares de la electrónica contemporánea.

La fecha, enmarcada dentro de los 10 años del espacio, volvió a proponer una experiencia enfocada en la escucha y la percepción sonora, con un formato que se aleja de la lógica tradicional del club para trabajar sobre el detalle, el tiempo y la relación física entre sonido y público.

Hosteada por Solimano, la noche tuvo a Schwarz desplegando un live set completamente construido en tiempo real, manipulando material propio a partir de stems, síntesis y procesamiento dinámico. Lejos de estructuras cerradas, el alemán desarrolló una narrativa mutable, atravesando momentos, pasajes abstractos y resoluciones de fuerte impacto sobre la pista.

El sistema HiFi de Artlab —basado en parlantes Altec A7 restaurados— funcionó además como una parte central de la experiencia, permitiendo apreciar con enorme definición la espacialidad y microdinámica de cada intervención sonora.

Además de su presentación, Henrik Schwarz conversó con DJ Mag Latinoamérica sobre su enfoque artístico, las diferencias entre un DJ set y un live set, la improvisación y el futuro de la música electrónica.

1. Tu enfoque en vivo se aleja del DJ set tradicional. ¿Qué te permite explorar el formato live que un set convencional no?

Creo que un DJ set y un live set son dos cosas completamente diferentes. También desde lo artístico son muy distintos. El DJ es un curador que trabaja sobre enormes cantidades de música y luego selecciona las piezas que tienen sentido para su idea artística.

En un live set, que es lo que hago yo, toco exclusivamente música que produje yo mismo. Mis propios tracks y remixes. Y esas canciones existen como stems individuales. Puedo llevarlas hacia distintas direcciones, modificarlas e interactuar en tiempo real con lo que está ocurriendo en la pista.

Antes también hacía mucho DJing, y todavía pienso que es algo maravilloso. Pero en un momento se volvió demasiado trabajo hacer ambas cosas realmente bien. Entonces decidí enfocarme en tocar en vivo. Eso fue hace 25 años, cuando apareció Ableton Live, y también era un momento muy emocionante porque todo era completamente nuevo. Yo quería hacerlo bien, así que pensé: voy a dedicarle todo mi tiempo a esto. Y ahí dejé de hacer DJ sets.

A veces me da un poco de pena, porque realmente es algo hermoso. Pero claro, uno trabaja con cosas diferentes. El DJ tiene una visión general de toda la música que se está lanzando en ese momento. Y nosotros, como live acts, probablemente tenemos una visión más cercana de la tecnología que aparece para producir música. Trabajamos con nuevos sonidos. Los creamos y, básicamente, en colaboración con los DJs que luego seleccionan esos tracks, todo termina teniendo sentido como un conjunto. Un ecosistema. Uno que consiste en encontrar nuevas ideas, filtrar las buenas y luego presentarlas al público para ver si realmente funcionan o no.

2. Muchas veces hablás de la idea de una “hoja en blanco” antes de cada presentación. En un espacio como el Círculo de Sonido de Artlab, ¿cómo influyen el lugar y el sistema de sonido en las decisiones que tomás en tiempo real?

Sí, creo que todo empieza, de cierta manera, con una hoja en blanco. El espacio es importante, el sistema de sonido es importante, toda la vibra lo es, por supuesto.

Cuando toco, la mayor parte del tiempo no sé exactamente qué voy a tocar. Más o menos sí, pero no en qué orden ni de qué manera. Puede ser algo suave, rápido, lento, emocional o más energético.

El material de base siempre es mi música. Existe como stems individuales. Y puedo transformarla completamente en tiempo real. Puede tomar muchísimas formas diferentes. Puede ser agresiva o delicada. Y todo eso depende de lo que me llega de vuelta. ¿Qué devuelve el público? ¿Cómo fue todo el día? ¿La tecnología está funcionando bien? Todo tiene algún tipo de influencia.

Creo que eso es muy humano. Y también pienso que es importante que siga siendo muy humano. Cada vez más, especialmente en los últimos años. Me parece importante una forma de expresión muy sutil, incluso cuando la música es fuerte. Siempre hay cosas delicadas ahí adentro. Es una comunicación, por decirlo de alguna manera, entre el mundo exterior y yo, y también entre todas las personas que están en la pista. Yo me incluyo ahí. Sí, es una conversación.

3. Tu música mezcla elementos electrónicos, jazz y música clásica. ¿Cómo conviven hoy esos distintos lenguajes dentro de tu proceso creativo?

Sí, creo que en mi música hay todo tipo de influencias. Al principio estuve muy marcado por el jazz, el funk y mucha música africana. Eso estuvo presente desde el comienzo y, de hecho, todavía sigue ahí.

