Autor: configuroweb

Europa lleva mucho tiempo intentando resolver uno de los grandes problemas de la exploración espacial moderna: cómo reutilizar vehículos orbitales sin convertir cada misión en una operación carísima y casi irrepetible.

Mientras SpaceX popularizó la imagen de cohetes aterrizando verticalmente y Blue Origin siguió un camino parecido, la Agencia Espacial Europea optó por una estrategia distinta. Más silenciosa. Más técnica. Pero también muchísimo más ambiciosa en algunos aspectos.

Porque Space Rider no busca simplemente volver del espacio. Quiere hacerlo una y otra vez, transportando experimentos científicos, sobreviviendo a temperaturas extremas y aterrizando con precisión sobre una pista terrestre. Y las últimas pruebas indican que la ESA acaba de superar uno de los obstáculos más difíciles del proyecto.

Space Rider acaba de sobrevivir a temperaturas extremas similares a las de una reentrada real

La reentrada atmosférica sigue siendo uno de los momentos más violentos para cualquier nave espacial. El rozamiento con la atmósfera genera temperaturas capaces de destruir materiales convencionales en cuestión de segundos. Por eso la ESA sometió el sistema de protección térmica de Space Rider a una batería de pruebas extremas utilizando un túnel de viento de plasma.

El objetivo era comprobar si el vehículo podría soportar condiciones reales de regreso desde órbita baja. Para ello, los ingenieros dispararon chorros de gas a velocidades diez veces superiores a la del sonido, alcanzando temperaturas cercanas a los 1.600 ºC. La agencia confirmó que todos los componentes resistieron correctamente.

El sistema utiliza un material cerámico especial diseñado específicamente para soportar el estrés térmico de la reentrada. Pero los investigadores decidieron llevar la prueba aún más lejos.

La ESA también simuló daños provocados por micrometeoritos para comprobar si la nave seguiría funcionando

En órbita, las amenazas no siempre llegan en forma de grandes impactos. Pequeños fragmentos de basura espacial o micrometeoritos pueden provocar daños diminutos, pero críticos, sobre superficies sensibles. Por eso los científicos quisieron comprobar qué ocurriría si el escudo térmico sufriese roturas o deterioros antes del regreso.

La ESA reprodujo artificialmente esos daños y volvió a repetir los ensayos térmicos. El resultado volvió a ser positivo. Eso es especialmente importante porque Space Rider no está diseñada como una cápsula de un solo uso. La idea es reutilizar el vehículo repetidamente sin necesidad de reconstruirlo tras cada misión.

En esencia, funcionará como un laboratorio automático no tripulado. Permanecerá entre uno y dos meses en órbita realizando investigaciones científicas, pruebas tecnológicas o experimentos industriales, y luego regresará a la Tierra con las muestras listas para ser estudiadas.

El plan de Europa no consiste en amerizar en el océano, sino en aterrizar sobre una pista terrestre

Aquí aparece otra diferencia enorme respecto a muchas cápsulas espaciales actuales. Space Rider no terminará flotando en el mar esperando ser recuperada. Tampoco dependerá únicamente de un descenso balístico tradicional. La ESA quiere que aterrice de forma controlada sobre una pista, utilizando un sistema de paracaídas orientable guiado mediante software.

Ese sistema será capaz de corregir la trayectoria durante el descenso y adaptarse a variables como el viento o las condiciones atmosféricas. La intención es conseguir aterrizajes mucho más precisos y reducir enormemente el tiempo necesario entre una misión y otra.

Esa parte todavía no fue probada completamente, aunque la ESA planea comenzar los primeros ensayos reales antes de finalizar el año en Cerdeña. Un helicóptero elevará un prototipo para validar el sistema de descenso y comprobar cómo responde antes de intentar una misión orbital completa.

Europa quiere entrar en la nueva economía espacial sin depender totalmente de actores privados

Space Rider representa algo más grande que una simple nave experimental. El proyecto refleja cómo Europa intenta posicionarse en una carrera espacial donde la reutilización ya no parece una opción futurista, sino una necesidad estratégica y económica. Cada vehículo desechable implica años de fabricación, costes enormes y toneladas de materiales utilizados una sola vez. La lógica de reutilización cambia completamente esa ecuación.

Y aunque Space Rider todavía no tiene fecha definitiva para su primera misión operacional, la ESA espera lanzar el vehículo completo hacia finales de esta década. Después de estas pruebas térmicas, el proyecto dejó de sentirse como una idea lejana de laboratorio. Por primera vez, empieza a parecer una nave real que podría terminar formando parte habitual de la infraestructura espacial europea.

3 Savile Row, el histórico edificio de Londres donde Los Beatles tocaron en público por última vez, se convertirá en un museo oficial de siete pisos con recuerdos y material de archivo nunca antes visto, en una experiencia inmersiva con la que buscan una nueva conexión con sus fanáticos.

