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El pasado 1 de mayo, Artlab celebró una nueva edición de Círculo de Sonido con la participación de Henrik Schwarz, una de las figuras más influyentes y particulares de la electrónica contemporánea.

La fecha, enmarcada dentro de los 10 años del espacio, volvió a proponer una experiencia enfocada en la escucha y la percepción sonora, con un formato que se aleja de la lógica tradicional del club para trabajar sobre el detalle, el tiempo y la relación física entre sonido y público.

Hosteada por Solimano, la noche tuvo a Schwarz desplegando un live set completamente construido en tiempo real, manipulando material propio a partir de stems, síntesis y procesamiento dinámico. Lejos de estructuras cerradas, el alemán desarrolló una narrativa mutable, atravesando momentos, pasajes abstractos y resoluciones de fuerte impacto sobre la pista.

El sistema HiFi de Artlab —basado en parlantes Altec A7 restaurados— funcionó además como una parte central de la experiencia, permitiendo apreciar con enorme definición la espacialidad y microdinámica de cada intervención sonora.

Además de su presentación, Henrik Schwarz conversó con DJ Mag Latinoamérica sobre su enfoque artístico, las diferencias entre un DJ set y un live set, la improvisación y el futuro de la música electrónica.

1. Tu enfoque en vivo se aleja del DJ set tradicional. ¿Qué te permite explorar el formato live que un set convencional no?

Creo que un DJ set y un live set son dos cosas completamente diferentes. También desde lo artístico son muy distintos. El DJ es un curador que trabaja sobre enormes cantidades de música y luego selecciona las piezas que tienen sentido para su idea artística.

En un live set, que es lo que hago yo, toco exclusivamente música que produje yo mismo. Mis propios tracks y remixes. Y esas canciones existen como stems individuales. Puedo llevarlas hacia distintas direcciones, modificarlas e interactuar en tiempo real con lo que está ocurriendo en la pista.

Antes también hacía mucho DJing, y todavía pienso que es algo maravilloso. Pero en un momento se volvió demasiado trabajo hacer ambas cosas realmente bien. Entonces decidí enfocarme en tocar en vivo. Eso fue hace 25 años, cuando apareció Ableton Live, y también era un momento muy emocionante porque todo era completamente nuevo. Yo quería hacerlo bien, así que pensé: voy a dedicarle todo mi tiempo a esto. Y ahí dejé de hacer DJ sets.

A veces me da un poco de pena, porque realmente es algo hermoso. Pero claro, uno trabaja con cosas diferentes. El DJ tiene una visión general de toda la música que se está lanzando en ese momento. Y nosotros, como live acts, probablemente tenemos una visión más cercana de la tecnología que aparece para producir música. Trabajamos con nuevos sonidos. Los creamos y, básicamente, en colaboración con los DJs que luego seleccionan esos tracks, todo termina teniendo sentido como un conjunto. Un ecosistema. Uno que consiste en encontrar nuevas ideas, filtrar las buenas y luego presentarlas al público para ver si realmente funcionan o no.

2. Muchas veces hablás de la idea de una “hoja en blanco” antes de cada presentación. En un espacio como el Círculo de Sonido de Artlab, ¿cómo influyen el lugar y el sistema de sonido en las decisiones que tomás en tiempo real?

Sí, creo que todo empieza, de cierta manera, con una hoja en blanco. El espacio es importante, el sistema de sonido es importante, toda la vibra lo es, por supuesto.

Cuando toco, la mayor parte del tiempo no sé exactamente qué voy a tocar. Más o menos sí, pero no en qué orden ni de qué manera. Puede ser algo suave, rápido, lento, emocional o más energético.

El material de base siempre es mi música. Existe como stems individuales. Y puedo transformarla completamente en tiempo real. Puede tomar muchísimas formas diferentes. Puede ser agresiva o delicada. Y todo eso depende de lo que me llega de vuelta. ¿Qué devuelve el público? ¿Cómo fue todo el día? ¿La tecnología está funcionando bien? Todo tiene algún tipo de influencia.

Creo que eso es muy humano. Y también pienso que es importante que siga siendo muy humano. Cada vez más, especialmente en los últimos años. Me parece importante una forma de expresión muy sutil, incluso cuando la música es fuerte. Siempre hay cosas delicadas ahí adentro. Es una comunicación, por decirlo de alguna manera, entre el mundo exterior y yo, y también entre todas las personas que están en la pista. Yo me incluyo ahí. Sí, es una conversación.

3. Tu música mezcla elementos electrónicos, jazz y música clásica. ¿Cómo conviven hoy esos distintos lenguajes dentro de tu proceso creativo?