Durante mucho tiempo —o en realidad pasa casi todos los años— descubro algo enorme que nunca había escuchado antes, y generalmente tiene una influencia muy fuerte sobre lo que hago después. Siempre hay algo nuevo que se filtra. Durante un tiempo fueron, por ejemplo, Arthur Russell, la música de Sun Ra o Moondog, entre muchas otras cosas.

Después, en cierto momento, apareció la música clásica. Me fascinaron especialmente los cuartetos de cuerdas. Ahí podés escuchar una enorme cantidad de ideas. Sobre todo en la música clásica reciente, creo que hay una cantidad increíble de conceptos que se pueden trasladar a nuestra música.

Para mi gusto, la música electrónica es la música más compatible que existe. Puede conectarse con cualquier otro tipo de música. O al menos creo que la música electrónica encuentra más fácilmente una forma de relacionarse con otras músicas y de encontrar un nivel abstracto desde el cual adoptar ideas de otros géneros. Yo todavía hago eso. Y tengo la sensación de que eso todavía está muy lejos de agotarse.

4. Tocaste en clubes, salas de concierto y junto a orquestas. ¿Cómo cambia tu enfoque dependiendo del contexto?

¿Cómo cambia mi enfoque cuando toco en clubes, salas de concierto o con orquestas? Para ser honesto, no creo que cambie demasiado. Para mí, la esencia es, de alguna manera, “la computadora más algo más”, y ese es mi lugar. Soy la persona que está frente a esa computadora.

Eso puede suceder dentro de muchos contextos distintos. Pero yo mismo creo que sigo siendo el mismo. Y no cambia tanto. Puede cambiar mucho desde afuera, pero yo intento comunicarme. Intento escuchar. Intento aportar algo.

Con una orquesta puedo decir al menos esto: a veces es un poco difícil, porque vos sos solo un instrumento. Y después hay otros 80 más. Creo que eso tiene que prepararse muy bien. Es más fácil con un ensamble pequeño. Pero eso es más una cuestión técnica que artística.

Desde lo artístico, diría que simplemente intento hacer mi aporte, escuchar y responder.

5. ¿Cómo encarás una presentación en una ciudad como Buenos Aires y qué tiene de especial este público para vos?

Para ser completamente honesto, encaro una presentación en Buenos Aires exactamente de la misma manera que en cualquier otro lugar. Creo que todos estamos conectados alrededor del mundo. Estamos conectados a través de esta música. Es una comunidad que funciona globalmente.

Incluso creo que hay diferencias entre ciudades, sí. A veces más entre ciudades que entre países. Pero para mí, lo que claramente está en primer plano es que existe una comunidad global que comparte valores en común.

De alguna manera, se trata de que todo el mundo sea bienvenido. Y eso sigue siendo lo más importante. Lo fue durante muchísimos años, desde el principio. Se trata de ser bienvenido sin importar quién seas, qué hagas o de qué país vengas.

Para mí, eso sigue siendo lo más importante de la música electrónica: el hecho de que puede conectar todo y a todos. Uno puede abrirse a eso. Ese es su mayor valor.

6. Mirando hacia adelante, ¿cómo imaginás la evolución de la escena electrónica en los próximos 10 años?

¿Dónde veo a la música electrónica dentro de diez años? Es una pregunta interesante, porque cuando empecé, hace unos 30 años, pensé que esto iba a durar solo cinco años más y después se terminaría. Y sin embargo esta música todavía existe.

La música electrónica siempre estuvo relacionada con las nuevas tecnologías. Y ahora hay una nueva tecnología con la que urgentemente necesitamos involucrarnos: la inteligencia artificial.

La IA nos plantea una enorme cantidad de preguntas nuevas. Es un momento extremadamente interesante. Tecnológicamente, para mí se siente un poco como antes de 1990, cuando las primeras computadoras llegaron a las casas. Una revolución absoluta. Y siento que eso está ocurriendo otra vez ahora: una revolución absoluta a través de una nueva tecnología.

Todavía no sabemos exactamente hacia dónde nos va a llevar. De hecho, creo que la música electrónica puede volver a funcionar como un muy buen filtro. Estamos siendo inundados de contenido generado por IA. Y depende de nosotros filtrar lo que realmente podría ser relevante.

Hasta donde puedo ver, la IA todavía no puede hacer eso. La IA no tiene gusto. Puede generar muchísima música, puede producir mil tracks en un solo día. Pero creo que, de esos mil, probablemente solo tres sean realmente muy buenos. Y la pregunta es: ¿cómo los encontramos?

