Santiago Artemis quedó envuelto en una polémica por una cuenta en un restaurante.
Según trascendió, no tenía dinero suficiente para pagar el consumo.
Habría intentado buscar alternativas para resolver la situación.
El episodio se viralizó y generó repercusión en redes y medios.
Una situación tan inesperada como polémica ocurrida en un bar terminó convirtiéndose en uno de los temas más comentados de la semana en los programas de espectáculos y las redes sociales. Lo que comenzó como una salida nocturna común derivó en un episodio que rápidamente trascendió las paredes del local y abrió el debate sobre los privilegios y comportamientos de algunas figuras públicas cuando llega el momento de afrontar una cuenta elevada.
Según relató Santiago Sposato, el protagonista de la historia fue el diseñador e influencer Santiago Artemis. De acuerdo con la versión difundida, al recibir el monto final de los consumos, el mediático intentó encontrar alternativas para evitar el pago inmediato, recurriendo a explicaciones y planteos que sorprendieron tanto al personal del establecimiento como a quienes presenciaban la escena.
Santiago Artemis 28-03-24
Instagram @santiagoartemis
La información indica que Artemis no contaba con el dinero suficiente para cubrir el gasto en ese momento, circunstancia que dio origen al conflicto. La situación, acompañada por una serie de propuestas poco convencionales dirigidas al personal del lugar, terminó convirtiéndose en una anécdota viral que colocó al diseñador en el centro de la conversación mediática y alimentó las repercusiones en el mundo del espectáculo.
Qué hizo un famoso cuando tenía que pagar la cuenta en el restaurante
Lo que comenzó como una cena en un exclusivo restaurante terminó convirtiéndose en una historia que rápidamente llegó a los medios de espectáculos. La situación salió a la luz luego de que trascendiera un incómodo episodio protagonizado por una figura del ambiente artístico al momento de recibir la cuenta, generando sorpresa entre los presentes y repercusiones en redes sociales.
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Santiago Artemis presenta su reality: La vergüenza es muy limitante
Según contó Santiago Sposato, el protagonista del hecho fue el diseñador e influencer Santiago Artemis. De acuerdo con la información difundida, el creador de moda se encontró con un monto elevado por los consumos realizados durante la velada y, ante esa situación, recurrió a distintas explicaciones y propuestas inusuales que llamaron la atención del personal del establecimiento.
La versión periodística señala que Artemis no pudo afrontar el pago porque no contaba con el dinero suficiente en ese momento. El episodio, que en principio parecía un inconveniente privado, terminó instalándose en la agenda mediática y abrió el debate sobre los hábitos de consumo, los canjes y la exposición pública de las celebridades cuando enfrentan situaciones cotidianas fuera de las cámaras.
En un contexto donde buena parte de la industria de los festivales parece competir por el tamaño de los carteles, el volumen de asistentes o la espectacularidad de las producciones, RIT/MO volvió a demostrar durante su edición de 2026 que existe otra forma de construir un evento de música electrónica
Los días 29 y 30 de mayo, las faldas de Sierra Elvira, en Atarfe (Granada), acogieron una nueva edición de un festival que continúa defendiendo una idea aparentemente sencilla, pero cada vez más difícil de encontrar: situar la experiencia musical en el centro de todo. Y esa decisión se percibe desde el primer momento.
Mientras gran parte de la escena parece avanzar hacia modelos donde los artistas funcionan como reclamos individuales y las jornadas se construyen alrededor de una sucesión de impactos rápidos, RIT/MO sigue apostando por una lógica distinta. Aquí la programación no se plantea como una colección de nombres. Se concibe como un recorrido.
Uno de los aspectos más interesantes de esta edición volvió a encontrarse precisamente en esa manera de entender el cartel. Frente a la cultura del headliner, donde cada artista parece competir por captar la atención del público durante una hora concreta, en RIT/MO la sensación es la contraria: cada sesión parece existir para ayudar a construir la siguiente.
RIT/MO Festival 2026: una experiencia musical construida como un viaje sonoro
Durante el fin de semana resultó especialmente evidente la importancia concedida a los warm ups y a las transiciones. Lejos de buscar impactos inmediatos, las dos jornadas se desarrollaron como largos viajes musicales donde el público tenía tiempo para entrar progresivamente en la experiencia. Artistas como Glossy Mario, Fuentes-Guerra b2b Juanito Jones, Unreal Vibes o Deceit fueron los encargados de abrir las puertas del festival con sesiones pacientes, generosas y perfectamente adaptadas al momento del día. A medida que avanzaban las horas, la narrativa iba creciendo de forma orgánica gracias a figuras como Daniel Kelsan, Lucient o Acidheaven, encargados de construir puentes entre atmósferas y energías distintas.
