Autor: configuroweb

Hay discos que nacen como un lanzamiento y otros que aparecen como una reconstrucción vital. Will Never Come Back, uno de los cortes incluidos en Curiosity (Chapter 1), funciona precisamente así: como una pieza que no solo mira al club, sino también al tiempo, a la memoria y a todo lo que se pierde cuando la música queda suspendida entre discos duros muertos, años de espera y la necesidad de volver a empezar. En el caso de Alex Drift, esa reconstrucción tiene además un peso real: este LP recopila material propio rescatado y retrabajado tras una devastadora pérdida de datos, convirtiendo el archivo en relato y la recuperación en lenguaje.

Dentro de ese contexto, Will Never Come Back destaca por su capacidad para condensar la identidad del proyecto. Hay una sensibilidad melódica muy marcada, una pulsión house elegante y un pulso emocional que evita caer en lo obvio. No suena a ejercicio de nostalgia, sino a actualización consciente: una producción que recoge capas del pasado, las limpia, las tensa y las devuelve al presente con una narrativa firme, envolvente y funcional para pista. Esa es una de las virtudes de Alex Drift: entender que lo melódico no está reñido con lo directo, ni que un track con gancho tenga que renunciar a la profundidad.

El universo sonoro de Curiosity (Chapter 1) se mueve entre el house, el tech house y ciertos matices de indie dance, pero en este tema lo más interesante es cómo conviven la claridad estructural y la emoción subterránea. Will Never Come Back no necesita sobreactuar. Se apoya en una producción precisa, en una atmósfera que deja huella y en esa sensación de avance constante que convierte una escucha en trayecto. Funciona en radio, sí, pero sobre todo pide contexto físico: un sistema de sonido, una pista con espacio y un momento en el que la noche ya ha decidido ponerse seria.

Con base en Berlín desde hace dos décadas, Alex Drift no es precisamente un recién llegado. Su recorrido dentro de la escena electrónica le ha llevado a publicar bajo distintos alias en sellos como Vinyl Vibes Records, Vienna Scientists, Ministry of Sound o Stereo Deluxe, además de lograr un segundo puesto en los Land Rover Music Awards. Todo ese bagaje aparece aquí sin necesidad de imponerse como discurso. Se nota en la madurez del track, en la soltura con la que se mueve entre groove, melodía y vocación de club, y en una visión que parece más interesada en construir canciones duraderas que en perseguir fórmulas de temporada.

Si Curiosity (Chapter 1) es una invitación a mirar la vida con los ojos abiertos, Will Never Come Back representa uno de sus momentos más sugerentes: el de aceptar que algunas cosas no regresan, pero que de esa ausencia también puede salir una música honesta, luminosa y perfectamente lista para volver a ocupar su sitio en la pista.

Terranova Records sigue afinando su pulso en 2026 con TNV080, una referencia que funciona como carta de presentación y declaración de intenciones al mismo tiempo.

El sello abre la puerta por primera vez a Shadow Mist y EL:BR, dos nombres emergentes de Luxemburgo que aterrizan con “Gravity”, una pieza que entiende muy bien dónde habita hoy la tensión entre emoción, atmósfera y funcionalidad de club.

En su versión original, “Gravity” se mueve con una elegancia contenida. No busca el impacto inmediato, sino esa clase de magnetismo que se instala poco a poco: texturas cinematográficas, una progresión hipnótica y un groove envolvente que va cerrando el círculo sobre el oyente con naturalidad. Hay una madurez llamativa en la manera en que Shadow Mist y EL:BR construyen el relato del track, dejando claro desde su debut en Terranova que su lenguaje sonoro no llega para rellenar catálogo, sino para aportar identidad.

La reinterpretación del nacional CANVI empuja el corte hacia un terreno más físico sin traicionar su esencia. Su remix refuerza la inercia rítmica, ensancha el impacto en pista y convierte “Gravity” en una herramienta más afilada, más groove, más directa, pero todavía conectada a ese poso emocional que sostiene el release desde dentro. En paralelo, Maywell firma una lectura más introspectiva y sofisticada, trabajando la tensión melódica y las capas atmosféricas con paciencia, como si desmontara el original para volver a ensamblarlo desde una lógica más mental y profunda.

Con TNV080, Terranova Records no solo suma nuevos nombres a su órbita: confirma su capacidad para enlazar descubrimiento y continuidad sin perder cohesión. “Gravity” encaja como una referencia sólida, bien pensada y eficaz, de esas que encuentran equilibrio entre narración, sensibilidad y vocación de pista.