Sí, creo que en mi música hay todo tipo de influencias. Al principio estuve muy marcado por el jazz, el funk y mucha música africana. Eso estuvo presente desde el comienzo y, de hecho, todavía sigue ahí.

Durante mucho tiempo —o en realidad pasa casi todos los años— descubro algo enorme que nunca había escuchado antes, y generalmente tiene una influencia muy fuerte sobre lo que hago después. Siempre hay algo nuevo que se filtra. Durante un tiempo fueron, por ejemplo, Arthur Russell, la música de Sun Ra o Moondog, entre muchas otras cosas.

Después, en cierto momento, apareció la música clásica. Me fascinaron especialmente los cuartetos de cuerdas. Ahí podés escuchar una enorme cantidad de ideas. Sobre todo en la música clásica reciente, creo que hay una cantidad increíble de conceptos que se pueden trasladar a nuestra música.

Para mi gusto, la música electrónica es la música más compatible que existe. Puede conectarse con cualquier otro tipo de música. O al menos creo que la música electrónica encuentra más fácilmente una forma de relacionarse con otras músicas y de encontrar un nivel abstracto desde el cual adoptar ideas de otros géneros. Yo todavía hago eso. Y tengo la sensación de que eso todavía está muy lejos de agotarse.

4. Tocaste en clubes, salas de concierto y junto a orquestas. ¿Cómo cambia tu enfoque dependiendo del contexto?

¿Cómo cambia mi enfoque cuando toco en clubes, salas de concierto o con orquestas? Para ser honesto, no creo que cambie demasiado. Para mí, la esencia es, de alguna manera, “la computadora más algo más”, y ese es mi lugar. Soy la persona que está frente a esa computadora.

Eso puede suceder dentro de muchos contextos distintos. Pero yo mismo creo que sigo siendo el mismo. Y no cambia tanto. Puede cambiar mucho desde afuera, pero yo intento comunicarme. Intento escuchar. Intento aportar algo.

Con una orquesta puedo decir al menos esto: a veces es un poco difícil, porque vos sos solo un instrumento. Y después hay otros 80 más. Creo que eso tiene que prepararse muy bien. Es más fácil con un ensamble pequeño. Pero eso es más una cuestión técnica que artística.

Desde lo artístico, diría que simplemente intento hacer mi aporte, escuchar y responder.

5. ¿Cómo encarás una presentación en una ciudad como Buenos Aires y qué tiene de especial este público para vos?

Para ser completamente honesto, encaro una presentación en Buenos Aires exactamente de la misma manera que en cualquier otro lugar. Creo que todos estamos conectados alrededor del mundo. Estamos conectados a través de esta música. Es una comunidad que funciona globalmente.

Incluso creo que hay diferencias entre ciudades, sí. A veces más entre ciudades que entre países. Pero para mí, lo que claramente está en primer plano es que existe una comunidad global que comparte valores en común.

De alguna manera, se trata de que todo el mundo sea bienvenido. Y eso sigue siendo lo más importante. Lo fue durante muchísimos años, desde el principio. Se trata de ser bienvenido sin importar quién seas, qué hagas o de qué país vengas.

Para mí, eso sigue siendo lo más importante de la música electrónica: el hecho de que puede conectar todo y a todos. Uno puede abrirse a eso. Ese es su mayor valor.

6. Mirando hacia adelante, ¿cómo imaginás la evolución de la escena electrónica en los próximos 10 años?

¿Dónde veo a la música electrónica dentro de diez años? Es una pregunta interesante, porque cuando empecé, hace unos 30 años, pensé que esto iba a durar solo cinco años más y después se terminaría. Y sin embargo esta música todavía existe.

La música electrónica siempre estuvo relacionada con las nuevas tecnologías. Y ahora hay una nueva tecnología con la que urgentemente necesitamos involucrarnos: la inteligencia artificial.

La IA nos plantea una enorme cantidad de preguntas nuevas. Es un momento extremadamente interesante. Tecnológicamente, para mí se siente un poco como antes de 1990, cuando las primeras computadoras llegaron a las casas. Una revolución absoluta. Y siento que eso está ocurriendo otra vez ahora: una revolución absoluta a través de una nueva tecnología.

Todavía no sabemos exactamente hacia dónde nos va a llevar. De hecho, creo que la música electrónica puede volver a funcionar como un muy buen filtro. Estamos siendo inundados de contenido generado por IA. Y depende de nosotros filtrar lo que realmente podría ser relevante.

Hasta donde puedo ver, la IA todavía no puede hacer eso. La IA no tiene gusto. Puede generar muchísima música, puede producir mil tracks en un solo día. Pero creo que, de esos mil, probablemente solo tres sean realmente muy buenos. Y la pregunta es: ¿cómo los encontramos?