El lugar ofició como cuartel general de Apple Corps, la empresa de la banda, entre 1968 y 1972, y en su sótano grabaron su último álbum, Let It Be. Pero la parte más recordada por los fanáticos es su terraza, donde el 30 de enero de 1969 dieron un concierto improvisado acompañados por el tecladista Billy Preston, en la que fue su última presentación en público. Los Simpson recrearon la escena en el episodio en el que parodian la historia de los Fab Four a través de Los Borbotones, la banda de Homero junto a Barney, Apu y el profesor Skinner.

El impulsor de la recompra del edificio fue el propio Paul McCartney, deseoso de que los seguidores tuvieran un punto oficial beatlero en la capital británica. «Los turistas vienen a Inglaterra y pueden ir a Abbey Road, pero no pueden entrar y se sacan fotos que atascan el tráfico y los conductores realmente se molestan, así que pensé que esta era una idea excelente», expresó a la BBC.

The Beatles en 3 Savile Row: una nueva experiencia musical en el edificio donde dieron su último show

Aunque Apple abandonó Savile Row a principios de la década de 1970, a partir del próximo año se inaugurará en el lugar una nueva experiencia para fans: «The Beatles at 3 Savile Row» se inaugurará en 2027 y contará con siete pisos repletos de material inédito de los extensos archivos de Apple Corps, exposiciones temporales, una tienda para fans y la recreación del estudio original donde se grabó Let It Be. La histórica azotea también estará abierta al público.

«Desde su creación en 1968, Apple Corps Ltd. ha supervisado los intereses creativos y comerciales de Los Beatles, y el anuncio de hoy completa un ciclo, ya que regresa a su sede original más famosa«, expresa el comunicado que anunció la novedad.

Por su parte, McCartney señaló que “fue una experiencia increíble volver recientemente al número 3 de Savile Row y recorrerlo». «Hay tantos recuerdos especiales entre sus paredes, por no hablar de la azotea. El equipo ha elaborado unos planes realmente impresionantes y estoy deseando que la gente lo vea cuando esté terminado», subrayó. «¡Guau, es como volver a casa!», añadió Ringo Starr.

En relación con la inauguración del número 3 de Savile Row, el director ejecutivo de Apple Corps, Tom Greene, comentó: «Estamos encantados de traer de vuelta a Apple Corps a su hogar espiritual y ofrecer a los fans de Los Beatles algo realmente especial. Todos los días, los fans fotografían el exterior del número 3 de Savile Row, pero el año que viene podrán entrar y explorar las siete plantas del emblemático edificio, incluida la azotea, donde incluso las barandillas permanecen intactas desde aquel famoso día de 1969″.

En los próximos meses se anunciarán más detalles sobre The Beatles en 3 Savile Row, así como detalles de una segunda experiencia que se encuentra actualmente en desarrollo.

El último concierto que pudo no haber sido

El concierto en la azotea de Los Beatles, al mediodía del 30 de enero de 1969, fue la última vez que alguien vio a los Fab Four actuar en público, pero casi no sucedió. Michael Lindsay-Hogg, director de la filmación, recordó que algunos de los miembros quisieron darse de baja a último momento. «George [Harrison] no quería hacerlo y Ringo comenzó a decir que realmente no veía el punto», relató, y luego contó que fue John Lennon quien dio el impulso final para concretarlo.

Comenzaron el show y fanáticos que pasaban por el lugar se agolparon rápidamente para mirar desde la calle y algunos techos de edificios vecinos. Tocaron durante 42 minutos, en una lista que incluía Don’t Let Me Down, I’ve Got a Feeling y dos versiones de Get Back, antes de que las quejas de los vecinos obligaran a la policía a cancelar el recital.

Las imágenes fueron restauradas recientemente para el documental Get Back de Peter Jackson; y una placa azul en 3 Savile Row conmemora el concierto. Los Beatles continuaron usándolo como base para su compañía, Apple Corps, después de que se separaron en 1970.

La amenaza más seria para Bitcoin podría no venir de gobiernos, regulaciones ni desplomes financieros. Podría llegar desde un laboratorio cuántico. Y según un nuevo informe de Project Eleven, el tiempo para prepararse quizá sea mucho más corto de lo que la industria esperaba.

El documento, de 110 páginas, no habla de un escenario lejano de ciencia ficción. Habla de fechas concretas. De ventanas temporales reales. Y de un problema que no amenaza solo a las criptomonedas, sino a buena parte de la infraestructura digital que sostiene el mundo moderno.

El “Día Q” podría llegar antes de 2033 y cambiar por completo la seguridad digital

El informe introduce nuevamente una idea que lleva años rondando el mundo tecnológico: el llamado “Q-Day”. Es decir, el momento en que una computadora cuántica sea lo suficientemente potente como para romper la criptografía de clave pública utilizada actualmente en Internet.