La escena se repite, una y otra vez, cada verano que pasa: embalses en mínimos históricos, ríos menguantes, restricciones de consumo y ciudades mirando al cielo sin demasiada esperanza. Solo que esta vez, en gran parte del oeste de Estados Unidos, el cielo ya no es el único plan. El plan ahora está en el océano.

Ante la peor crisis hídrica en décadas, el país está apostando por una solución que hasta hace poco parecía de ciencia ficción o de países desérticos del Golfo: transformar agua de mar en agua potable a escala industrial. Y no hablamos de experimentos pequeños. Hablamos de megaplantas capaces de producir hasta 190 millones de litros de agua al día.

La desalinización deja de ser futurista y se vuelve urgente

California, Arizona, Texas y otros estados del suroeste viven una tormenta perfecta. Sequías prolongadas, temperaturas récord, crecimiento urbano imparable y grandes sistemas como el río Colorado mostrando signos claros de agotamiento. Según datos de la Oficina de Reclamación de EE.UU., los principales embalses del oeste están en niveles que hace 20 años habrían parecido imposibles.

En este mismo contexto, la desalinización dejó de ser una opción exótica y pasó a ser una herramienta estratégica. No para sustituir todas las fuentes de agua, pero sí para garantizar un mínimo vital cuando todo lo demás falla.

El caso más emblemático es la planta desalinizadora de Carlsbad, en el sur de California. Es la más grande del país y una de las mayores del hemisferio occidental. Su capacidad impresiona: alrededor de 190 millones de litros de agua potable al día, suficientes para abastecer a cientos de miles de personas.

Cómo se exprime el mar: así funcionan estas megacentrales

El proceso suena bastante simple, pero es brutal a nivel técnico. La base es la ósmosis inversa: el agua de mar se fuerza a pasar por membranas ultrafinas a altísima presión. La sal, los minerales y las impurezas se quedan atrás. Lo que pasa es agua apta para consumo humano.

En la práctica, esto implica que:

• Bombas gigantes empujando millones de litros.
• Sistemas de filtrado en varias etapas.
• Un consumo energético enorme para vencer la presión natural del agua salada.

Es literalmente exprimir el océano. Y hacerlo de forma continua, día y noche.

Es caro. Muy caro. Pero más caro es no tener agua

La planta de Carlsbad costó alrededor de 1.000 millones de dólares en inversión inicial. Y el agua que produce no es barata: entre 2.000 y 3.000 dólares por acre-pie (unos 1,23 millones de litros). Para ponerlo en perspectiva, el agua de ríos y embalses tradicionales suele costar menos de la mitad.

Aun así, los responsables políticos y los gestores del agua lo tienen claro: es caro, sí, pero más caro es quedarse sin agua. Cuando una ciudad entra en emergencia hídrica, el impacto económico, social y político es devastador.

No es solo California: el efecto dominó ya empezó

Lo interesante es que esto ya no es un sólo fenómeno aislado. Arizona estudia proyectos similares. Texas explora ampliaciones. Y otros estados costeros miran los números con creciente interés. La lógica es simple: las fuentes naturales son cada vez más inestables, el clima no da tregua y la población sigue creciendo.

La desalinización, combinada con reutilización de aguas residuales y gestión más estricta, empieza a formar parte de un nuevo modelo hídrico.

La letra pequeña: energía, salmuera y límites reales

Aquí viene el giro incómodo. Los expertos coinciden en algo: la desalinización no es la solución mágica. Consume mucha energía. Genera salmuera concentrada que debe ser devuelta al mar con cuidado para no dañar ecosistemas. Y su expansión sin control podría crear nuevos problemas ambientales.

Es, en palabras de muchos ingenieros, una muleta estratégica, no una cura definitiva. Sirve para ganar tiempo, para evitar colapsos, para sostener ciudades en momentos críticos. Pero no sustituye la necesidad de ahorrar agua, modernizar infraestructuras y replantear cómo se consume.

El agua como nuevo recurso estratégico del siglo XXI

Lo verdaderamente revelador de esta apuesta no es la tecnología en sí, sino lo que dice sobre el mundo que viene. El agua ha dejado de ser un recurso garantizado. Se ha convertido en un activo estratégico, casi geopolítico, al nivel de la energía o los minerales críticos.