Para eso, creo que necesitamos algo así como un DJ, un curador. Alguien que haga el esfuerzo de escuchar esos mil tracks y decir: estos tres son buenos.

Sospecho que un solo DJ ya no va a alcanzar. Vamos a necesitar equipos enteros haciendo eso. Equipos que curen y encuentren las cosas valiosas.

Tal vez —y esta es mi esperanza— de ahí surja una música nueva extremadamente compleja. Una música mucho más compleja de lo que hoy podemos imaginar. Eso me parecería muy interesante. Quizás toda la historia de la música comprimida en una sola pieza y conectada de una manera inteligente.

Podría ser cualquier cosa. También podría pasar que nos hundamos en una enorme cantidad de basura; al menos así se siente por momentos. Pero aun así creo que vamos a encontrar una manera de hacer algo bueno con todo esto. Estoy muy convencido de eso.

Schwarz además ofreció una charla abierta al público moderada junto a Mariano Trocca, que funcionó como una especie de clínica sobre producción, tecnología y pensamiento musical. A lo largo del encuentro, el artista profundizó sobre su enfoque del live set, la relación entre improvisación y composición, el rol de la escucha dentro de la electrónica contemporánea y la importancia de mantener una sensibilidad humana en un contexto cada vez más atravesado por herramientas digitales y automatización.

La programación internacional de Círculo de Sonido continuará el próximo 29 de mayo con la presentación de Robag Wruhme junto a Carlos Alfonsin, en una nueva fecha que seguirá profundizando esta línea curatorial impulsada por Artlab en el marco de sus 10 años: experiencias enfocadas en la escucha, la exploración sonora y el cruce entre cultura de pista y experimentación artística.

La fórmula de SpaceX siempre fue bastante distinta a la de las agencias espaciales tradicionales. Mientras otras compañías avanzaban lentamente entre simulaciones y revisiones burocráticas, Elon Musk apostó por una lógica mucho más agresiva: construir rápido, probar rápido, fallar rápido y volver a intentarlo inmediatamente.

Ese modelo terminó funcionando. Hoy SpaceX domina buena parte de la industria espacial privada y realiza lanzamientos prácticamente cada semana. Pero detrás de esa maquinaria tecnológica hay una consecuencia menos visible que empieza a generar tensión en Texas: las comunidades que viven cerca de las instalaciones de prueba de la compañía aseguran que el ritmo frenético de ensayos está afectando sus hogares. Y ahora el conflicto llegó a los tribunales.

Grietas, vibraciones y ventanas rotas: las acusaciones contra SpaceX empiezan a acumularse

Más de 150 residentes del sur y el centro de Texas presentaron dos demandas colectivas contra SpaceX por los daños que, según afirman, provocan las pruebas de motores realizadas en el complejo de McGregor.

Una de las demandas reúne a 80 vecinos y la otra a 77 personas de distintas zonas cercanas. Todos describen escenas bastante similares: paredes agrietadas, cristales destrozados, vibraciones constantes e incluso daños en los cimientos de algunas viviendas.

El centro de McGregor no es cualquier instalación. Se trata del complejo de pruebas de motores de cohetes más activo del planeta. Allí SpaceX realiza ensayos continuos de los motores Merlin y, sobre todo, de los enormes Raptor que impulsan el programa Starship, la pieza clave de Elon Musk para sus ambiciones lunares y marcianas. Y esos motores generan una fuerza brutal.

A diferencia de un lanzamiento espacial, donde gran parte de la energía se libera mientras el cohete asciende, las pruebas estáticas funcionan de otra manera: el motor permanece anclado al suelo mientras libera toda su potencia. Eso provoca enormes ondas acústicas y vibraciones sísmicas que terminan propagándose por kilómetros.

Las propias demandas describen ese fenómeno con bastante crudeza. Según los vecinos, la energía “se impulsa violentamente hacia afuera” mediante ondas acústicas y temblores que impactan directamente sobre las estructuras de las viviendas.

El modelo de SpaceX depende justamente de hacer esto una y otra vez

El verdadero problema para los residentes es que SpaceX no funciona con un calendario ocasional de pruebas. La compañía basa gran parte de su ventaja tecnológica en la repetición constante. Ensayar motores, detectar errores, modificar piezas y volver a probar casi inmediatamente forma parte del ADN de la empresa desde sus inicios.

Solo en mayo hay programados múltiples lanzamientos y actividades relacionadas con Starship. Y detrás de cada misión existe una enorme cantidad de pruebas previas en tierra. Ese ritmo convierte a McGregor en una instalación prácticamente permanente de ruido extremo y vibraciones. Para SpaceX, es una necesidad industrial. Para muchos vecinos, empieza a parecer un problema cotidiano.

