Adrián Dárgelos, cantante de Babasónicos, sufrió una fuerte caída durante el show que la banda ofreció el sábado 13 de junio en el Predio Ferial de Comodoro Rivadavia, Chubut. El incidente ocurrió mientras la banda interpretaba Microdancing y los videos del momento se viralizaron en redes sociales en cuestión de minutos, generando una ola de preocupación entre los seguidores del grupo.
El episodio ocurrió cuando el artista avanzaba por una pasarela lateral del escenario para acercarse al público, un recurso habitual en sus presentaciones. Dio un paso en falso, perdió el equilibrio por completo y cayó hacia una zona considerablemente más baja que el nivel principal de la estructura, golpeando con el borde antes de terminar de caer. El momento quedó registrado desde múltiples ángulos por los celulares de los asistentes.
Durante los segundos que siguieron, el cantante permaneció en el sector inferior mientras integrantes del staff se acercaban para asistirlo. La banda no se detuvo: Diego «Uma-T» Tuñón, el tecladista, tomó la letra y continuó con la canción para sostener el show ante el público, que observaba la escena con visible incertidumbre.
El alivio llegó rápido ya que Dárgelos logró ponerse de pie por sus propios medios, se acomodó la ropa y volvió al escenario en cuestión de segundos, sin señales visibles de dolor. La reacción del público fue una ovación cerrada que recargó la energía del recital, que siguió con total normalidad hasta el final.
Cómo está la salud de Adrián Dárgelos tras la caída
Hasta el momento, ni la banda ni el propio cantante emitieron un comunicado oficial sobre el estado físico de Dárgelos luego del incidente. La única señal concreta sobre su condición es que logró terminar el show sin necesitar asistencia médica y sin interrupciones adicionales.
El hecho de que haya retomado el micrófono de inmediato y completado la presentación da a entender que el golpe no tuvo consecuencias graves en el corto plazo, aunque una caída de esas características sobre el borde de un escenario siempre genera preocupación. Las imágenes que circulan en redes muestran claramente cómo fue el impacto que justificó el susto.
Adrián Dárgelos Babasonicos Festival Bandera
El concierto tenía además un peso especial, ya que fue el regreso de Babasónicos a Comodoro Rivadavia después de 11 años de ausencia. La próxima parada de la gira son dos fechas en el Arena de Buenos Aires, programadas para el 25 y 26 de junio, instancias en las que quedará más claro si la caída dejó alguna secuela.
El exfutbolista Claudio “El Turco” García decidió romper el silencio y hablar públicamente sobre su situación sentimental con Mariela Prieto, una de las participantes de Gran Hermano Generación Dorada. Luego de varias semanas de rumores, versiones cruzadas y comentarios en redes sociales, el exjugador de Racing confirmó que la pareja está separada y reveló un dato clave: la ruptura ocurriómucho antes del ingreso de la mujer al reality.
El testimonio del exjugador llegó después de que distintas imágenes de Mariela Prieto dentro del certamen generaran repercusión. En especial, las escenas de la participante bailando en las fiestas temáticas y mostrando una gran cercanía con otros integrantes de la casa despertaron preguntas entre los televidentes.
Sin embargo, el Turco aclaró que la situación no comenzó por lo ocurrido dentro del programa, sino que el vínculo ya atravesaba una crisis previa. Según trascendió, ambos estaban distanciados desde diciembre, aunque continuaban teniendo contacto y una relación de acompañamiento.
La revelación también generó sorpresa porque, antes del ingreso de Mariela a Gran Hermano 2026, el Turco García había mostrado una actitud de apoyo hacia ella. El exfutbolista incluso estuvo presente en momentos importantes relacionados con su entrada al reality, algo que llevó a muchos seguidores a pensar que continuaban juntos. Frente a esa confusión, sus propias palabras sirvieron para aclarar el panorama: la separación existía, pero ambos habían decidido mantenerla en privado.
El Turco García aseguró que se separó de Mariela Prieto desde antes de Gran Hermano
El dato más fuerte surgió a partir del relato de la periodista Karina Iavícoli, quien contó que habló directamente con el Turco García y que él mismo le confirmó la separación. Según explicó la panelista en Infama, el exfutbolista le aseguró que la distancia con Mariela Prieto venía desde hacía meses y que no era consecuencia de lo ocurrido dentro de Gran Hermano. “Mucho antes de Gran Hermano”, habría sido la frase con la que García resumió la situación.