Y ahí está el verdadero problema. Bitcoin, Ethereum, los sistemas bancarios, los servicios en la nube, las redes militares e incluso las identidades digitales dependen, en gran medida, de la misma base criptográfica: las firmas digitales de curva elíptica. Hasta ahora, romper esas claves privadas requería cantidades absurdas de tiempo computacional. Pero la computación cuántica cambia las reglas.

Según Project Eleven, una máquina cuántica criptográficamente relevante podría utilizar el algoritmo de Shor para derivar claves privadas a partir de claves públicas. Traducido a un lenguaje menos técnico: un atacante podría tomar control de billeteras, falsificar firmas y acceder a sistemas protegidos sin necesidad de contraseñas tradicionales. Y lo inquietante es que el informe no habla de “si ocurrirá”, sino de “cuándo”.

“Nuestro análisis sugiere que, basándonos en las tendencias actuales, el Día Q es más probable para 2033, e incluso potencialmente tan pronto como en 2030”, sostiene el documento.

El problema de Bitcoin no sería tecnológico, sino político y humano

Lo sorprendente del informe es que no culpa a la falta de soluciones técnicas. De hecho, la criptografía post-cuántica ya existe en desarrollo y organismos como el NIST llevan años trabajando en estándares resistentes a ataques cuánticos. La verdadera amenaza sería otra: coordinar al mundo entero antes de que llegue demasiado tarde.

Migrar sistemas financieros globales no es algo que ocurra de un día para otro. Y Bitcoin tiene un historial particularmente lento cuando se trata de actualizaciones profundas. El propio informe recuerda el caso de SegWit, una modificación relativamente modesta que tardó más de dos años en implementarse y terminó provocando una división interna enorme dentro de la comunidad.

Ahora imagina algo muchísimo más complejo: convencer simultáneamente a exchanges, custodios, mineros, desarrolladores y millones de usuarios de mover fondos hacia nuevos esquemas criptográficos antes de que aparezca una amenaza real.

Ahí es donde Project Eleven cree que la industria podría quedarse sin tiempo. “La brecha no es técnica. La brecha es totalmente de coordinación, urgencia y disposición para aceptar los costos de la migración”, señala el informe.

Hasta 500 mil millones de dólares en BTC podrían quedar especialmente expuestos

Uno de los puntos más polémicos del documento tiene que ver con los bitcoins considerados vulnerables. Según Alex Pruden, CEO de Project Eleven, entre 5,6 y 6,9 millones de BTC podrían estar particularmente expuestos a ataques cuánticos futuros. A precios actuales, eso representa aproximadamente medio billón de dólares.

Muchos de esos bitcoins pertenecen a billeteras antiguas cuyos propietarios quizá perdieron acceso hace años o nunca movieron sus fondos desde los primeros días de la red. En varios casos, las claves públicas ya fueron reveladas en transacciones previas, algo que facilitaría potencialmente futuros ataques cuánticos.

La propuesta de Pruden resulta explosiva incluso dentro del ecosistema cripto: “recircular” esos bitcoins vulnerables nuevamente dentro de la curva de suministro de Bitcoin antes de permitir que eventualmente sean capturados por un atacante cuántico.

Y ahí aparece una tensión histórica dentro de Bitcoin. Porque modificar reglas relacionadas con la propiedad o el suministro toca directamente uno de los pilares filosóficos de la red: la idea de que nadie puede intervenir ni alterar el acceso legítimo a los fondos.

La computación cuántica ya no parece un problema lejano

Durante años, la amenaza cuántica fue tratada casi como una curiosidad académica. Algo interesante, sí, pero demasiado distante como para preocupar al presente. Ese tono parece estar cambiando.

Gigantes tecnológicos, gobiernos y laboratorios privados están acelerando el desarrollo de procesadores cuánticos cada vez más estables y escalables. Y aunque todavía no existe una máquina capaz de romper la criptografía moderna a gran escala, la sensación dentro del sector de seguridad es que la cuenta regresiva ya comenzó.

Lo inquietante del informe de Project Eleven no es únicamente la posibilidad de que Bitcoin necesite transformarse por completo. Es que la misma debilidad afecta a casi toda la arquitectura digital global.

En otras palabras: el problema no sería solo perder criptomonedas. Sería descubrir que buena parte de Internet fue construida para un mundo donde las computadoras cuánticas no existían todavía.

• Taron Egerton sorprendió con su impactante cambio físico para su nueva serie de Netflix.
• El actor de 36 años mostró una imagen mucho más atlética y marcada.
• Según reveló, logró la transformación sin enfocarse en levantar grandes pesos.
• Su entrenamiento estuvo centrado en resistencia, movilidad y ejercicios funcionales.

Nueva serie: Taron Egerton sorprendió con su impactante cambio físico para protagonizar la nueva serie de Netflix Depredador dominante. A los 36 años, el actor aseguró que alcanzó “la mejor forma física” de su vida: así fue su impresionante transformación.