Cada una de las demandas reclama hasta un millón de dólares por daños y perjuicios. De momento, la empresa de Elon Musk no realizó declaraciones públicas sobre el caso.

Lo que empezó como una oportunidad económica ahora genera cada vez más tensiones

Durante años, SpaceX fue presentada en Texas como una enorme fuente de empleo y desarrollo económico. La construcción de Starbase incluso transformó parte del área cercana a Boca Chica en una comunidad completamente ligada a la empresa.

Muchos trabajadores se mudaron allí. Comercios crecieron alrededor de las operaciones espaciales. Y la narrativa de “la nueva frontera espacial” ayudó a consolidar cierta identidad local alrededor de SpaceX. Pero esa relación parece haberse vuelto más complicada con el paso del tiempo.

El crecimiento de las pruebas, los cierres frecuentes de carreteras, el ruido constante y ahora las denuncias por daños estructurales están alimentando el malestar de algunos residentes. La situación refleja algo bastante común en los grandes proyectos tecnológicos: la promesa de progreso suele convivir con impactos locales mucho más incómodos. Y SpaceX ya viene acumulando conflictos similares en otros frentes.

SpaceX aprendió a blindarse frente a empleados. Los vecinos podrían ser un desafío diferente

En los últimos años, la compañía también enfrentó demandas laborales impulsadas por exempleados. Sin embargo, SpaceX logró obtener una clasificación como empresa de transporte aéreo, lo que le permite operar bajo normas distintas y dificulta tanto ciertas denuncias como posibles huelgas. Eso le dio bastante margen legal frente a conflictos internos.

El problema es que las demandas vecinales funcionan bajo otra lógica completamente diferente. Aquí no se discuten contratos laborales ni relaciones corporativas, sino posibles daños físicos sobre propiedades privadas. Y ahí la situación podría volverse mucho más delicada.

Porque la gran paradoja de SpaceX es que su éxito depende precisamente de aquello que ahora genera rechazo: probar motores gigantescos una y otra vez hasta empujar la tecnología espacial al límite. El problema es que, mientras los cohetes avanzan hacia Marte, algunos vecinos de Texas sienten que sus casas están pagando parte del precio.

En el 50 aniversario de de Amnesia el trance será protagonista durante el mes de junio 

La música electrónica vive en un constante loop, los estilos se van turnando a lo largo de la historia, y aunque parezca en momentos que desaparecen, siempre se las apañan en regresar. Ese es el caso del trance, que vuelve a estar de moda después de años relegado a un segundo plano. Amnesia Ibiza siempre está atenta a estas corrientes y por eso ha decidido darle su espacio durante el mes de junio.

Amnesia Ibiza Trance se celebra todas las semanas del 3 de junio al 1 de julio, con artistas que fueron claves en el éxito de legendarias fiestas como Cream y Armada. Cada fecha promete tener su propia huella distintiva, fusionando el sonido clásico con la interpretación moderna, todo ello con el emblemático ambiente de las pistas de baile de Amnesia como telón de fondo.

MIÉRCOLES 3 DE JUNIO

La primera fiesta tendrá como protagonistas a Les Schmitz B2B Vicky Divine, Gia, Chicane, Judge Jules y al gran Markus Schulz. Durante los últimos años, Markus Schulz ha fusionado las identidades musicales individuales del progressive, house y trance en un sonido híbrido propio y ya inimitable. A través de una combinación única de sesiones como DJ principal, lanzamientos en los sellos Armada y Coldharbour, y su reconocido programa de radio Global DJ Broadcast, ha liderado una auténtica revolución dentro de la escena trance en Estados Unidos. Este éxito se ha reflejado en actuaciones semanales frente a decenas de miles de personas, una audiencia de GDJB que alcanza millones de oyentes y una sucesión constante de números uno en Beatport.

MIÉRCOLES 10 DE JUNIO

Para la segunda fiesta tendremos a Billy Gillies, Giuseppe Ottaviani, Kimmic, Vicky Divine y encabezando el cartel a Ferry Corsten. Pionero y fuerza dinámica dentro de la industria de la música electrónica de baile, Ferry Corsten nunca deja de sorprender, impresionar e incluso desafiar a sus contemporáneos gracias a la energía y el talento que plasma en sus producciones y sets musicales. Es ampliamente reconocido por haber abierto las puertas de la escena internacional a productores y DJs holandeses. Conocido por la innumerable cantidad de alias bajo los que ha producido y realizado remixes desde el lanzamiento de su primer disco a los dieciséis años, Ferry Corsten se ha mantenido firme en la persecución de su sueño de llevar su sublime y único sonido a amantes de la música de todo el mundo. En ese camino, no solo ha ganado el respeto dentro de la industria musical que ha construido a su alrededor, sino también dentro de otros géneros musicales afines.