Para eso, creo que necesitamos algo así como un DJ, un curador. Alguien que haga el esfuerzo de escuchar esos mil tracks y decir: estos tres son buenos.

Sospecho que un solo DJ ya no va a alcanzar. Vamos a necesitar equipos enteros haciendo eso. Equipos que curen y encuentren las cosas valiosas.

Tal vez —y esta es mi esperanza— de ahí surja una música nueva extremadamente compleja. Una música mucho más compleja de lo que hoy podemos imaginar. Eso me parecería muy interesante. Quizás toda la historia de la música comprimida en una sola pieza y conectada de una manera inteligente.

Podría ser cualquier cosa. También podría pasar que nos hundamos en una enorme cantidad de basura; al menos así se siente por momentos. Pero aun así creo que vamos a encontrar una manera de hacer algo bueno con todo esto. Estoy muy convencido de eso.

Schwarz además ofreció una charla abierta al público moderada junto a Mariano Trocca, que funcionó como una especie de clínica sobre producción, tecnología y pensamiento musical. A lo largo del encuentro, el artista profundizó sobre su enfoque del live set, la relación entre improvisación y composición, el rol de la escucha dentro de la electrónica contemporánea y la importancia de mantener una sensibilidad humana en un contexto cada vez más atravesado por herramientas digitales y automatización.

La programación internacional de Círculo de Sonido continuará el próximo 29 de mayo con la presentación de Robag Wruhme junto a Carlos Alfonsin, en una nueva fecha que seguirá profundizando esta línea curatorial impulsada por Artlab en el marco de sus 10 años: experiencias enfocadas en la escucha, la exploración sonora y el cruce entre cultura de pista y experimentación artística.

La fórmula de SpaceX siempre fue bastante distinta a la de las agencias espaciales tradicionales. Mientras otras compañías avanzaban lentamente entre simulaciones y revisiones burocráticas, Elon Musk apostó por una lógica mucho más agresiva: construir rápido, probar rápido, fallar rápido y volver a intentarlo inmediatamente.

Ese modelo terminó funcionando. Hoy SpaceX domina buena parte de la industria espacial privada y realiza lanzamientos prácticamente cada semana. Pero detrás de esa maquinaria tecnológica hay una consecuencia menos visible que empieza a generar tensión en Texas: las comunidades que viven cerca de las instalaciones de prueba de la compañía aseguran que el ritmo frenético de ensayos está afectando sus hogares. Y ahora el conflicto llegó a los tribunales.

Grietas, vibraciones y ventanas rotas: las acusaciones contra SpaceX empiezan a acumularse

Más de 150 residentes del sur y el centro de Texas presentaron dos demandas colectivas contra SpaceX por los daños que, según afirman, provocan las pruebas de motores realizadas en el complejo de McGregor.

Una de las demandas reúne a 80 vecinos y la otra a 77 personas de distintas zonas cercanas. Todos describen escenas bastante similares: paredes agrietadas, cristales destrozados, vibraciones constantes e incluso daños en los cimientos de algunas viviendas.

El centro de McGregor no es cualquier instalación. Se trata del complejo de pruebas de motores de cohetes más activo del planeta. Allí SpaceX realiza ensayos continuos de los motores Merlin y, sobre todo, de los enormes Raptor que impulsan el programa Starship, la pieza clave de Elon Musk para sus ambiciones lunares y marcianas. Y esos motores generan una fuerza brutal.

A diferencia de un lanzamiento espacial, donde gran parte de la energía se libera mientras el cohete asciende, las pruebas estáticas funcionan de otra manera: el motor permanece anclado al suelo mientras libera toda su potencia. Eso provoca enormes ondas acústicas y vibraciones sísmicas que terminan propagándose por kilómetros.

Las propias demandas describen ese fenómeno con bastante crudeza. Según los vecinos, la energía “se impulsa violentamente hacia afuera” mediante ondas acústicas y temblores que impactan directamente sobre las estructuras de las viviendas.

El modelo de SpaceX depende justamente de hacer esto una y otra vez

El verdadero problema para los residentes es que SpaceX no funciona con un calendario ocasional de pruebas. La compañía basa gran parte de su ventaja tecnológica en la repetición constante. Ensayar motores, detectar errores, modificar piezas y volver a probar casi inmediatamente forma parte del ADN de la empresa desde sus inicios.

Solo en mayo hay programados múltiples lanzamientos y actividades relacionadas con Starship. Y detrás de cada misión existe una enorme cantidad de pruebas previas en tierra. Ese ritmo convierte a McGregor en una instalación prácticamente permanente de ruido extremo y vibraciones. Para SpaceX, es una necesidad industrial. Para muchos vecinos, empieza a parecer un problema cotidiano.