Esta forma de programar permite que propuestas muy diferentes convivan con naturalidad. House psicodélico, electro, trance, techno, ambient o sonidos difíciles de clasificar aparecieron constantemente a lo largo del fin de semana sin necesidad de compartimentar estilos ni públicos. Más que una suma de actuaciones, RIT/MO volvió a funcionar como una conversación musical continua.
Los momentos más celebrados llegaron, naturalmente, durante las horas calientes. El encuentro entre Lena Willikens y Vladimir Ivkovic volvió a demostrar por qué ambos son unos adorables marcianos dentro de la escena. Lukas Wigflex sorprendió a quienes todavía no habían tenido la oportunidad de verlo en directo.
En el escenario MORDISCO, artistas como Kim Ann Foxman, John Talabot, DJ Masda, Sugar Free o Binh protagonizaron algunas de las sesiones más comentadas del fin de semana. Mientras tanto, en LATIDO, Sleep D desarrolló su particular visión de la rave contemporánea antes de que Aurora Halal firmara uno de los cierres más esperados del festival y que cumplió con creces las altas expectativas. Los que se sumergieron en el bosque de RIT/MO para encadenar los sets seguidos de Melina Serser, Vlada y Konduku seguramente no lo olvidarán en mucho tiempo.
La naturaleza y el arte contemporáneo como parte esencial de la experiencia
Sin embargo, limitar la edición de 2026 a su programación musical sería quedarse solo con una parte de la historia. Uno de los grandes aciertos de RIT/MO este año fue demostrar que las mejoras en un festival no siempre tienen que ver con crecer. A veces tienen que ver con cuidar. Las modificaciones introducidas en el recinto no perseguían aumentar aforo ni generar una mayor sensación de espectacularidad. El objetivo era exactamente el contrario: reducir fricciones y favorecer la inmersión.
La nueva orientación del escenario MORDISCO buscaba mejorar la escucha y la relación entre pista, escenario y paisaje. El resultado fue una experiencia más orgánica, donde la atención permanecía en la música mientras el cortado de piedra de Sierra Elvira y la vegetación que rodea el recinto servían de decoración perfecta.
Algo similar ocurrió en LATIDO. La incorporación de suelo técnico en le espacio fue algo muy valorado, y las elevadas temperaturas registradas durante el fin de semana apenas se dejaron sentir bajo la sombra permanente de los árboles que rodean este escenario.
La iluminación fue, probablemente, uno de los elementos que mejor sintetizó la filosofía de esta edición. Lejos de competir con el entorno, trabajó a su favor. Árboles, senderos, laderas y formaciones rocosas pasaron a formar parte activa de la propuesta visual, reforzando la sensación de que el paisaje era un elemento más de la experiencia.
La intervención de la artista contemporánea Hodei Rodríguez añadió una nueva capa de significado al conjunto. Sus máscaras distribuidas por distintos puntos del recinto no funcionaban como una instalación para ser contemplada a distancia, sino como una obra abierta a la interacción. Integradas en el recorrido del festival, convivían con los asistentes y evolucionaban junto a ellos.
Y quizá ahí se encuentre una de las claves para entender lo ocurrido en Atarfe. En una época dominada por el consumo rápido de contenidos, por la necesidad constante de documentar cada experiencia y por la búsqueda permanente de estímulos inmediatos, resultaba llamativa la cantidad de personas que simplemente permanecían bailando. Sin necesidad de registrar cada momento. Con la atención puesta exclusivamente en la música.
A ello se sumó una logística especialmente cuidada: barras sin largas esperas, baños accesibles, amplias zonas para bailar, etc., etc. Todo ello contribuyó a reforzar una sensación cada vez más difícil de encontrar en el circuito contemporáneo. Y la de que todavía existen espacios donde la escucha, el baile y el encuentro siguen siendo suficientes.
Atarfe consolida a RIT/MO como una de las citas más especiales de la escena electrónica
En tiempos de consumo rápido, RIT/MO volvió a reivindicar algo tan sencillo como pasar horas escuchando música en un entorno privilegiado junto a personas que comparten una misma pasión. Y, a juzgar por lo vivido durante este último fin de semana de mayo, cada vez son más quienes parecen echar de menos precisamente eso.