Además de confirmar la ruptura, el Turco habría expresado preocupación por la exposición de Mariela dentro del programa. De acuerdo con el testimonio de Iavícoli, el exfutbolista se encuentra “cabizbajo” por todo lo que está ocurriendo y teme por la reacción que pueda tener su exesposa cuando salga de la casa y conozca la repercusión que tuvieron sus acciones. La preocupación estaría relacionada especialmente con el impacto de las redes sociales y los comentarios del público.
Uno de los puntos que más llamó la atención fueron las declaraciones sobre las fiestas temáticas del reality. Según se informó, García habría dicho que durante esas noches siente que “no reconoce” algunas actitudes de Mariela y que ciertos bailes o acercamientos dentro de la casa le generan incomodidad. La situación habría sido interpretada por el exfutbolista como algo que podría afectar emocionalmente a ambos, aunque también habría reconocido que ella está viviendo una experiencia intensa dentro del juego.
A pesar del momento delicado, el Turco García dejó abierta una puerta para el futuro. Según los testimonios difundidos, no considera que la separación sea necesariamente definitiva y cree que todavía queda una conversación pendiente con Mariela. “No siente que este sea el final”, fue una de las ideas que trascendieron sobre su postura.
El ambiente de Hollywood se encuentra en estado de alerta tras conocerse la noticia de que el actor Corey Feldman, una de las figuras más emblemáticas del cine de los años 80 por sus papeles en clásicos como Los Goonies y Cuenta conmigo, debió ser internado de urgencia. El recordado artista sufrió una complicación de salud imprevista que obligó a activar los protocolos de emergencia de manera inmediata.
De acuerdo con lo informado por el portal estadounidense TMZ, la estrella padeció una descompensación en pleno vuelo mientras viajaba desde la ciudad de Chicago con destino a Los Ángeles. Apenas el avión aterrizó en el aeropuerto internacional LAX durante la tarde del lunes, el personal médico ya se encontraba esperando en la pista para brindarle asistencia médica prioritaria.
Corey Feldman 3
Un vocero del Departamento de Bomberos de Los Ángeles confirmó públicamente que una unidad de rescate se trasladó de urgencia hacia la terminal aérea para estabilizar y trasladar al actor de 54 años. Feldman fue derivado a un centro de salud local de alta complejidad, donde permanece bajo observación para ser sometido a una evaluación exhaustiva y determinar los tratamientos a seguir.
Por qué internaron de urgencia a Corey Feldman
Una fuente cercana a Feldman declaró al portal TMZ que, durante el trayecto aéreo, la exestrella adolescente comenzó a sentirse muy mal. A bordo, un médico que viajaba como pasajero pudo revisarlo, lo que dio pie a las primeras noticias sobre su estado: los profesionales contemplan la posibilidad de que sufra un cuadro urgente de pancreatitis o cálculos biliares.
La pancreatitis consiste en una inflamación severa del páncreas, en tanto que los cálculos biliares son depósitos endurecidos de líquido digestivo acumulados en la vesícula. Si se genera una obstrucción en el organismo, ambas afecciones provocan dolores agudos, repentinos y sumamente intensos, lo que motivó el traslado inmediato del actor apenas tocó suelo estadounidense.
Corey Feldman 2
Feldman se encontraba en la ciudad de Chicago antes de padecer este alarmante episodio de salud. Su visita obedecía a un motivo muy especial: participar en la celebración de un nuevo aniversario de Cuenta conmigo, la icónica producción cinematográfica de los años 80 que consagró su carrera en la industria de Hollywood.
De hecho, la noche anterior a su descompensación, el artista asistió al mítico Chicago Theatre junto a sus excompañeros de reparto, Jerry O’Connell y Wil Wheaton. Los actores se reunieron con miles de fanáticos en el evento especial denominado Stand By Me: The Film and Its Stars 40 Years Later, donde se proyectó la película y se revivieron anécdotas de la filmación.
A través de sus redes sociales, Feldman había compartido fotos y videos del viaje, mostrándose muy entusiasmado con sus seguidores por este reencuentro. En sus últimas declaraciones antes del susto médico, remarcó el fuerte lazo que todavía mantiene con el elenco al afirmar que las bromas y la conexión siguen intactas a pesar de las décadas, añorando también a quienes ya no están presentes.