Saber que Estados Unidos esté invirtiendo miles de millones en convertir el océano en su nuevo grifo es una señal potente: la crisis climática ya no es un debate abstracto, es una obra de ingeniería en marcha. Y mientras las bombas de ósmosis rugen en la costa de California, una idea empieza a instalarse con fuerza: en el futuro, no ganará quien tenga más ríos, sino quien sepa transformar el mar sin destruirlo.

El catálogo de Prime Video volvió a generar debate en redes sociales con un estreno que rompe de lleno con la nostalgia. La plataforma presentó una propuesta que toma a Popeye, un ícono instalado en la memoria de varias generaciones, y lo transforma en una figura completamente distinta. El giro impactó a la audiencia, obligando a muchos a replantear la imagen de un héroe que durante años estuvo asociado a un recuerdo infantil.

Bajo el título «La Venganza de Popeye», la película se aleja del tono amigable y las enseñanzas simples de la animación clásica. En esta versión, el marinero deja de ser símbolo de justicia para convertirse en una presencia inquietante y violenta, dentro de una narrativa mucho más oscura. El cambio no es solo estético, también atraviesa su personalidad, abandonando el humor para explorar un costado más perturbador.

La reinvención generó posiciones encontradas: por un lado, quienes valoran la audacia de llevar un personaje clásico a un terreno inesperado; por otro, quienes ven en esta transformación una pérdida del espíritu original. En cualquier caso, la película logró instalarse en la conversación y convertirse en uno de los estrenos más comentados, mostrando cómo el streaming apuesta cada vez más por reinterpretar figuras emblemáticas para captar nuevas audiencias.

La Venganza de Popeye

Sinopsis de La Venganza de Popeye, la película destacada en Prime Video

“La Venganza de Popeye” desembarca en el catálogo de Prime Video con una propuesta que rompe por completo con la imagen clásica de Popeye. En esta versión, el icónico marinero deja atrás su costado heroico para convertirse en una figura oscura, marcada por el resentimiento y la violencia. La historia sigue a un protagonista envejecido que regresa decidido a ajustar cuentas, utilizando su fuerza ya no como símbolo de justicia, sino como una herramienta de venganza.

La película construye una atmósfera densa y opresiva, donde los escenarios portuarios pierden su encanto tradicional para transformarse en el escenario de una persecución implacable. Este nuevo Popeye aparece despojado de toda inocencia, con una moral quebrada y una actitud que lo acerca más a un villano que a un héroe. El enfoque “slasher” redefine por completo al personaje, generando un contraste fuerte con el recuerdo infantil que muchos espectadores conservan.

Con una apuesta visual y narrativa arriesgada, el film se posiciona entre los títulos más polémicos de la plataforma. Su propuesta desafía la nostalgia y plantea una relectura extrema de un clásico, donde el protagonista ya no busca salvar a otros, sino imponer su propia versión de justicia. Para quienes buscan una experiencia distinta, esta reinvención ofrece una mirada cruda sobre cómo el streaming reinterpreta los íconos de la cultura popular.

Tráiler de La Venganza de Popeye

Reparto de La Venganza de Popeye

• Steven Murphy como Popeye / Johnny.
• Kelly Rian Sanson como Olivia Olivo (Olive Oyl).
• Emily Mogilner como Tara.
• Connor Powles como Dylan.
• Danielle Ronald como Donna.
• Bruno Cryan como Nick.
• Atlanta Moreno como Sky.
• Karolina Ugrenyuk como Kathy.
• Fyn Phoenixx como Max «Beanie».
• Kyle Jordan como Alan.

Griselda Siciliani y Luciano Castro volvieron a ser noticia luego que se volviera viral un video donde se los ve juntos se encendieron los rumores de una posible reconciliación. Sin embargo, ahora la propia actriz se pronunció y dejó en claro cómo está la relación entre ambos.

Todo comenzó en las últimas horas cuando en las redes sociales un usuario publicara una breve filmación, donde se los ve a los actores juntos en la playa hablando en la vía pública previo a subirse a una camioneta para luego marcharse juntos.

Si bien varios fanáticos se ilusionaron por una posible vuelta entre ellos, la actriz fue contactada por el periodista Luis Bremer, quien la contactó para consultarle cómo estaba la relación entre ambos y ella fue clara y contundente con la respuesta. “Es totalmente falso. El video que circula es del invierno pasado. No lo veo desde que me separé”, aseguró dando por finalizada las dudas que surgieron recientemente y reafirmando que desde su ruptura no volvieron a tener contacto, tal como lo supo indicar en varias oportunidades.