El actor comparte pantalla con Charlize Theron en este thriller de supervivencia ambientado en la naturaleza australiana, donde interpreta a un personaje extremo y físicamente muy exigente. El guion muestra a un personaje obsesivo y peligroso persiguiendo a su víctima a través de la naturaleza salvaje australiana.

Según contó el actor, el cambio fue tan importante que llegó a sentirse “más atlético que nunca”. “Nunca me había sentido tan atlético en mi vida. Sentía que podía volar”, aseguró.

Cómo fue la increíble transformación de Taron Egerton

Para construir el físico de su personaje, Taron Egerton trabajó junto a su entrenador personal Jason Walsh, quien diseñó un plan enfocado en resistencia, movilidad y fuerza funcional. A diferencia de otros papeles donde el actor buscó aumentar masa muscular, esta vez el objetivo era desarrollar un cuerpo más ágil, atlético y realista. “Quería una fuerza que pareciera creada a través del movimiento y no solamente levantando pesas”, explicó el actor.

Por eso, durante las primeras semanas casi no realizó ejercicios clásicos de musculación. El entrenamiento estuvo orientado a mejorar la estabilidad, la fuerza central y la capacidad física general. El plan incluyó actividades de alta intensidad como:

• carreras y sprints
• ejercicios funcionales
• escalada
• movimientos de estabilidad
• acondicionamiento físico
• trabajo de resistencia

El entrenador explicó que buscaban un físico delgado y fuerte, capaz de moverse por terrenos difíciles, algo clave para el personaje de la serie. La nutrición también fue fundamental en el proceso. El equipo realizó controles físicos, análisis metabólicos y ajustes constantes en calorías y macronutrientes para lograr una definición muscular marcada. Sin embargo, Egerton aclaró que toda la transformación se realizó de manera natural y sin utilizar hormonas ni sustancias químicas.

Marco Faraone, Luciano, Manda Moor y Bastian Bux se adentran en WORTEX en el Opening Party de elrow el 6 de junio en [UNVRS]

[UNVRS] acogerá el estreno mundial de Bhūtarāh, la nueva temática de elrow creada en colaboración con el artista multidisciplinar sudafricano Dan Popper, un mundo inmersivo concebido como una presencia viva entre lo físico y lo mítico, que debutará el próximo 6 de junio en el Opening de elrow. Hallucinarium, Neo Kaos Garden, Delusionville, Nowmads: New World y una sorpresa secreta para el Closing Party completan las temáticas rotativas que conforman el universo creativo de elrow este verano.

Este estreno marcará uno de los momentos clave de la temporada, con un opening line-up encabezado por el referente del techno italiano Marco Faraone, el maestro de las atmósferas Luciano, el house de inspiración noventera de Manda Moor y el habitual de elrow Bastian Bux, quienes pondrán banda sonora a la primera manifestación de esta nueva experiencia.

Bhūtarāh: la temática más especial en la historia de elrow 

El nombre Bhūtarāh, derivado del sánscrito, define la esencia del concepto. Bhūta representa los elementos fundamentales de la naturaleza, mientras que rāh evoca una energía radiante. Juntos, dan forma a una entidad ancestral, una inteligencia guardiana que existe entre lo visible y lo invisible. Más que una temática, Bhūtarāh es un organismo vivo donde la materia se transforma en experiencia y la naturaleza se vuelve consciente.

En el corazón de este universo se encuentra la Madre del Bosque, una figura monumental que encarna el alma del mundo, fusionando cuerpo, raíces y ramas en una sola entidad. A su alrededor, los Artemis Cats representan la nutrición y la abundancia, mientras que espíritus del bosque inspirados en los Kodama habitan el espacio como manifestaciones de equilibrio y energía vital. El recorrido escenográfico se despliega como una experiencia interior, donde dos manos colosales definen la entrada a este reino: una ofrece protección y la otra invita, guiando a los visitantes a través de un paisaje sensorial que refleja la transformación emocional y colectiva.

Reconocido internacionalmente por sus esculturas monumentales, Dan Popper ha desarrollado un lenguaje artístico distintivo en el que la figura humana, los elementos orgánicos y una dimensión espiritual transforman los espacios en arquitecturas vivas. Su obra ha sido presentada en algunos de los festivales más influyentes del mundo, como Afrikaburn, Boom Festival, Electric Daisy Carnival y Electric Forest, donde sus creaciones funcionan como portales, escenarios y entornos inmersivos a gran escala. En Bhūtarāh, esta visión se fusiona con el universo creativo de elrow, dando lugar a una temática en la que el arte no solo se observa, sino que se experimenta y se activa a través del público.

Como explica Juan Arnau Jr, Fundador y Chief Global Brand de elrow, “Bhūtarāh será muy probablemente la temática más especial que hemos creado en la historia de la marca.” Y añade: “Es una poderosa fusión entre formas orgánicas y el caos creativo característico de elrow.” Por su parte, Cruz Arnau, Fundadora y Brand Steward de elrow, afirma: “Con Bhūtarāh estamos preparando algo completamente nuevo, más inmersivo que nunca.”