The Lenovo Garage, el nuevo espacio de Autocine Madrid, reunió el sábado 6 de junio a artistas internacionales y talento emergente en una experiencia que dejó una valoración muy positiva entre los asistentes
Steve Aoki convierte Madrid en el epicentro de la música electrónica. El sábado 6 de junio una de las citas más destacadas del calendario de música electrónica de 2026. Se trata del evento protagonizado por Steve Aoki en The Lenovo Garage, que reunió a 4.000 asistentes en una jornada ininterrumpida de siete horas.
Desde la apertura de puertas, más de 4.000 personas se dieron cita en The Lenovo Garage, el innovador espacio de Autocine Madrid, para disfrutar de una experiencia inmersiva única que combinó una cuidada producción audiovisual, propuestas gastronómicas, zonas VIP y una programación musical de primer nivel.
Steve Aoki convierte Madrid en el epicentro de la música electrónica
El gran protagonista de la noche fue Steve Aoki, una de las figuras más influyentes de la música electrónica internacional, que hizo parada en Madrid dentro de su Summer Tour 2026. El reconocido DJ y productor estadounidense desplegó toda su energía sobre el escenario con un espectáculo cargado de interacción con el público, efectos visuales y algunos de sus éxitos más conocidos, convirtiéndose en uno de los momentos más destacados y celebrados del evento.
La jornada contó también con la actuación del dúo madrileño SHAKE COCONUT, encargado de abrir el evento con una sesión llena de ritmo, personalidad y sonidos electrónicos; así como del dúo británico Switch Disco, que hizo bailar a los asistentes gracias a sus exitosos reworks y a su característica fusión de house contemporáneo con influencias pop.
Más de 4.000 asistentes disfrutan de una experiencia inmersiva en The Lenovo Garage
La organización del evento ha sido posible gracias a la colaboración entre NO.MAD Project, productora especializada en eventos experienciales y gestión de patrocinios; The Lenovo Garage; y Global Headliner Collective, compañía experta en booking y management de artistas de música electrónica. La unión de estas entidades ha permitido crear una cita musical de referencia que ha situado a Madrid en el foco de la escena electrónica nacional e internacional.
The Lenovo Garage se consolida así como uno de los espacios para eventos más innovadores y versátiles de Madrid, destacando por su capacidad para integrar diferentes ambientes, áreas VIP, oferta gastronómica y tecnología audiovisual avanzada, convirtiéndose en un referente para la celebración de conciertos, festivales y experiencias de entretenimiento de gran formato.
Con una asistencia superior a las 4.000 personas y una valoración muy positiva por parte del público, la organización realiza un balance altamente satisfactorio de esta primera edición, que ya se posiciona como una de las grandes citas de la música electrónica en Madrid durante 2026.
El nuevo APC-2 de Teenage Engineering lo hace realidad.
Teenage Engineering, en colaboración con el estudio Supersense, con sede en Viena, ha presentado un novedoso dispositivo de audio. El APC-2 permite grabar en directo directamente sobre un disco de vinilo, dirigido a un público muy específico de aficionados al vinilo, artistas y estudios experimentales.
El dispositivo no es un tocadiscos tradicional, sino una máquina de corte compacta para la llamada grabación directa al disco. Las señales de audio se pueden introducir mediante una entrada jack, entre otros métodos, y según las especificaciones, también es posible la integración con un DAW.
Teenage Engineering y Supersense destacan la alta calidad de sonido del sistema
El APC-2 no es precisamente adecuado para un salón. Mide 1,3 metros de alto, 60 centímetros de ancho, 40 centímetros de profundidad. Y pesa alrededor de 140 kilogramos.
Teenage Engineering es conocida por su tecnología de audio poco convencional, desde sintetizadores compactos hasta colaboraciones de diseño con IKEA. Con el APC-2, la compañía amplía su catálogo con una herramienta especialmente especializada para la producción musical analógica.
Con más de tres décadas gastando suelas en las pistas y quemando pestañas en las redacciones de la prensa musical, a uno le quedan pocas cosas intactas bajo la piel, salvo el instinto y una vieja capacidad de asombro. Lo sucedido en Buscastell (en la foto) no es una simple anécdota de verano; es el síntoma definitivo de una industria que parece devorarse a sí misma.