Siciliani y Castro habían iniciado su noviazgo en mayo de 2024, sin embargo, a principios de 2026 decidieron ponerle fin a la misma luego que saliera a la luz una serie de infidelidades por parte del galán de telenovelas.

La reflexión de Luciano Castro sobre la exposición tras la ruptura con Griselda Siciliani

Cuando se hizo pública la infidelidad de Luciano Castro a Griselda Siciliani, el actor tomó la decisión de internarse y luego de recibir el alta, tuvo un mano a mano con Moria Casán donde se mostró más vulnerable que nunca, haciendo una fuerte autocrítica.

“Me comía al mundo, lo vomitaba y lo volvía a comer. Ese personaje me trajo a donde estoy. Era inseguridad, autoestima baja, un mundo paralelo y la realidad es una sola, la que existe. Hoy estoy acomodando mis emociones, sentimientos, ser mejor en todo”, aseveró durante una entrevista en La Mañana de Moria por El Trece.

Ante tanta exposición y el daño que había causado a las personas que más ama, el actor hizo una profunda reflexión donde señaló: “Lo primero que tenés que hacer es rendirte porque si no seguís trabajando para el afuera y no para vos. Lo último que voy a hacer es enmendar, primero tengo que aceptar un montón de cosas de mi personalidad”.

“La sanación es lo que quiero para mí. Lo que venga después es fruto de haber sanado”, indicó con calma y consideró que “un cambio real conlleva un tiempo largo”.

El viernes 26 de junio, Jay de Lys regresa a Buenos Aires para encabezar una nueva fecha en Río Electronic Music. En lo que será uno de sus únicos dos shows del año en la ciudad, el artista vuelve a casa luego de una seguidilla de presentaciones agotadas, reafirmando el fuerte vínculo que construyó con el público local en los últimos años.

La fecha llega en un momento clave de su carrera, consolidado como una de las figuras emergentes más destacadas del circuito global del tech house. Su crecimiento sostenido lo llevó a presentarse en escenarios de alto perfil como ADE Amsterdam, Sunwaves, Ultra, Pacha Ibiza y Space Miami, además de formar parte de lineups internacionales como Elrow, ANTS Ushuaïa y UNVRS Ibiza en su próxima gira por Estados Unidos y Europa.

En el plano musical, Jay de Lys continúa afianzando su identidad con lanzamientos de alto impacto. Su track “Loaded Clipz”, editado por Black Book Records, logró posicionarse dentro del Top 10 global de Beatport durante más de un mes, recibiendo el support de artistas como John Summit, Mau P, Joseph Capriati, Cloonee, Seth Troxler y Dennis Cruz, entre otros.

Con un presente en constante evolución y una agenda internacional cada vez más sólida, su regreso a Buenos Aires se presenta como una oportunidad única para vivir de cerca uno de los momentos más importantes de su carrera antes de su próxima gira global.

“Señora, ¿tiene cambio de 20.000?” es como irrumpe este nuevo lanzamiento. Lejos de ser comienza con lo que podríamos llamar la “modernización” de la frase histórica de PITY, y con un rockandroll enérgico que tanto lo caracteriza.

La canción cuenta con un videoclip de alto nivel realizado por el cineasta Luis Ortega. El mismo estuvo 10 meses en proceso de realización, y cuenta con la participación de Rodrigo De la Serna y de Camila Peralta entre otros actores.

«El humor, la creación y la amistad son la Santísima Trinidad. La máxima bendición para atravesar el fuego. Algunos tenemos la suerte y la obligación de compartirla.» menciona Luis Ortega.

Luego de su histórico regreso (aunque nunca se había ido) en diciembre de 2025 ante más de 35.000 personas en el Estadio Kempes de la provincia de Córdoba, PITY nos regala “Lejos de ser”, un rocanrol crudo con un riff pegadizo, grabado en La Base Estudio por Esteban Kahayan, masterizado por Eduardo Bergallo (Puro Mastering), y producido por el mismo Cristian Álvarez.

Pity sube al escenario en lo que será su segunda presentación con su proyecto solista, el sábado 9 de mayo hará su show en el Autódromo Municipal de Rosario.

Surge un nuevo contendiente para el trono del campeón del tenis de mesa, y no es humano. Un trabajo de investigación que se dio a conocer hoy muestra a un robot que puede igualar e incluso ganarle a los mejores jugadores humanos.