Dan Popper añade: “El nombre Bhūtarāh es una palabra inventada creada al combinar dos términos del sánscrito. Bhūta hace referencia a todos los elementos presentes en la naturaleza: tierra, agua, fuego y aire; y Ra representa el fuego que irradia. Estoy súper emocionado con lo que viene, ¡no puedo esperar a verlo!”

Seis mundos, una temporada de Bhūtarāh al Closing Party

Bhūtarāh debutará en [UNVRS], el primer hyperclub del mundo, un espacio diseñado para redefinir los límites de la producción y las experiencias nocturnas a escala global. Desarrollado por The Night League, [UNVRS] combina una arquitectura icónica, tecnología avanzada y sistemas de producción de nueva generación para crear entornos totalmente inmersivos donde sonido, luz, visuales y escenografía operan como un lenguaje unificado. En este contexto, Bhūtarāh encuentra el escenario perfecto para desplegar toda su dimensión, convirtiendo la pista de baile en un ecosistema vivo donde la naturaleza, la energía y la interacción humana convergen.

Esta nueva temática se incorpora al universo creativo de elrow para la temporada: seis temáticas rotativas se desarrollarán a lo largo del verano hasta el Closing del 3 de octubre. Durante estos meses, el público también podrá disfrutar de Hallucinarium, un viaje psicodélico a través de la mente y la percepción; Neo Kaos Garden, una reinterpretación futurista donde los mundos orgánico y digital colisionan; el mundo subterráneo e invertido de Delusionville; y Nowmads: New World, una narrativa de exploración en la que comunidades del futuro construyen nuevas realidades a través de la creatividad y la supervivencia; y, finalmente, una temática sorpresa para el Closing Party.

Con Bhūtarāh, elrow da un paso más en su evolución creativa, fusionando arte contemporáneo, narrativa simbólica y tecnología para transformar la experiencia de club en un ritual colectivo. Una experiencia que no solo se vive, sino que se atraviesa, marcando el inicio de una nueva era en la que la pista de baile se convierte en un espacio de exploración, conexión y transformación. Como concluyen Juan y Cruz Arnau: “Finalmente, tres universos creativos se unen: elrow, Dan Popper y [UNVRS] se unen para co-crear algo nunca visto.”

Durante toda la temporada, los amantes de la música podrán adentrarse en Enter the WORTEX para viajar a un nuevo mundo de creatividad. Esta nueva temporada de elrow confirma a [UNVRS] como uno de los destinos imprescindibles del verano en Ibiza, consolidando a elrow como uno de los eventos más distintivos y reconocibles a nivel internacional, y reforzando una alianza creativa que continúa evolucionando, siempre en movimiento.

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Uno de los regresos más esperados de la música terminó de la peor manera cuando una lluvia de críticas fulminó a Amaia Montero luego de su presentación en Bilbao con La Oreja de Van Gogh. La cantante original de la banda española regresó a los escenarios pero no tuvo una buena performance y los fanáticos no se lo perdonaron. El entorno de la artista aseguró que está «devastada» y que «se plantea si podrá seguir».

La vuelta de Amaia al frente de una de las bandas pop más icónicas de España era de los eventos más esperados desde su anuncio en 2025. La cantante de 49 años volvía al grupo tras la salida repentina de Leire Martínez despertando ilusión en sus fanáticos. Pero la entrega de la cantante en el escenario ante 15 mil espectadores no cumplió con las expectativas y solo recibió críticas duras por parte del fandom.

En X empezaron a circular videos de asistentes al show donde se veía que Amaia no estaba preparada vocalmente y que desafinó en varias ocasiones, incuso han llegado a calificar su actuación como un “descontrol vocal”.

Por su parte, la cantante española recogió el guante durante el show y admitió que una de sus interpretaciones “salió fatal”, comentario que fue recibido con aplausos y muestras de apoyo por parte de los fanáticos que estaban emocionados con su regreso. No obstante, según dejó trascender su entorno, Amaia Montero se encuentra «absolutamente devastada» por las críticas tras su presentación y está atrevesando un bajón enorme.

«No esperaba una reacción tan dura a día de hoy e, incluso, se está planteando si será capaz de seguir toda la gira y seguir soportando esta presión», aseguró la prensa española. Asimismo, su entorno remarcó que en redes sociales están siendo “muy duros, crueles y destructivos”, igual que cuando la cantante dijo que “había tocado fondo”.

Amaia Montero volvió a La Oreja de Van Gogh en 2025, tras la salida abrupta de Leire Martínez y después de 19 años fuera del grupo. Al parecer, parte de los fanáticos de la banda no perdonan la salida de Leire y adjudican una trastada por parte de la vocalista original.

En el show de regreso interpretaron clásicos como “Rosas”, “La Playa” y “Puedes Contar Conmigo” que desataron la locura y nostalgia de los espectadores, además de nuevas canciones de esta etapa.