Cada una de las demandas reclama hasta un millón de dólares por daños y perjuicios. De momento, la empresa de Elon Musk no realizó declaraciones públicas sobre el caso.

Lo que empezó como una oportunidad económica ahora genera cada vez más tensiones

Durante años, SpaceX fue presentada en Texas como una enorme fuente de empleo y desarrollo económico. La construcción de Starbase incluso transformó parte del área cercana a Boca Chica en una comunidad completamente ligada a la empresa.

Muchos trabajadores se mudaron allí. Comercios crecieron alrededor de las operaciones espaciales. Y la narrativa de “la nueva frontera espacial” ayudó a consolidar cierta identidad local alrededor de SpaceX. Pero esa relación parece haberse vuelto más complicada con el paso del tiempo.

El crecimiento de las pruebas, los cierres frecuentes de carreteras, el ruido constante y ahora las denuncias por daños estructurales están alimentando el malestar de algunos residentes. La situación refleja algo bastante común en los grandes proyectos tecnológicos: la promesa de progreso suele convivir con impactos locales mucho más incómodos. Y SpaceX ya viene acumulando conflictos similares en otros frentes.

SpaceX aprendió a blindarse frente a empleados. Los vecinos podrían ser un desafío diferente

En los últimos años, la compañía también enfrentó demandas laborales impulsadas por exempleados. Sin embargo, SpaceX logró obtener una clasificación como empresa de transporte aéreo, lo que le permite operar bajo normas distintas y dificulta tanto ciertas denuncias como posibles huelgas. Eso le dio bastante margen legal frente a conflictos internos.

El problema es que las demandas vecinales funcionan bajo otra lógica completamente diferente. Aquí no se discuten contratos laborales ni relaciones corporativas, sino posibles daños físicos sobre propiedades privadas. Y ahí la situación podría volverse mucho más delicada.

Porque la gran paradoja de SpaceX es que su éxito depende precisamente de aquello que ahora genera rechazo: probar motores gigantescos una y otra vez hasta empujar la tecnología espacial al límite. El problema es que, mientras los cohetes avanzan hacia Marte, algunos vecinos de Texas sienten que sus casas están pagando parte del precio.

En el 50 aniversario de de Amnesia el trance será protagonista durante el mes de junio 

La música electrónica vive en un constante loop, los estilos se van turnando a lo largo de la historia, y aunque parezca en momentos que desaparecen, siempre se las apañan en regresar. Ese es el caso del trance, que vuelve a estar de moda después de años relegado a un segundo plano. Amnesia Ibiza siempre está atenta a estas corrientes y por eso ha decidido darle su espacio durante el mes de junio.

Amnesia Ibiza Trance se celebra todas las semanas del 3 de junio al 1 de julio, con artistas que fueron claves en el éxito de legendarias fiestas como Cream y Armada. Cada fecha promete tener su propia huella distintiva, fusionando el sonido clásico con la interpretación moderna, todo ello con el emblemático ambiente de las pistas de baile de Amnesia como telón de fondo.

MIÉRCOLES 3 DE JUNIO

La primera fiesta tendrá como protagonistas a Les Schmitz B2B Vicky Divine, Gia, Chicane, Judge Jules y al gran Markus Schulz. Durante los últimos años, Markus Schulz ha fusionado las identidades musicales individuales del progressive, house y trance en un sonido híbrido propio y ya inimitable. A través de una combinación única de sesiones como DJ principal, lanzamientos en los sellos Armada y Coldharbour, y su reconocido programa de radio Global DJ Broadcast, ha liderado una auténtica revolución dentro de la escena trance en Estados Unidos. Este éxito se ha reflejado en actuaciones semanales frente a decenas de miles de personas, una audiencia de GDJB que alcanza millones de oyentes y una sucesión constante de números uno en Beatport.

MIÉRCOLES 10 DE JUNIO

Para la segunda fiesta tendremos a Billy Gillies, Giuseppe Ottaviani, Kimmic, Vicky Divine y encabezando el cartel a Ferry Corsten. Pionero y fuerza dinámica dentro de la industria de la música electrónica de baile, Ferry Corsten nunca deja de sorprender, impresionar e incluso desafiar a sus contemporáneos gracias a la energía y el talento que plasma en sus producciones y sets musicales. Es ampliamente reconocido por haber abierto las puertas de la escena internacional a productores y DJs holandeses. Conocido por la innumerable cantidad de alias bajo los que ha producido y realizado remixes desde el lanzamiento de su primer disco a los dieciséis años, Ferry Corsten se ha mantenido firme en la persecución de su sueño de llevar su sublime y único sonido a amantes de la música de todo el mundo. En ese camino, no solo ha ganado el respeto dentro de la industria musical que ha construido a su alrededor, sino también dentro de otros géneros musicales afines.