Los científicos de la división IA de Sony desarrollaron el sistema robótico autónomo llamado Ace. Su estudio detalla la forma en que Ace ganó la mayoría de las partidas contra jugadores de tenis de mesa con gran experiencia, aunque contra los profesionales le faltó un poco. Pero más allá de las novedades, el software y hardware que hacen posible a este robot podrían usarse en muchas otras aplicaciones, según dicen sus creadores.

“Los resultados de nuestro trabajo con el Ace destacan el potencial de los agentes físicos de IA para cumplir con tareas interactivas complejas en tiempo real, y eso sugiere una cantidad de aplicaciones diversas en dominios que requieren de interacción humano-robot precisa y rápida”, le dijo a Gizmodo el autor principal Peter Dürr.

Un As del tenis de mesa

Los sistemas basados en la inteligencia artificial hoy pueden superar a los humanos en varias tareas, incluyendo varios juegos. Pero históricamente ha sido todo un desafío diseñar robots lo suficientemente inteligentes y ágiles para superar a los humanos en deportes físicos. El tenis de mesa en particular requiere de tiempos rápidos de reacción y de la capacidad de generar tiros precisos aunque difíciles para que el oponente pueda devolver la pelota.

Ya desde la década de 1980 la ciencia ha estado tanteando la posibilidad de crear robots que jueguen al tenis, pero el ACE representa un importante paso adelante en inteligencia artificial y robótica por igual, según afirma Dürr.

“Sony AI llevó a cabo esta investigación para estudiar de qué manera podía la IA operar de manera segura y efectiva en el mundo físico donde la percepción, el control y la agilidad se tienen que combinar en tiempo real. A diferencia de los entornos simulados en que la IA depende de la información, en el mundo real de los deportes como el tenis de mesa se requiere rápida toma de decisiones basada en el cálculo que proviene de sensores de ruido e interacciones humanas opuestas entre adversarios”.

A diferencia de los experimentos del pasado, los investigadores juzgaron el desempeño de Ace contra los humanos utilizando los reglamentos reales de la Federación Internacional de Tenis de Mesa (ITTF). Además, usaron árbitros certificados para que supervisaran las partidas.

En el estudio que se llevó a cabo en abril de 2025 los investigadores hicieron que Ace jugara contra cinco jugadores considerados de élite, personas con al menos 10 años de experiencia en el juego que entrenan en promedio 20 horas a la semana. También hicieron que Ace enfrentara a Minami Ando y Kakeru Sone, dos jugadores de la liga de tenis de mesa profesional de Japón.

Ace ganó tres de las cinco partidas contra los jugadores de élite. Y ganó un juego contra un profesional aunque finalmente perdió las dos partidas jugadas con Ando y Sone. A lo largo de los juegos el robot demostró movidas ágiles, pudiendo servir y devolver pelotas a alta velocidad y alta rotación. Los hallazgos del equipo se publicaron el miércoles en Nature.

¿Futuro campeón?

Ace volvió a competir en diciembre de 2025 y fue capaz de ganarles a jugadores de élite y profesionales (ganó uno de los dos juegos profesionales). En marzo de 2026 ganó tres partidas contra profesionales como Miyuu Kihara, hoy una de las 25 mejores jugadoras de Tenis de Mesa del mundo en singles. En esas partidas Ace logró un rendimiento mejorado al poder pegarle más agresivamente a la pelota, más cerca del borde de la mesa.

Con todo, probablemente Ace no vaya a dominar el mundo del tenis de mesa. Es que el proyecto se llevó a cabo para que los investigadores pudieran mejorar las tecnologías individuales detrás de Ace todo lo posible, más que por el objetivo específico de que jugara como campeón. Lo que se aprende a partir del Ace permitiría que los científicos crearan mejores sistemas robóticos para diversas aplicaciones “en el deporte, el entretenimiento y otros dominios físicos en que la seguridad es lo crítico”, dijo Dürr.

Afortunadamente, siempre fui un pésimo jugador de tenis de mesa o ping pong, por lo que no tengo problema en aceptar que Ace es el campeón.

• Se conocieron detalles sobre el contrato que vincula a Wanda Nara con Telefe.
• En televisión revelaron cifras aproximadas de sus ingresos mensuales.
• Su participación en distintos programas estaría incluida dentro de un mismo acuerdo.
• También surgieron versiones de tensiones internas con otras figuras del canal.

La figura de Wanda Nara volvió a ocupar el centro de la escena luego de que trascendieran datos sobre su vínculo contractual con Telefe. En medio de especulaciones sobre su rol en la pantalla, comenzaron a circular cifras vinculadas a sus ingresos.