La protagonista de Envidiosa estuvo presente en los Premios Platino 2026 y aprovechó su paso por la ceremonia para hablar de su exitoso presente y se sinceró sobre su vida personal: «La vida es tormentosa», expresó.

Griselda Siciliani pasó por la entrega de los Premios Platino 2026 donde brindó detalles de su exitoso presente y se sinceró sobre su vida personal: «La vida es tormentosa«, expresó y añadió que «no necesita de un hombre para ser feliz«.

La actriz argentina brilló en la XIII edición de los Premios Platino, celebrada el pasado 9 de mayo en el Teatro Gran Tlachco del Parque Xcaret, en la Riviera Maya, México donde estuvo nominada por su papel como Victoria “Vicky” Mori, la protagonista de la serie de Netflix Envidiosa,

Siciliani, con un llamativo vestido verde creado por Tavo García, pasó por la alfombra roja y aprovechó el momento para hablar de su buen presente laboral. También abrió su corazón y se refirió a su vida personal dejando una frase que llamó la atención: “La vida es tormentosa”.

Entrevistada por Guido Záffora para el programa Secretos verdaderos (América TV), Griselda habló sin filtros tras su polémica separación de Luciano Castro, y dijo que «está muy tranquila» respecto a esa situación.“Me gusta estar sola, pero también me gusta estar con alguien, me gustan las dos cosas. No necesito para sentirme realizada, o para sentirme feliz, estar acompañada por un hombre”, expresó.

En ese sentido, la actriz aseguró que le gusta “mucho estar con hombres» y que «disfruta de lo que la vida le va trayendo». De esa manera, Siciliani dejó claro que se encuentra disfrutando tanto de un momento pleno en su carrera profesional como también en el plano personal . “La vida es tormentosa, viste… La vida es tormentosa, para todos. Y las cuestiones del amor son así, ¿no?”

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Medusa Festival construirá este verano en Cullera una réplica en 3D de un galeón pirata del siglo XVII, convertido en escenario musical. La estructura tendrá 18 metros de ancho y 24 metros de altura —equivalente a un edificio de siete plantas— y estará realizada a escala del 50% respecto al tamaño real de estas embarcaciones históricas

El buque se levantará sobre tierra firme y los DJs actuarán desde una cabina situada a la altura de la línea de flotación de la nave. Detrás de ellos, una franja de pantallas LED proyectará imágenes de olas rompiendo contra el casco, creando la sensación de que el galeón navega surcando los mares. Tanto la cubierta como los mástiles estarán equipados con focos y cabezas móviles de iluminación para ofrecer una experiencia visual impactante.

El equipo de diseño del festival valenciano, liderado por el creativo Ado García, ha estudiado decenas de modelos de barcos piratas, corsarios y filibusteros de los siglos XVII y XVIII, la época dorada de la piratería en el Mediterráneo y las Antillas. En ese periodo se ambientan producciones tan conocidas como la saga cinematográfica Piratas del Caribe, protagonizada por Johnny Depp, o la película Master and Commander, con Russell Crowe.

Finalmente, el festival ha optado por recrear un galeón de estilo veneciano, con dos mástiles y un castillo en la popa. La estructura contará con un armazón de acero recubierto de madera, corcho y tela para conseguir una apariencia muy realista. En total, el escenario pesará 16.000 kilogramos y los trabajos de construcción comenzarán en junio.

El escenario será uno de los grandes atractivos de la 12ª edición de Medusa Festival, que se celebrará del 13 al 17 de agosto en la Playa de Cullera. El galeón pirata será uno de los ocho escenarios que funcionarán simultáneamente, todos ellos decorados con fantasías temáticas. Más de 150 DJs pasarán por sus cabinas, entre ellos figuras internacionales como Tiësto, Dimitri Vegas, Steve Aoki, Carl Cox, Timmy Trumpet, Marco Carola, Hugel y Alok.

Además, el escenario-barco debutará tres semanas antes en otro festival de la promotora: Zevra Festival. Este evento, dirigido al público más joven y centrado en el reguetón, los ritmos urbanos y el pop, se celebrará del 14 al 17 de julio y contará con artistas como Nicky Jam, Anuel AA y Ozuna como principales cabezas de cartel.

Desde 2014, Medusa Festival ha apostado por sorprender al público con escenarios de fantasía inspirados en pirámides egipcias, junglas, templos chinos o ciudades invadidas por alienígenas. En marzo, los Iberian Festival Awards —considerados los “Óscar” de los festivales— reconocieron al evento valenciano por su creatividad escenográfica.

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Maxi López se refirió a la supuesta ruptura de Wanda Nara y Martín Migueles y mantuvo el suspenso sobre el presente de la vida amorosa de su exesposa. «La verdad es que no lo sé, habría que preguntarle a Solange cuando vuelva«, deslizó el exfutbolista en Intrusos.