El pasado no siempre llega hasta nosotros en silencio. A veces llega sin color. Cerámicas, sellos, figurillas y relieves que alguna vez tuvieron tonos vivos aparecen hoy apagados por la humedad, la química del suelo, los microorganismos y miles de años de degradación. En arqueología, esa pérdida no es un detalle estético: también borra información sobre identidad, simbolismo, tecnología artesanal y formas de mirar el mundo.
Eso es precisamente lo que ocurre con muchos objetos de la civilización del Indo, también conocida como civilización Harappa. Britannica la sitúa entre las primeras grandes culturas urbanas del mundo antiguo, con una fase central aproximada entre 2600 y 1900 a. C., y con ciudades clave como Harappa y Mohenjo-daro en el actual Pakistán.
Ahora, un equipo de investigadores propone una solución tan sugerente como delicada: usar inteligencia artificial generativa para reconstruir de manera digital los colores perdidos de esos artefactos. Según la ficha académica de la Universidad de Génova, el estudio se titula Generative AI for Digital Color Restoration in Archaeology: Reconstructing Lost Pigments of the Harappan Civilization y plantea un marco de trabajo para simular el aspecto original de objetos descoloridos o erosionados mediante IA, datos de pigmentos y metadatos arqueológicos.
El problema no es pintar el pasado, sino reconstruir lo que ya no puede medirse
La arqueología lleva años utilizando tecnologías de imagen para estudiar restos de pigmentos. Las técnicas multiespectrales e hiperespectrales, por ejemplo, permiten analizar superficies sin dañarlas y han sido especialmente útiles en conservación, historia del arte y patrimonio arqueológico. La revisión de Haida Liang sobre estas técnicas explica que su gran ventaja es recoger información espacial y espectral de los objetos, incluso en piezas frágiles o difíciles de intervenir.
El límite aparece cuando el pigmento ya no está. Estas herramientas pueden detectar lo que sobrevive, pero no pueden leer una señal que desapareció por completo. Si la oxidación, la hidrólisis o la degradación del aglutinante borraron todo residuo material, la pregunta deja de ser “qué queda” y pasa a ser otra mucho más complicada: “qué pudo haber estado allí”.
Ahí entra el estudio. Según el resumen disponible en el repositorio IRIS de la Universidad de Génova, los autores proponen pasar de la simple documentación del color a una reconstrucción cromática computacional, utilizando imágenes de cerámicas de terracota, sellos y figurillas harappanas, además de conjuntos de pigmentos conocidos y metadatos contextuales.
Una IA entrenada para generar colores arqueológicamente plausibles
El sistema descrito en el trabajo utiliza un modelo generativo de difusión ajustado para tareas de restauración cromática. No es una herramienta pensada para aplicar filtros llamativos ni para “embellecer” piezas antiguas. La idea es más precisa: generar propuestas visuales que tengan sentido dentro de un contexto arqueológico.
De acuerdo con la ficha del estudio, el modelo fue afinado con imágenes de alta resolución de cerámicas, sellos y figurillas, y condicionado con información arqueológica para predecir valores cromáticos originales. Después, las reconstrucciones pasaron por una calibración colorimétrica para mantener consistencia visual y precisión perceptiva.
La diferencia importante está en los metadatos. Según el resumen académico, el sistema no trabaja solo con píxeles: incorpora datos sobre el tipo de objeto, la procedencia, los pigmentos conocidos y el estado de conservación. Eso permite que la IA no imagine colores desde cero, sino que construya hipótesis visuales apoyadas en el contexto material y cultural.
Los resultados no se presentan como certezas, sino como hipótesis visuales
El punto más delicado de este tipo de tecnología es evidente: una reconstrucción digital puede parecer demasiado convincente. Y cuando una imagen parece “real”, el público tiende a leerla como verdad histórica, aunque en realidad sea una inferencia.
Por eso el valor del estudio no está solo en la generación de imágenes, sino en la forma de presentarlas. Según los autores, las reconstrucciones deben entenderse como simulaciones plausibles del aspecto original de artefactos degradados, no como una recuperación exacta del pasado. La ficha de la Universidad de Génova insiste en esa idea al destacar que la IA puede aportar nuevas posibilidades para restauración virtual, divulgación y visualización educativa, siempre dentro de un marco reproducible y culturalmente sensible.