MIÉRCOLES 17 DE JUNIO

La banda sonora de este evento estará a cargo de Marco V, Nifra, Les Schmitz y sobre todo Eddie Halliwell y Mauro Picotto. Increíblemente apasionado por la música, Eddie contagia al público con su energía, cautivándolo con actuaciones altamente visuales,su interacción con la audiencia hay que verla para creerla y con impresionantes habilidades en los platos. Mauro un DJ italiano que comenzó su carrera en 1984, a los dieciocho años, en un club del Piamonte llamado Top Sound. Tras finalizar sus estudios, se dedicó por completo a su pasión como DJ y, en 1988, se convirtió en finalista del DMC italiano. En 1989 ganó la competición Walky Cup, retransmitida por televisión, lo que lo consagró como el mejor DJ de Italia. 

MIÉRCOLES 24 DE JUNIO

Para esta fecha disfrutarás de los sets de Chicane, Symmetrik, Liam Wilson, Vicky Divine y Sander van Doorn. Sander van Doorn, un artista que ha marcado una generación y que ha remodelado nuestra percepción de lo que puede ser la música de baile, es sin duda uno de los DJ/productores más esenciales, influyentes y populares de la música de baile actual. Sander van Doorn entró en la escena musical en 1995, con sólo dieciséis años. Básicamente, es imposible asignarle un género específico; su música se ve influida por un espectro muy amplio de factores. Sigue siendo un productor inmensamente prolífico y diverso, con su monstruosa producción en solitario y colaboraciones masivas que le ayudan a acumular millones de reproducciones en YouTube y Spotify.

MIÉRCOLES 1 DE JULIO 

Para terminar esta serie de eventos dedicados al trance, la mítica marca Goodgreef se pone al mando con las actuaciones de Billy Gillies B2B Bryan Kearney, Megabosh (Eddie Halliwell & Mauro Picotto), Chris Metcalfe y Liam Wilson. Goodgreef es una de las marcas más emblemáticas e influyentes de la escena trance y hard dance del Reino Unido. Nacida en el norte de Inglaterra en el año 2000, la promotora se convirtió rápidamente en un referente dentro de la cultura clubbing británica gracias a su apuesta por sonidos enérgicos, producciones espectaculares y una conexión única con el público. Durante más de dos décadas, Goodgreef ha sido responsable de algunas de las noches y festivales más memorables de la escena electrónica, consolidando una identidad propia reconocible en todo el mundo por su icónico logo amarillo. A lo largo de su historia, Goodgreef ha reunido a algunos de los nombres más importantes Con más de 25 años de trayectoria, Goodgreef sigue representando el espíritu más puro del trance: energía, emoción y comunidad, manteniéndose como una de las marcas más respetadas y queridas por los seguidores de la música electrónica en Europa.

Bonnie Tyler, una de las voces más emblemáticas del pop y rock de los años 80, fue internada para someterse a una operación intestinal y quedó en coma.

“Lamentamos muchísimo anunciar que Bonnie ha sido ingresada en un hospital de Faro, en Portugal, donde posee una residencia, para someterse a una operación intestinal de urgencia”, señaló el mensaje publicado en el sitio oficial de la artista de 74 años.

El comunicado precisó además que “la intervención se desarrolló correctamente” y que la cantante británica se encuentra actualmente en recuperación, aunque no se brindaron más detalles sobre su estado de salud ni sobre los motivos específicos de la cirugía.

Nacida como Gaynor Sullivan en Gales en 1951, Bonnie Tyler construyó una carrera internacional marcada por su voz ronca y rasposa, convertida en sello personal tras una operación de cuerdas vocales en los años 70 que modificó definitivamente su tono.

La cantante alcanzó fama mundial con éxitos como Total Eclipse of the Heart, lanzado en 1983 y convertido en uno de los himnos románticos más reconocibles de la música pop.

Otros de sus grandes clásicos fueron It’s a heartache y Holding Out for a Hero, canciones que trascendiern generaciones gracias a su presencia constante en películas, series y publicidades. Su estilo, una mezcla de rock melódico y pop dramático, la convirtió en una de las artistas más representativas de la década del 80.

A lo largo de su carrera vendió millones de discos y obtuvo múltiples nominaciones a premios internacionales. Y si bien la noticia de su internación generó preocupación entre sus seguidores, el parte difundido por su equipo transmitió tranquilidad al confirmar que la operación fue exitosa y que la cantante evoluciona favorablemente.