Texto: Fernando Fuentes
Ver a artistas de la talla internacional de Sébastien Léger, WhoMadeWho o Seth Troxler en el cartel de un evento clandestino con más de mil asistentes no es una casualidad. Es la profesionalización de la ilegalidad. Ya no hablamos de cuatro amigos con un generador y un par de bafles en mitad del campo. Lo hacemos de macroestructuras con catering, ambulancias y proyecciones de vídeo de última generación. Y tres pistas de baile operando al margen de toda norma. Un festival encubierto bajo el manto de la exclusividad underground.
“La música no va a parar, pero las reglas del juego en la isla blanca acaban de saltar por los aires”.
El clubbing en España, y de manera muy especial en Ibiza, siempre ha cabalgado entre la cultura del hedonismo y la rigidez de la normativa mercantil. Que la asociación Ocio de Ibiza hable ahora de un “punto de inflexión” y exija cláusulas de exclusividad penalizando a los DJs es un movimiento lógico. Pero llega tarde. Durante años, la línea entre la vanguardia secreta y el negocio corporativo ha sido peligrosamente delgada.
“Si los grandes clubes cumplen su amenaza y vetan a los DJS que jueguen a dos bandas, la escena cambiará radicalmente”.
La música electrónica es cultura, es baile y es libertad; pero la masificación irresponsable disfrazada de “fiesta secreta VIP” pone en jaque la seguridad y el respeto a la propia isla. El foco ya no está solo en los promotores piratas, sino en el propio artista. El DJ, que antes era un prescriptor cultural, hoy se enfrenta a un dilema moral y contractual: alimentar el circuito regulado que sostiene la industria musical o sucumbir al cheque y al misticismo de las sombras.
Si los grandes clubes cumplen su amenaza y vetan a los DJS que jueguen a dos bandas, la escena cambiará radicalmente. La música no va a parar, pero las reglas del juego en la isla blanca acaban de saltar por los aires.
Jamie Jones, Max y Luke Dean, Sidney Charles y Vanee completan un cartel espectacular a la altura de Metamorfosi
Joseph Capriati regresa a Barcelona con su ciclo de eventos Metamorfosi el 20 de junio de 2026, fecha que encabezará el escenario del Parc dels Auditori en el Parc del Fòrum durante la Semana OFF Sónar. Jamie Jones, Max y Luke Dean, Sidney Charles y Vanee se suman al cartel de este evento al aire libre.
Concebido originalmente como una extensión de la visión artística de Capriati, Metamorfosi se ha convertido en una plataforma multidisciplinar que abarca eventos, lanzamientos y colaboraciones centradas en los mejores artistas de house y techno del mundo. El concepto Metamorfosi ya ha organizado eventos en salas y festivales de toda Europa, con un enfoque en viajes musicales extensos y carteles cuidadosamente seleccionados, incluyendo una destacada residencia en Ibiza.
La edición de Barcelona volverá a utilizar el entorno costero del Parc del Fòrum, un espacio que se ha convertido en un destino habitual para eventos de gran envergadura. Celebrado durante una de las semanas más concurridas de la ciudad para la música electrónica, el evento se suma a un programa más amplio de fiestas y eventos que rodean al Festival Sónar.
Capriati sigue siendo una de las figuras más destacadas de la escena y se presenta en los mejores locales del mundo, ofreciendo una mezcla esencial de house y techno en múltiples matices. Junto a él en el cartel estarán Jamie Jones, fundador de Paradise, y el prometedor artista británico Max Dean, cuya popularidad ha crecido significativamente en los últimos dos años gracias a una serie de lanzamientos de gran repercusión y presentaciones internacionales, además de su primo Luke, el veterano referente del hard house Sidney Charles y Vanee.
Doce años después de que sus primeros impulsos analógicos vieran la luz, el único legado de estudio del dúo barcelonés Cristal regresa a la primera línea de la escena informativa como un recordatorio flagrante de lo que significa la verdadera música avanzada. Integrado por Christian Ruiz (sintetizadores, vocoder y programación) y Gemma Ramos (sintetizadores, flauta y programación), el combo entrega en su referencial ‘Cristal EP’ una obra de ingeniería sonora pulcra, mutante y esquiva a los clichés de las pistas de baile convencionales.
En un presente musical saturado de algoritmos predecibles, plantillas de producción clónicas y una preocupante estandarización del ‘banger’ para festivales masivos, el regreso a la palestra informativa del dúo barcelonés Cristal no es una simple anécdota nostálgica. Es un guantazo de realidad analógica.