La cuestión ética no es menor. Un informe del Parlamento Europeo sobre IA y patrimonio cultural recuerda que la inteligencia artificial ya se utiliza en museos y archivos para reconstruir partes perdidas, analizar documentos o detectar restos arqueológicos, pero también subraya que el factor humano sigue siendo esencial para interpretar y validar esos resultados.
La IA puede ayudar a ver el pasado, pero no reemplaza al arqueólogo
La tentación sería decir que la IA “devolvió” los colores de Harappa. Pero esa frase sería demasiado fuerte. Lo que hizo, según el planteamiento del estudio, fue algo más prudente y quizá más interesante: proponer una manera de reconstruir digitalmente posibles cromatismos perdidos cuando la evidencia física ya no alcanza.
Eso abre un camino útil para museos, investigación y divulgación. Una pieza descolorida puede mostrarse junto a una hipótesis visual documentada. Un visitante puede entender que la cerámica antigua no siempre fue una superficie apagada. Un conservador puede comparar reconstrucciones alternativas. Un investigador puede discutir el peso de un pigmento, una procedencia o una analogía cultural.
La clave está en no confundir simulación con certeza. La IA no viaja 4.000 años al pasado ni recupera mágicamente pigmentos destruidos. Trabaja con probabilidades, patrones y evidencias. Pero si esas reconstrucciones se presentan con transparencia, pueden ayudar a algo muy valioso: devolverle al patrimonio una dimensión visual que el tiempo casi había borrado.
La civilización del Indo no fue beige, muda ni inmóvil. Tuvo objetos, técnicas, símbolos y probablemente colores que hoy apenas intuimos. Esta investigación no cierra esa historia, pero sí abre una ventana nueva: una en la que la IA no sustituye a la arqueología, sino que le presta otra forma de imaginar lo perdido.
Carolina “Pampita” Ardohain ya está en modo mundialista, pero fue una de las tantas personas que cayeron en la trampa de la compra de las figuritas del Mundial 2026 por internet. “Fui estafada”, contó indignada.
La modelo, que está acreditada para cubrir la Copa del Mundo en Estados Unidos, contó durante un stream que, como tiene tres varones, Bautista, Beltrán y Benicio Vicuña, les pedían comenzar con la colección, por lo que decidió hacer inversión y comprar una caja por internet para luego ir dividiéndoselas de a poco. Sin embargo, nada fue como esperaba.
Santiago Artemis quedó envuelto en una polémica por una cuenta en un restaurante.
Según trascendió, no tenía dinero suficiente para pagar el consumo.
Habría intentado buscar alternativas para resolver la situación.
El episodio se viralizó y generó repercusión en redes y medios.
Una situación tan inesperada como polémica ocurrida en un bar terminó convirtiéndose en uno de los temas más comentados de la semana en los programas de espectáculos y las redes sociales. Lo que comenzó como una salida nocturna común derivó en un episodio que rápidamente trascendió las paredes del local y abrió el debate sobre los privilegios y comportamientos de algunas figuras públicas cuando llega el momento de afrontar una cuenta elevada.
Según relató Santiago Sposato, el protagonista de la historia fue el diseñador e influencer Santiago Artemis. De acuerdo con la versión difundida, al recibir el monto final de los consumos, el mediático intentó encontrar alternativas para evitar el pago inmediato, recurriendo a explicaciones y planteos que sorprendieron tanto al personal del establecimiento como a quienes presenciaban la escena.
Santiago Artemis 28-03-24
Instagram @santiagoartemis
La información indica que Artemis no contaba con el dinero suficiente para cubrir el gasto en ese momento, circunstancia que dio origen al conflicto. La situación, acompañada por una serie de propuestas poco convencionales dirigidas al personal del lugar, terminó convirtiéndose en una anécdota viral que colocó al diseñador en el centro de la conversación mediática y alimentó las repercusiones en el mundo del espectáculo.
Qué hizo un famoso cuando tenía que pagar la cuenta en el restaurante
Lo que comenzó como una cena en un exclusivo restaurante terminó convirtiéndose en una historia que rápidamente llegó a los medios de espectáculos. La situación salió a la luz luego de que trascendiera un incómodo episodio protagonizado por una figura del ambiente artístico al momento de recibir la cuenta, generando sorpresa entre los presentes y repercusiones en redes sociales.