• El reconocido actor de Hollywood volvió a sorprender por su apariencia física y su energía a los 73 años
• La estrella de la icónica saga de dinosaurios mantiene una estricta rutina diaria de ejercicios desde temprano por la mañana
• El artista aseguró que actualmente prioriza el bienestar físico y la movilidad antes que ganar masa muscular
• Su transformación física se volvió viral en redes sociales y generó miles de comentarios entre fanáticos del cine

Estrella de Jurassic Park: el actor de la famosa saga de dinosaurios y Wicked sorprendió a sus seguidores tras revelar detalles de la rutina diaria que lo ayuda a mantenerse activo, con energía y en excelente estado físico. Así fue la impresionante transformación de Jeff Goldblum a sus 73 años.

Lejos de bajar el ritmo, el protagonista de la saga de dinosaurios mantiene hábitos estrictos que incluyen ejercicio físico todos los días, una alimentación saludable y una rutina organizada desde las primeras horas de la mañana.

Su transformación generó miles de comentarios en redes sociales, donde muchos destacaron lo joven y vital que luce actualmente.

Como fue la increíble transformación de Jeff Goldblum

Según contó en distintas entrevistas, Goldblum suele despertarse alrededor de las cinco de la mañana para comenzar una sesión de entrenamiento antes de que se despierte el resto de su familia. El actor combina ejercicios cardiovasculares, pesas y estiramientos en una misma rutina que dura aproximadamente 45 minutos.

Actualmente prioriza entrenamientos más dinámicos y completos, enfocados en trabajar todo el cuerpo y mantener la movilidad. A diferencia de otras etapas de su vida, ya no busca ganar masa muscular, sino conservar energía, fuerza y bienestar físico.

Además del gimnasio, también disfruta practicar deportes como tenis y mantenerse en movimiento durante el día. El actor explicó que el ejercicio se transformó en una parte esencial de su rutina cotidiana y que no se siente bien cuando deja de hacerlo. Otro de los puntos que más influyó en la transformación física de Goldblum fue su cambio de alimentación. En los últimos años decidió dejar de consumir carne y aves para adoptar una dieta pescetariana.

El artista contó que comenzó a reflexionar sobre el bienestar animal luego de trabajar en Wicked. Desde entonces, prioriza frutas, verduras, cereales integrales y alimentos más naturales dentro de su dieta diaria. También reveló que evita el alcohol, los alimentos ultraprocesados y las comidas fritas, hábitos que considera fundamentales para sentirse bien física y mentalmente.

• Una imagen de Wanda Nara y Maxi López generó revuelo por la cercanía que mostraron frente a cámara
• Las redes sociales estallaron con rumores de reconciliación entre la expareja
• El fuerte nivel de complicidad en la foto hizo que muchos confundieran ficción con realidad
• El presente sentimental de Maxi López volvió a quedar en el centro de atención tras la viralización

Una imagen de Wanda Nara y Maxi López volvió a revolucionar las redes sociales luego de que se filtró una foto de ellos a punto de besarse. en la escena ambos aparecen muy cerca y en una intensa escena intima. ¿Están juntos?

La fotografía despertó todo tipo de especulaciones entre los seguidores de la expareja, que durante años protagonizó una de las historias mediáticas más comentadas del espectáculo argentino.

El revuelo mediático también se potenció por el presente sentimental del exfutbolista, actualmente en pareja con Daniela Christiansson. En redes sociales no tardaron en aparecer teorías, reacciones y mensajes vinculados a la historia sentimental que Wanda y Maxi compartieron durante años.

Cómo fue la foto que se filtró entre Maxi López y Wanda Nara

Aunque muchos interpretaron la imagen como una reconciliación inesperada, lo cierto es que la escena forma parte de la serie “Triángulo Amoroso”, el nuevo proyecto audiovisual en el que ambos participan. Sin embargo, la intensidad de la captura y la química que transmiten frente a cámara alcanzaron para generar debate y comentarios sobre el vínculo actual entre ellos.

La repercusión creció todavía más por el presente sentimental de Maxi, quien actualmente mantiene una relación con la modelo sueca Daniela Christiansson. Las redes sociales rápidamente comenzaron a mezclar ficción y realidad, alimentando teorías alrededor de la expareja y recordando la historia que compartieron durante años.

El regreso de los protagonistas de la polémica a un mismo proyecto volvió a poner el foco sobre una relación que siempre generó interés público. A pesar del paso del tiempo y de los conflictos del pasado, ambos lograron transformar esa historia en parte de una producción que ya consiguió repercusión incluso antes de su estreno.