El interés por su situación creció a partir de rumores sobre internas dentro del canal, donde también se mencionó a otras conductoras como Vero Lozano. En ese marco, distintos programas abordaron tanto el costado profesional como el económico de la empresaria.

Las versiones que surgieron en televisión aportaron información sobre cómo está estructurado su acuerdo y qué incluye su participación en los proyectos actuales.

Cuánto gana Wanda Nara en Telefe

Durante emisiones televisivas se dieron a conocer detalles sobre el contrato que mantiene Wanda Nara con la señal. Según indicaron, su vínculo no se limita a un programa en particular, sino que contempla múltiples participaciones dentro de la misma estructura laboral. “No es guerra, en realidad es Wanda, que tiene un ego tremendo y se quiere quedar con todo Telefe. Wanda tiene un contrato por todo, no es que gana aparte por cada programa, por eso le da lo mismo hacer 20 que uno”, señalaron.

En ese marco, también se mencionaron cifras vinculadas a sus ingresos mensuales. De acuerdo con lo informado, la conductora percibiría alrededor de 8 mil dólares por mes, dentro de un acuerdo anual que ya habría sido cobrado. “Wanda gana más o menos 8 mil dólares mensuales, tiene un contrato anual en dólares que ya lo cobró, parece medio poco por lo que hace… lo de la serie vertical no la cobra, todo está dentro de lo mismo”, explicaron.

Estas declaraciones surgieron en medio de versiones sobre tensiones internas en el canal, mientras se definían las conducciones de programas como Bake Off y MasterChef Celebrity. En ese sentido, el nombre de Wanda apareció vinculado a distintos proyectos, junto al de otras figuras de la señal. Finalmente, se aclaró que las decisiones sobre quién estará al frente de esos ciclos ya estarían definidas, por lo que no se esperan cambios en las conducciones .

• Deadpool dejaría de ser protagonista exclusivo para integrarse al universo compartido de Marvel Studios.
• Ryan Reynolds confirmó que no hay planes para una nueva película en solitario.
• El futuro del personaje estaría enfocado en cruces con otros héroes y equipos.
• Su rol evolucionaría a una pieza clave dentro del UCM, manteniendo su estilo irreverente en historias colectivas.

El futuro de Deadpool dentro del Universo Cinematográfico de Marvel empieza a tomar forma con un giro que no todos esperaban. Tras haber sido el centro absoluto de sus propias películas, el personaje interpretado por Ryan Reynolds podría dejar atrás ese lugar protagónico para integrarse de otra manera en el entramado de superhéroes de Marvel.

El propio Reynolds adelantó que ya existen ideas para el futuro del antihéroe, aunque ninguna apunta a una nueva entrega en solitario. Este dato refuerza la idea de que la próxima etapa estará más enfocada en cruces con otros personajes y participaciones dentro de historias compartidas, en lugar de repetir la fórmula individual que lo llevó al éxito.

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Este cambio sugiere una evolución en su rol: de figura independiente a pieza clave dentro del universo narrativo. Lejos de desaparecer, Deadpool pasaría a ocupar un lugar más estratégico, aportando su estilo irreverente en momentos puntuales y abriendo la puerta a nuevas dinámicas dentro del UCM sin perder su esencia.

Qué pasará con Deadpool en Marvel según Ryan Reynolds

El futuro de Deadpool dentro del Universo Cinematográfico de Marvel está tomando un rumbo que rompe con la lógica clásica de las secuelas. Según explicó Ryan Reynolds en abril de 2026, el personaje dejaría de ser el centro de sus propias películas para evolucionar hacia un rol más integrado dentro del universo compartido.

Deadpool

El actor adelantó que ya trabaja en nuevas ideas, pero ninguna está pensada para una cuarta entrega en solitario. Por el contrario, su visión apunta a que Wade Wilson funcione mejor como parte de un conjunto, participando en historias donde interactúe con otros equipos y héroes. Este enfoque abre la puerta a posibles cruces con grupos como los X-Men o los Avengers, donde su estilo irreverente puede aportar dinamismo sin monopolizar la narrativa.

Este cambio marca una decisión estratégica por parte de Marvel Studios: evitar repetir fórmulas y aprovechar al personaje desde otro lugar. Convertido en una especie de “comodín” dentro del UCM, Deadpool podría ganar aún más relevancia como figura secundaria clave, manteniendo su esencia disruptiva mientras se integra en los grandes eventos corales que definirán el futuro de la franquicia.