Además, el actor remarcó que tiene buena relación con Migueles y que compartieron el cumpleaños de uno de sus hijos que se celebró en la casa de la empresaria. «Me invitó varias veces a jugar al fútbol. Yo le digo: ‘No juego más al fútbol, ahora cocino, soy streamer, soy actor, entonces no juego más a la pelota’», detalló el coprotagonista de la serie vertical Triángulo amoroso.

Ante la insistencia de la prensa para que precise más información sobre la modelo, con la que volvió a tener una buena relación en los últimos años, Maxi fue tajante: «No me meto más ahí«. De esta forma, el ex participante de MasterChef Celebrity evitó confirmar la ruptura, pero tampoco la negó.

Actualmente, Maxi y Wanda protagonizan la serie vertical Triángulo amoroso producida y emitida por Telefe tras su éxito en el reality MasterChef Celebrity. La empresaria también se encuentra filmando la película ¿Querés ser mi hijo? para la misma productora. Mientras que el ex jugador de fútbol se encuentra en medio de la mudanza de su familia desde Suiza a Argentina.

Quién sería el tercero en discordia entre Wanda Nara y Martín Migueles

Las versiones que explotaron en las últimas horas tras la emisión de Infama. Allí, la periodista Karina Iavícoli aportó datos sobre el detrás de la ruptura y aseguró que la separación se habría producido apenas después del viaje que la pareja realizó a Japón.

Según la panelista, el empresario habría descubierto una cercanía entre Wanda y un famoso vinculado al ambiente artístico. Aunque todavía no trascendieron pruebas concretas ni imágenes que confirmen la situación, el nombre comenzó a circular rápidamente en televisión y redes sociales.

“Se habrían separado, al regresar del viaje, porque a él le daba muchos celos que ella se fuera a grabar con Agustín Bernasconi a Uruguay”, dijo Iavícoli. En ese marco, cabe mencionar que Wanda Nara se encuentra trabajando en tierras uruguayas en una nueva película que protagoniza el citado actor. «Esto habría despertado inseguridades y tensiones dentro de la pareja», sumó.

Por ahora, ninguno de los protagonistas habló públicamente sobre los rumores. En tanto que, mientras crecen las especulaciones alrededor del supuesto tercero en discordia, la historia permanece rodeada de incertidumbre y versiones cruzadas que alimentan aún más la polémica.

Hablar del techno moderno es hablar inevitablemente de Adam Beyer y Drumcode. Lo que comenzó en la Suecia de mediados de los noventa como un sello independiente impulsado por un joven obsesionado con los vinilos, los loops hipnóticos y la energía rave terminó convirtiéndose en una de las plataformas más influyentes de toda la música electrónica contemporánea.

Mucho antes de los escenarios gigantes, los festivales multitudinarios y los radioshows globales, Beyer era simplemente un chico trabajando en una disquería en Estocolmo, intentando encontrar la forma de editar su propia música.

“El primer release de Drumcode es muy especial para mí”, recuerda Beyer en diálogo con DJMAGLA. “Salió en 1996 y en esa época era mucho más difícil editar música porque había que prensar vinilos. Yo financié todo por mi cuenta y conseguí también una distribuidora.”

A mediados de los noventa, el techno europeo atravesaba una transformación enorme. Detroit ya había sentado las bases del género, mientras ciudades como Berlín, Ámsterdam y Estocolmo comenzaban a desarrollar identidades propias. En Suecia surgía una nueva generación enfocada en un techno más funcional, hipnótico y físico, pensado completamente para la pista.

Antes de crear Drumcode, Adam Beyer ya lanzaba música en sellos fundamentales como Planet Rhythm. Pero rápidamente entendió que necesitaba tener control total sobre su sonido y su visión artística.

“En ese momento trabajaba en una disquería en Suecia y desde ahí también operaba otro sello, así que ya tenía algunos contactos. Me encargué de todos los primeros lanzamientos de Drumcode por mi cuenta, prensamos un par de miles de copias y funcionó muy bien.”

El primer lanzamiento, conocido hoy como “Drumcode 1”, terminaría convirtiéndose en una pieza histórica del techno europeo. Su sonido era directo y crudo: bombos secos, grooves repetitivos y una tensión constante orientada completamente al club.

“Artistas que yo admiraba muchísimo estaban tocando esos discos, personas como Jeff Mills y DJ Hell. Entonces Drumcode tuvo un comienzo muy fuerte. Fue un momento muy especial para mí. Además coincidió exactamente con la época en la que estaba cumpliendo veinte años.”

Treinta años después, Beyer todavía considera ese release como uno de los momentos más importantes de toda su carrera.

“Si tuviera que elegir un release de esa época, probablemente sería Drumcode 1, simplemente porque fue algo muy especial. La gente todavía lo sigue tocando hoy y sigue sonando bien.”

Durante sus primeros años, Drumcode se convirtió en una pieza clave del techno sueco. Releases de artistas como Cari Lekebusch, Joel Mull, Hardcell y Henrik B ayudaron a consolidar una identidad sonora que rápidamente comenzó a expandirse por toda Europa.