El conductor habló de la crianza compleja y en libertad que le dio la mujer, que quedó ciega a los 70 años.

Mario Pergolini está pasando por un duro momento tras la muerte de su madre, Beatriz Mencione, quien falleció este jueves. Por esa razón, el conductor no irá a su programa Otro Día Perdido en El Trece.

Ante la pérdida, se viralizaron videos donde el presentador habla de la mujer, que perdió la vista de grande, a los 70 años. «Mi mamá nos está viendo ahora. No, mentira. Es ciega», bromeó en televisión.

El mediático reveló la crianza que le dio Mencione: «Mi mamá es una mujer que, y esto lo entendí de grande, siempre me educó con mucha libertad». En este sentido, reflexionó que «la tenía todo el día encima» y que se sintió «un prisionero estúpido».

«La verdad, esta tipa me dejó hacer un montón», reconoció el locutor, que atravesó una época difícil de su juventud. Entonces, ella le decía con quién juntarse y con quién no, y que tenía que ir a SEDRONAR para la asistencia por el consumo de sustancias problemáticas.

Mario Pergolini usó la tecnología para ayudar a su mamá

Mario Pergolini contó que intentó ayudar a su mamá con el tema de la ceguera, e intentó probar con la IA física y los aparatos para adultos mayores. «Mi mamá se quedó ciega de grande, a los 70, estaba frustrada y enojada», explicó. El proyecto terminó en el diseño de un dispositivo para disminuir las limitaciones sensoriales de su madre.

La actriz peruana Q’orianka Kilcher presentó una demanda contra James Cameron, a quien acusa de haber explotado su imagen en la exitosa saga Avatar. Según la protagonista de Pocahontas, el exitoso director de cine le habría confesado que se inspiró en ella para dar vida a uno de los personajes clave de la franquicia, y le exige u$s750 mil por cada uso sin consentimiento de sus rasgos faciales.

Bajo la acusación de «réplica digital no autorizada» (deepfake), la actriz aseguró que sintió «vergüenza, humillación y ansiedad» al descubrir que su rostro habría sido usado con tecnología CGI para una escena sexual en el exitoso film. En la denuncia, pide una orden judicial que obligue a editar o borrar esa escena de todas las futuras versiones de la película y que se eliminen los archivos digitales donde aparezca su imagen en situaciones íntimas.

Kilcher, que tenía 14 años cuando actuó en Pocahontas junto a Colin Farrell, aseguró que Cameron le dijo que había tomado una foto suya como modelo para crear la apariencia de Neytiri, el personaje que luego interpretaría Zoe Saldaña en Avatar. La confesión surgió en 2010, cuando ambos se conocieron en el evento después del estreno de la primera película de la saga.

En la demanda, obtenida por NBC News, los abogados de la actriz sostuvieron que «este caso muestra cómo uno de los directores más influyentes de Hollywood usó la identidad física y el legado cultural de una joven indígena para levantar una franquicia de cine que rompió récords, sin darle reconocimiento ni pago, a través de decisiones comerciales hechas a propósito».

«Cuando recibí el boceto de Cameron, creí que era un gesto personal, a lo sumo una vaga inspiración relacionada con el casting y mi activismo», expresó Kilcher en un comunicado, y agregó: «Millones de personas se enamoraron de Avatar porque creyeron en su mensaje, y yo fui una de ellas. Jamás imaginé que alguien en quien confiaba usaría sistemáticamente mi rostro como parte de un elaborado proceso de diseño y lo integraría en la producción sin mi conocimiento ni consentimiento. Eso traspasa un límite muy importante. Este acto es profundamente reprobable».

De acuerdo a la denuncia, el director de importantes películas como Titanic habría visto por primera vez a la actriz peruana en una foto promocional, y lo reconoció en una entrevista donde dijo: «La primera fuente fue una foto en el LA Times de una joven actriz llamada Q’orianka Kilcher. Es la parte inferior de su rostro. Tenía unos rasgos muy llamativos».

En la demanda, que también incluye a Disney, Lightstorm Entertainment y 20th Century Fox, la actriz pide desde una disculpa pública hasta el pago de u$s750 mil por cada vez que se usó su imagen sin permiso dentro de la multimillonaria saga de Avatar.

Además de los bocetos y de la carta firmada por el mismo Cameron, la actriz confesó que en 2017 tuvo una reunión con el director en su oficina y que no se hizo público por un acuerdo de confidencialidad. Asimismo, tampoco en ese momento le informó que tomó su rostro para darle vida al personaje femenino.