Texto: Fernando Fuentes
-Hola Christian, nos referimos a ‘Cristal EP’ como un “tratado atemporal”, ¿qué géneros electrónicos estamos situando en una colisión frontal y libre de clichés comerciales?
El electro y el IDM de influencia europea hasta la década de 2010. Estábamos muy influenciados por el Apparat de ‘Walls’ y ‘Silizium’ EP.
-En la arquitectura sonora de Cristal, ¿qué elementos específicos operan como el contrapunto humano frente a la frialdad de la tecnología prístina?
Los instrumentos acústicos como la flauta, la guitarra y la voz como moduladora de los vocoders. En el caso de la flauta y la guitarra, eran los instrumentos que ejecutaba Gemma y complementaban muy bien a los sintetizadores, añadiendo un toque orgánico. Los vocoders siempre han estado presentes en mi música.
– A nivel de producción, ¿qué sintetizadores o herramientas digitales específicos definieron el carácter dinámico y transparente de este trabajo?
No usamos muchas cosas. Para los vocoders el Roland Jp-8080 procesando con Guitar Rig directamente en el Daw. También usamos mucho Massive no sólo para sintetizadores y pads sino también para generar ritmos, Battery con mucho uso de sus articulaciones-efectos, mucho Reaktor y sobre todo múltiples cadenas de efectos y recortadores de audio para dar movimiento al sonido previamente editado y troceado para resultar aún más dinámico y rítmico.
-El EP mantiene una frescura conceptual idéntica a la de su lanzamiento original. Si tuvieras que definir el mensaje central de Cristal con una sola palabra o concepto visual, ¿cuál sería?
Yo creo que me quedaría con Cristal cómo único mensaje y concepto. Nos costó llegar a la palabra pero una vez dimos con ella nos convenció lo perfecto de todo lo que la palabra puede significar. Limpio, luminoso y brillante.
-Doce años es un abismo en la tecnología digital, pero este EP se percibe hoy como un recordatorio flagrante de verdadera música avanzada. ¿Cómo sobrevive un tratado de IDM y electro al paso de una década sin perder un ápice de su pulcritud original?
Por la combinación y sinergia de Gemma y yo en ese momento. Por parte de Gemma, la solidez de la partitura y las subdivisiones entre los elementos son sólidas y clásicas; mientras que por mi parte el sonido es digital, dinámico, transparente y lleno de movimiento.
-Vayamos al interior de la secuencia del EP. El viaje arranca con “Somedays are beautiful”, una pieza suspendida en una gran carga emocional y texturizada mediante vocoder. Christian, ¿cómo se consigue mantener el equilibrio para que un arreglo de tipo bleep, tradicionalmente frío, transmita una hipnosis tan elegante y emotiva?
Este tema estaba en mi cabeza desde el año 2006 y gracias a Gemma el tema se materializó como una pieza de pop minimal y super flotante. El bleep fue un arreglo hecho más tarde, buscando coherencia con la naturaleza vaporosa y melódica del tema. No es un bleep al uso: es una secuencia cargada de delays que hicimos con Reaktor tras mucha búsqueda. Y el resultado fue perfecto.
–Esa precisión quirúrgica en todo el trabajo se consolida en el estudio gracias a la mano de Iván Hanon en la mezcla. En cortes tan dinámicos y físicos como “Arista”, donde la morfología rítmica se niega a permanecer estática y cambia a cada compás, ¿cómo fue el proceso de trabajo con Iván para que la mutación constante no acabara en caos sonoro?
Lento, metódico y artesano. A todos los temas se les dio el tiempo que hiciera falta para que fuesen convincentes y redondos. El trabajo con Iván fue excelente, se tomó el proyecto como propio, y todas las partes dábamos lo que hiciera falta para materializar el mejor resultado posible. Estuvimos meses en ello.
-Para cerrar el viaje, ‘Orange’ nos sumerge en un claroscuro musical impecable. Ahí contáis con la guitarra acústica de Miguel Ángel Vera abriendo y cerrando el corte de forma orgánica. ¿Por qué elegir precisamente ese instrumento y esa colisión frontal para clausurar el ‘Cristal EP’?
Gemma estaba metida en la guitarra acústica en ese momento, por lo que Miguel Ángel Vera nos echó una mano para grabarlas. Tras algún error flagrante con el tempo en el intercambio de los archivos de audio entre proyectos, finalmente acabó tocándolas él, con un resultado excelente.