El sonido Drumcode no buscaba sofisticación melódica ni experimentalismo abstracto. Buscaba impacto físico. Era techno diseñado para warehouses, clubes oscuros y sistemas de sonido al límite.

Con el paso del tiempo, Drumcode dejó de ser simplemente un sello discográfico para convertirse en una identidad global dentro del techno. La marca evolucionó hacia showcases internacionales, festivales, radioshows y eventos propios que ayudaron a acercar el género a nuevas generaciones de público.

Sin embargo, una de las claves del fenómeno Drumcode fue su capacidad para evolucionar sin perder identidad.

“Nunca pensé que iba a construir algo durante treinta años y que terminaría convirtiéndose en mi vida de esta manera”, cuenta Beyer. “Empezás en tus veinte con una idea y de repente pasaron treinta años.”

“Creo que lo que más orgullo me da es haber podido mantener una consistencia, pero al mismo tiempo renovarme constantemente, tanto yo como el sello. Creo que por eso sigue siendo popular hoy. Porque seguimos evolucionando con los tiempos, pero todavía podés sentir inmediatamente cuando algo es un release de Drumcode.”

“Hay una consistencia y una actitud dentro del sello, pero siempre estamos cambiando y avanzando.”

Esa evolución también puede escucharse en la propia música de Beyer. Sus primeras producciones estaban profundamente ligadas al techno percusivo y minimalista de los noventa, mientras que sus trabajos más recientes incorporan melodías, texturas cinematográficas y estructuras mucho más expansivas.

En 2025, Beyer atraviesa además una nueva etapa creativa con el anuncio de Explorer Vol. 1, su primer álbum de estudio en más de veinte años. El proyecto representa una expansión de su universo sonoro sin abandonar la energía que definió toda su carrera.

Pero incluso después de décadas dentro de la escena, todavía existen momentos capaces de sorprenderlo.

Al recordar un instante clave de toda su trayectoria, Beyer vuelve mentalmente a Ultra Music Festival Miami en 2019.

“Hay muchísimos momentos importantes”, explica. “Pero ahora que estamos en Ultra Miami haciendo esta entrevista, me acuerdo perfectamente de 2018.”

“Venía en el avión escuchando música nueva que me enviaba la gente y Bart Skils me mandó algunas ideas. Una de ellas era un demo muy crudo de ‘Your Mind’. En ese momento solo tenía el kick y el sample principal, todavía no estaba terminado.”

“Entonces agregué algunos snares, una línea de 303 y algunos stems más, y al día siguiente lo toqué acá mismo en Miami. Esa fue la primera vez que ‘Your Mind’ sonó en público.”

Aquel track terminaría convirtiéndose en uno de los himnos más importantes de la historia reciente de Drumcode y en una pieza fundamental dentro de la explosión global del techno festivalero.

En paralelo, Beyer también fue testigo directo de toda la evolución tecnológica de la producción electrónica: desde los estudios MIDI y las máquinas analógicas de los noventa hasta la llegada actual de la inteligencia artificial.

“Cuando empezamos en los noventa, todo eran estudios MIDI. Teníamos hardware real y yo vengo completamente de ese mundo. Después lentamente pasamos a las PCs y luego a las Macs. Vi toda la evolución.” Hice mis primeras grabaciones alrededor de 1993 con equipamiento muy limitado y prácticamente sin dinero.”

Aunque reconoce el enorme impacto de las nuevas tecnologías, Beyer cree que el diferencial artístico sigue estando en otro lado.

“La inteligencia artificial está cambiando muchísimo el juego, especialmente con las voces y ese tipo de herramientas. Pero hoy más que nunca no se trata de qué usás, sino de tu imaginación.”

“Hay demasiada tecnología en la música electrónica y mucha termina sonando parecida porque la gente usa los mismos sample packs, Splice y exactamente las mismas herramientas.”

“Los artistas con verdadera imaginación son los que logran crear ideas diferentes. Y ahí es donde realmente está el valor.”

Hoy, con Drumcode acercándose a su 30 aniversario en 2026, Adam Beyer sigue ocupando un lugar central dentro de la música electrónica global. Ya sea liderando escenarios gigantes, reinventando su sonido o impulsando nuevas generaciones de artistas desde Drumcode, su figura continúa funcionando como uno de los grandes puentes entre el espíritu underground del techno noventoso y la dimensión masiva que el género alcanzó en la actualidad.

Pocas carreras lograron mantenerse relevantes durante tanto tiempo sin perder identidad. Y pocas marcas dentro de la música electrónica consiguieron redefinir el sonido de toda una generación como lo hizo Drumcode.

En las próximas semanas, Adam Beyer volverá además a Latinoamérica como parte de la celebración global por los 30 años de Drumcode, con fechas en Bogotá el 12 de junio y Buenos Aires el 13 de junio, donde encabezará una nueva edición de Drumcode.