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Santiago Artemis presenta su reality: La vergüenza es muy limitante
Según contó Santiago Sposato, el protagonista del hecho fue el diseñador e influencer Santiago Artemis. De acuerdo con la información difundida, el creador de moda se encontró con un monto elevado por los consumos realizados durante la velada y, ante esa situación, recurrió a distintas explicaciones y propuestas inusuales que llamaron la atención del personal del establecimiento.
La versión periodística señala que Artemis no pudo afrontar el pago porque no contaba con el dinero suficiente en ese momento. El episodio, que en principio parecía un inconveniente privado, terminó instalándose en la agenda mediática y abrió el debate sobre los hábitos de consumo, los canjes y la exposición pública de las celebridades cuando enfrentan situaciones cotidianas fuera de las cámaras.
En un contexto donde buena parte de la industria de los festivales parece competir por el tamaño de los carteles, el volumen de asistentes o la espectacularidad de las producciones, RIT/MO volvió a demostrar durante su edición de 2026 que existe otra forma de construir un evento de música electrónica
Los días 29 y 30 de mayo, las faldas de Sierra Elvira, en Atarfe (Granada), acogieron una nueva edición de un festival que continúa defendiendo una idea aparentemente sencilla, pero cada vez más difícil de encontrar: situar la experiencia musical en el centro de todo. Y esa decisión se percibe desde el primer momento.
Mientras gran parte de la escena parece avanzar hacia modelos donde los artistas funcionan como reclamos individuales y las jornadas se construyen alrededor de una sucesión de impactos rápidos, RIT/MO sigue apostando por una lógica distinta. Aquí la programación no se plantea como una colección de nombres. Se concibe como un recorrido.
Uno de los aspectos más interesantes de esta edición volvió a encontrarse precisamente en esa manera de entender el cartel. Frente a la cultura del headliner, donde cada artista parece competir por captar la atención del público durante una hora concreta, en RIT/MO la sensación es la contraria: cada sesión parece existir para ayudar a construir la siguiente.
RIT/MO Festival 2026: una experiencia musical construida como un viaje sonoro
Durante el fin de semana resultó especialmente evidente la importancia concedida a los warm ups y a las transiciones. Lejos de buscar impactos inmediatos, las dos jornadas se desarrollaron como largos viajes musicales donde el público tenía tiempo para entrar progresivamente en la experiencia. Artistas como Glossy Mario, Fuentes-Guerra b2b Juanito Jones, Unreal Vibes o Deceit fueron los encargados de abrir las puertas del festival con sesiones pacientes, generosas y perfectamente adaptadas al momento del día. A medida que avanzaban las horas, la narrativa iba creciendo de forma orgánica gracias a figuras como Daniel Kelsan, Lucient o Acidheaven, encargados de construir puentes entre atmósferas y energías distintas.
Esta forma de programar permite que propuestas muy diferentes convivan con naturalidad. House psicodélico, electro, trance, techno, ambient o sonidos difíciles de clasificar aparecieron constantemente a lo largo del fin de semana sin necesidad de compartimentar estilos ni públicos. Más que una suma de actuaciones, RIT/MO volvió a funcionar como una conversación musical continua.
Los momentos más celebrados llegaron, naturalmente, durante las horas calientes. El encuentro entre Lena Willikens y Vladimir Ivkovic volvió a demostrar por qué ambos son unos adorables marcianos dentro de la escena. Lukas Wigflex sorprendió a quienes todavía no habían tenido la oportunidad de verlo en directo.
En el escenario MORDISCO, artistas como Kim Ann Foxman, John Talabot, DJ Masda, Sugar Free o Binh protagonizaron algunas de las sesiones más comentadas del fin de semana. Mientras tanto, en LATIDO, Sleep D desarrolló su particular visión de la rave contemporánea antes de que Aurora Halal firmara uno de los cierres más esperados del festival y que cumplió con creces las altas expectativas. Los que se sumergieron en el bosque de RIT/MO para encadenar los sets seguidos de Melina Serser, Vlada y Konduku seguramente no lo olvidarán en mucho tiempo.
La naturaleza y el arte contemporáneo como parte esencial de la experiencia
Sin embargo, limitar la edición de 2026 a su programación musical sería quedarse solo con una parte de la historia. Uno de los grandes aciertos de RIT/MO este año fue demostrar que las mejoras en un festival no siempre tienen que ver con crecer. A veces tienen que ver con cuidar. Las modificaciones introducidas en el recinto no perseguían aumentar aforo ni generar una mayor sensación de espectacularidad. El objetivo era exactamente el contrario: reducir fricciones y favorecer la inmersión.