MIÉRCOLES 17 DE JUNIO

La banda sonora de este evento estará a cargo de Marco V, Nifra, Les Schmitz y sobre todo Eddie Halliwell y Mauro Picotto. Increíblemente apasionado por la música, Eddie contagia al público con su energía, cautivándolo con actuaciones altamente visuales,su interacción con la audiencia hay que verla para creerla y con impresionantes habilidades en los platos. Mauro un DJ italiano que comenzó su carrera en 1984, a los dieciocho años, en un club del Piamonte llamado Top Sound. Tras finalizar sus estudios, se dedicó por completo a su pasión como DJ y, en 1988, se convirtió en finalista del DMC italiano. En 1989 ganó la competición Walky Cup, retransmitida por televisión, lo que lo consagró como el mejor DJ de Italia. 

MIÉRCOLES 24 DE JUNIO

Para esta fecha disfrutarás de los sets de Chicane, Symmetrik, Liam Wilson, Vicky Divine y Sander van Doorn. Sander van Doorn, un artista que ha marcado una generación y que ha remodelado nuestra percepción de lo que puede ser la música de baile, es sin duda uno de los DJ/productores más esenciales, influyentes y populares de la música de baile actual. Sander van Doorn entró en la escena musical en 1995, con sólo dieciséis años. Básicamente, es imposible asignarle un género específico; su música se ve influida por un espectro muy amplio de factores. Sigue siendo un productor inmensamente prolífico y diverso, con su monstruosa producción en solitario y colaboraciones masivas que le ayudan a acumular millones de reproducciones en YouTube y Spotify.

MIÉRCOLES 1 DE JULIO 

Para terminar esta serie de eventos dedicados al trance, la mítica marca Goodgreef se pone al mando con las actuaciones de Billy Gillies B2B Bryan Kearney, Megabosh (Eddie Halliwell & Mauro Picotto), Chris Metcalfe y Liam Wilson. Goodgreef es una de las marcas más emblemáticas e influyentes de la escena trance y hard dance del Reino Unido. Nacida en el norte de Inglaterra en el año 2000, la promotora se convirtió rápidamente en un referente dentro de la cultura clubbing británica gracias a su apuesta por sonidos enérgicos, producciones espectaculares y una conexión única con el público. Durante más de dos décadas, Goodgreef ha sido responsable de algunas de las noches y festivales más memorables de la escena electrónica, consolidando una identidad propia reconocible en todo el mundo por su icónico logo amarillo. A lo largo de su historia, Goodgreef ha reunido a algunos de los nombres más importantes Con más de 25 años de trayectoria, Goodgreef sigue representando el espíritu más puro del trance: energía, emoción y comunidad, manteniéndose como una de las marcas más respetadas y queridas por los seguidores de la música electrónica en Europa.

Bonnie Tyler, una de las voces más emblemáticas del pop y rock de los años 80, fue internada para someterse a una operación intestinal y quedó en coma.

“Lamentamos muchísimo anunciar que Bonnie ha sido ingresada en un hospital de Faro, en Portugal, donde posee una residencia, para someterse a una operación intestinal de urgencia”, señaló el mensaje publicado en el sitio oficial de la artista de 74 años.

El comunicado precisó además que “la intervención se desarrolló correctamente” y que la cantante británica se encuentra actualmente en recuperación, aunque no se brindaron más detalles sobre su estado de salud ni sobre los motivos específicos de la cirugía.

Nacida como Gaynor Sullivan en Gales en 1951, Bonnie Tyler construyó una carrera internacional marcada por su voz ronca y rasposa, convertida en sello personal tras una operación de cuerdas vocales en los años 70 que modificó definitivamente su tono.

La cantante alcanzó fama mundial con éxitos como Total Eclipse of the Heart, lanzado en 1983 y convertido en uno de los himnos románticos más reconocibles de la música pop.

Otros de sus grandes clásicos fueron It’s a heartache y Holding Out for a Hero, canciones que trascendiern generaciones gracias a su presencia constante en películas, series y publicidades. Su estilo, una mezcla de rock melódico y pop dramático, la convirtió en una de las artistas más representativas de la década del 80.

A lo largo de su carrera vendió millones de discos y obtuvo múltiples nominaciones a premios internacionales. Y si bien la noticia de su internación generó preocupación entre sus seguidores, el parte difundido por su equipo transmitió tranquilidad al confirmar que la operación fue exitosa y que la cantante evoluciona favorablemente.