Q’orianka Kilcher no solo es actriz, también es una reconocida activista indígena de origen peruano. Nació en Alemania, hija de un padre quechua-huachipaeri y de Saskia Kilcher, su madre de ascendencia suiza. Creció entre Hawái y Los Ángeles, y actualmente vive en Estados Unidos.

El festival arrancará su programación cultural en UNED Melilla desde el lunes 21 de septiembre

Iwa Fest ha presentado su quinta ediciòn en el marco de una presentación multidisciplinar donde han confluido varias de las disciplinas en las que el festival basa su programación. Durante la jornada del 6 de mayo, espacios como el Kursaal de la ciudad norteafricana o el Fuerte de Victoria Grande han celebrado el cine, la música y donde Borja Ramón, director de Iwa Fest junto a la Consejera de Cultura, Fadela Mohatar, han presentado la nueva edición del festival, que tendrá lugar entre el 21 y 26 de septiembre, finalizando con las dos jornadas de música en directo el viernes 25 y sábado 26 de septiembre.

Mr ID, Jose Sabroso y Foler han sido protagonistas en esta cita de celebración de la cultura, junto con la proyección de ‘Rough Cut Sahara’, donde Iwa Fest ha presentado las fechas de su cuarta edición y su próxima presencia en Marrakech, donde se realizará una presentación del evento en Kabana Rooftop, el próximo 30 de mayo con la presencia de proyectos que han pasado por Iwa Fest como Idoipe, Guedra Guedra, Castora Herz o Jubantouja. 

Una primera cita con la diversidad cultural en Melilla, que pone en el horizonte la nueva edición del festival, que será ya la quinta entrega de una propuesta de confluencia cultural relacionada con la creación contemporánea. El festival se ha establecido como punto de confluencia de las interacciones de la cuenca mediterránea, que se desarrolla en un amplio ámbito cultural capaz de integrar propuestas diversas con un objetivo fundamental, la fusión de la tradición y la vanguardia.

El espacio oficial de IWA Fest será de nuevo el espacio de UNED Melilla, donde la programación cultural arrancará el lunes 21 de septiembre, para de nuevo acoger la programación musical en el espectacular recinto del Fuerte de Victoria Grande los días 25 y 26 de septiembre de 2026.

Basado en la fusión entre lo ancestral y lo contemporáneo, Iwa Fest llega a su quinta edición tras su Sold Out, por primera vez, en la jornada de clausura de 2026, demostrando cómo las tradiciones pueden revitalizarse y adquirir nuevos significados en el contexto creativo actual, y conectar con el público.

Iwa Fest es un festival que cuenta con el patrocinio y la organización conjunta de la Consejería de Cultura, Patrimonio Cultural y del Mayor de la Ciudad Autónoma de Melilla, el Patronato de Turismo de Melilla, UNED Melilla y Braive Media. Además, cuenta con la colaboración de Cadena Ser Melilla, Amlega, AECID, Casa Árabe, Goethe-Institut Madrid y Radio 3.

Una tragedia ocurrió en Mallorca cuando autoridades de la Guardia Civil española encontraron el cuerpo sin vida de la estrella británica Jake Hall con un golpe en la cabeza y en medio de un charco de sangre. Según relataron las fuentes policiales, el actor británico había salido de fiesta y consumido alcohol y otras sustancias que lo llevaron a perder el control. La Policía maneja la hipótesis de un fatal accidente.

“Los testigos dijeron a los investigadores que había estado de fiesta toda la noche y decidió continuar la fiesta en el lugar que estaba alquilando», informaron las autoridades españolas y agregaron que «parece que se puso nervioso, posiblemente debido al alcohol y otras sustancias que pudo haber consumido.”

De acuerdo a la publicación del diario The Sun, Jake Hall sufrió un accidente con heridas mortales en su cabeza. El ex galán de reality shows estaba muerto en medio de un charco de sangre y pequeños cristales, aparentemente de una puerta de vidrio con la que se habría golpeado de una casa alquilada en Santa Margalida, al norte de Mallorca.

Fuentes del lugar le aseguraron a la Guardia Civil que en un momento las cosas «se pusieron agresivas» y que el exmodelo pudo haber «intentado hacerse daño golpeándose la cabeza contra las cosas«.

Por el momento, la investigación sigue en curso en la capital de la isla, lugar que era la segunda residencia de la estrella de The Only Way is Essex. Mientras que el entorno del actor decidió preservar de las repercusiones a la familia del fallecido.

Jake Hall vivía en Mallorca donde se refugiaba para componer por su trabajo de diseñador. Además, era padre de River, hija fruto de su relación con Missé Beqiri, estrella de Ladies of London y exestrella de Real Housewives of Cheshire.