La nueva orientación del escenario MORDISCO buscaba mejorar la escucha y la relación entre pista, escenario y paisaje. El resultado fue una experiencia más orgánica, donde la atención permanecía en la música mientras el cortado de piedra de Sierra Elvira y la vegetación que rodea el recinto servían de decoración perfecta.
Algo similar ocurrió en LATIDO. La incorporación de suelo técnico en le espacio fue algo muy valorado, y las elevadas temperaturas registradas durante el fin de semana apenas se dejaron sentir bajo la sombra permanente de los árboles que rodean este escenario.
La iluminación fue, probablemente, uno de los elementos que mejor sintetizó la filosofía de esta edición. Lejos de competir con el entorno, trabajó a su favor. Árboles, senderos, laderas y formaciones rocosas pasaron a formar parte activa de la propuesta visual, reforzando la sensación de que el paisaje era un elemento más de la experiencia.
La intervención de la artista contemporánea Hodei Rodríguez añadió una nueva capa de significado al conjunto. Sus máscaras distribuidas por distintos puntos del recinto no funcionaban como una instalación para ser contemplada a distancia, sino como una obra abierta a la interacción. Integradas en el recorrido del festival, convivían con los asistentes y evolucionaban junto a ellos.
Y quizá ahí se encuentre una de las claves para entender lo ocurrido en Atarfe. En una época dominada por el consumo rápido de contenidos, por la necesidad constante de documentar cada experiencia y por la búsqueda permanente de estímulos inmediatos, resultaba llamativa la cantidad de personas que simplemente permanecían bailando. Sin necesidad de registrar cada momento. Con la atención puesta exclusivamente en la música.
A ello se sumó una logística especialmente cuidada: barras sin largas esperas, baños accesibles, amplias zonas para bailar, etc., etc. Todo ello contribuyó a reforzar una sensación cada vez más difícil de encontrar en el circuito contemporáneo. Y la de que todavía existen espacios donde la escucha, el baile y el encuentro siguen siendo suficientes.
Atarfe consolida a RIT/MO como una de las citas más especiales de la escena electrónica
En tiempos de consumo rápido, RIT/MO volvió a reivindicar algo tan sencillo como pasar horas escuchando música en un entorno privilegiado junto a personas que comparten una misma pasión. Y, a juzgar por lo vivido durante este último fin de semana de mayo, cada vez son más quienes parecen echar de menos precisamente eso.
The Lenovo Garage, el nuevo espacio de Autocine Madrid, reunió el sábado 6 de junio a artistas internacionales y talento emergente en una experiencia que dejó una valoración muy positiva entre los asistentes
Steve Aoki convierte Madrid en el epicentro de la música electrónica. El sábado 6 de junio una de las citas más destacadas del calendario de música electrónica de 2026. Se trata del evento protagonizado por Steve Aoki en The Lenovo Garage, que reunió a 4.000 asistentes en una jornada ininterrumpida de siete horas.
Desde la apertura de puertas, más de 4.000 personas se dieron cita en The Lenovo Garage, el innovador espacio de Autocine Madrid, para disfrutar de una experiencia inmersiva única que combinó una cuidada producción audiovisual, propuestas gastronómicas, zonas VIP y una programación musical de primer nivel.
Steve Aoki convierte Madrid en el epicentro de la música electrónica
El gran protagonista de la noche fue Steve Aoki, una de las figuras más influyentes de la música electrónica internacional, que hizo parada en Madrid dentro de su Summer Tour 2026. El reconocido DJ y productor estadounidense desplegó toda su energía sobre el escenario con un espectáculo cargado de interacción con el público, efectos visuales y algunos de sus éxitos más conocidos, convirtiéndose en uno de los momentos más destacados y celebrados del evento.
La jornada contó también con la actuación del dúo madrileño SHAKE COCONUT, encargado de abrir el evento con una sesión llena de ritmo, personalidad y sonidos electrónicos; así como del dúo británico Switch Disco, que hizo bailar a los asistentes gracias a sus exitosos reworks y a su característica fusión de house contemporáneo con influencias pop.
Más de 4.000 asistentes disfrutan de una experiencia inmersiva en The Lenovo Garage
La organización del evento ha sido posible gracias a la colaboración entre NO.MAD Project, productora especializada en eventos experienciales y gestión de patrocinios; The Lenovo Garage; y Global Headliner Collective, compañía experta en booking y management de artistas de música electrónica. La unión de estas entidades ha permitido crear una cita musical de referencia que ha situado a Madrid en el foco de la escena electrónica nacional e internacional.
The Lenovo Garage se consolida así como uno de los espacios para eventos más innovadores y versátiles de Madrid, destacando por su capacidad para integrar diferentes ambientes, áreas VIP, oferta gastronómica y tecnología audiovisual avanzada, convirtiéndose en un referente para la celebración de conciertos, festivales y experiencias de entretenimiento de gran formato.
Con una asistencia superior a las 4.000 personas y una valoración muy positiva por parte del público, la organización realiza un balance altamente satisfactorio de esta primera edición, que ya se posiciona como una de las grandes citas de la música electrónica en Madrid durante 2026.
El nuevo APC-2 de Teenage Engineering lo hace realidad.
Teenage Engineering, en colaboración con el estudio Supersense, con sede en Viena, ha presentado un novedoso dispositivo de audio. El APC-2 permite grabar en directo directamente sobre un disco de vinilo, dirigido a un público muy específico de aficionados al vinilo, artistas y estudios experimentales.
El dispositivo no es un tocadiscos tradicional, sino una máquina de corte compacta para la llamada grabación directa al disco. Las señales de audio se pueden introducir mediante una entrada jack, entre otros métodos, y según las especificaciones, también es posible la integración con un DAW.
Teenage Engineering y Supersense destacan la alta calidad de sonido del sistema
El APC-2 no es precisamente adecuado para un salón. Mide 1,3 metros de alto, 60 centímetros de ancho, 40 centímetros de profundidad. Y pesa alrededor de 140 kilogramos.
Teenage Engineering es conocida por su tecnología de audio poco convencional, desde sintetizadores compactos hasta colaboraciones de diseño con IKEA. Con el APC-2, la compañía amplía su catálogo con una herramienta especialmente especializada para la producción musical analógica.
Con más de tres décadas gastando suelas en las pistas y quemando pestañas en las redacciones de la prensa musical, a uno le quedan pocas cosas intactas bajo la piel, salvo el instinto y una vieja capacidad de asombro. Lo sucedido en Buscastell (en la foto) no es una simple anécdota de verano; es el síntoma definitivo de una industria que parece devorarse a sí misma.
Texto: Fernando Fuentes
Ver a artistas de la talla internacional de Sébastien Léger, WhoMadeWho o Seth Troxler en el cartel de un evento clandestino con más de mil asistentes no es una casualidad. Es la profesionalización de la ilegalidad. Ya no hablamos de cuatro amigos con un generador y un par de bafles en mitad del campo. Lo hacemos de macroestructuras con catering, ambulancias y proyecciones de vídeo de última generación. Y tres pistas de baile operando al margen de toda norma. Un festival encubierto bajo el manto de la exclusividad underground.
“La música no va a parar, pero las reglas del juego en la isla blanca acaban de saltar por los aires”.
El clubbing en España, y de manera muy especial en Ibiza, siempre ha cabalgado entre la cultura del hedonismo y la rigidez de la normativa mercantil. Que la asociación Ocio de Ibiza hable ahora de un “punto de inflexión” y exija cláusulas de exclusividad penalizando a los DJs es un movimiento lógico. Pero llega tarde. Durante años, la línea entre la vanguardia secreta y el negocio corporativo ha sido peligrosamente delgada.
“Si los grandes clubes cumplen su amenaza y vetan a los DJS que jueguen a dos bandas, la escena cambiará radicalmente”.
La música electrónica es cultura, es baile y es libertad; pero la masificación irresponsable disfrazada de “fiesta secreta VIP” pone en jaque la seguridad y el respeto a la propia isla. El foco ya no está solo en los promotores piratas, sino en el propio artista. El DJ, que antes era un prescriptor cultural, hoy se enfrenta a un dilema moral y contractual: alimentar el circuito regulado que sostiene la industria musical o sucumbir al cheque y al misticismo de las sombras.
Si los grandes clubes cumplen su amenaza y vetan a los DJS que jueguen a dos bandas, la escena cambiará radicalmente. La música no va a parar, pero las reglas del juego en la isla blanca acaban de saltar por los aires.