-¿Dónde y cuándo pensáis presentar los temas de este ‘Cristal EP’ y qué formato?
Este lanzamiento es una redistribución digital que no será presentado en directo. La intención es publicarlo y hacerlo accesible a todo el mundo, ya que tras el paso del tiempo estos cuatro temas nos parecen frescos, vigentes e irrepetibles.
-Para terminar, seguro que no tendremos que esperar de nuevo doce años para recibir nuevo material de Cristal, ¿verdad? ¿Futuro inmediato?
El cineasta y productor Lucas Vignale falleció en el choque de helicópteros en Río de Janeiro a cuatro meses de presentar su primer largometraje en el Festival de Cine de Berlín. La Berlinale recordó su trayectoria y le envió condolencias a sus seres queridos.
«Tuvimos el privilegio de recibir a Lucas en el festival este mes de febrero, donde se estrenó su primer largometraje, El Tren Fluvial (codirigido con Lorenzo Ferro), en la sección Perspectivas de la Berlinale», destacó la cuenta de Instagram del festival y puntualizó en la descripción de una foto de Lucas: «Comenzó su carrera como editor antes de pasar a la dirección, creando una obra variada que abarca tanto el cine como la música«.
Embed – Berlinale on Instagram: «We are deeply saddened to hear of the passing of Lucas A. Vignale, who died yesterday at the age of 28. We had the privilege of welcoming Lucas to the festival this February, where his debut feature “El Tren Fluvial” (co-directed with Lorenzo Ferro) premiered in the Berlinale Perspectives section. Born in Buenos Aires in 1997, Lucas began his career as an editor before moving into directing, creating a diverse body of work across film and music. Our thoughts are with his family, friends, and collaborators during this difficult time.»
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«Le está yendo muy bien, se estrenó en Berlín, en Nueva York y acá en BAFICI«, había celebrado Vignale sobre su largometraje en su última semana de vida en el canal de streaming Blender, se definió como «autodidacta» y le aconsejó a quienes quisieran hacer cine: «Leer todo lo que se pueda y mirar todas las películas que se pueda».
El productor nacido en Buenos Aires en 1997 había logrado reconocimiento tanto en el cine independiente como en la realización de videoclips para figuras internacionales como J Balvin, Nathy Peluso, Trueno, Nicki Nicole y Bizarrap. Las últimas tres lo despidieron en sus redes sociales.
El accidente en Brasil también se cobró la vida del youtuber argentino Gaspar Prim Díaz, más conocido como Gaspi, el músico estadounidense Oliver Tree, los dos pilotos y Lucas Brito Chaves.
La despedida de Bizarrap, Nicki Nicole y Trueno a Lucas Vignale
En tanto, el compositor Bizarrap le dedicó una publicación a Vignale tras su muerte. «Luquitas, no hay palabras; solo espero que puedas descansar en paz. El dolor es inmenso, muchísimas fuerzas a la familia y amigos más cercanos. Hasta siempre amigo, los buenos recuerdos y tu arte serán imborrables», expresó.
Bizarrap historia Lucas Vignale
«Descansá, Luquitas«, le deseó el cantante Trueno en su cuenta de Instagram junto a un corazón blanco. Su colega Nicki Nicole eligió el mismo emoji y el de una paloma para el último adiós al productor con el que trabajó.
La cantante compartió una escena del videoclip No voy a llorar, que Vignale había dirigido, y escribió «Sin palabras, la verdad. Gracias por compartir de tu arte conmigo, @lucasvignale. QEPD», junto a un emoji de paloma blanca y un corazón rojo.
Madonna y Sabrina, las dueñas del Pop, lanzaron el esperado videoclip de Bring Your Love, una colaboración que sella el legado musical en un estallido de coreografías, estética retro-clubber y un guiño nostálgico con la presencia de Julia Garner. La pieza forma parte de Confessions II, el nuevo álbum de la legendaria artista y reina indiscutida de la música mainstream.
Dos rubias icónicas y hegemónicas han decidido cruzar caminos para marcar un antes y un después en la historia del Pop mundial. Madonna, a sus 67 años, sigue siendo la reina indiscutida del género, mientras que Sabrina Carpenter, con apenas 27, emerge como la elegida para continuar con ese legado. Su encuentro se cristaliza en Bring Your Love, un himno que simboliza la unión de generaciones, estilos y visiones.
Por un lado, la cantante de Like a virgin aporta la experiencia, la provocación y el aura de leyenda, mientras que Sabrina da la frescura, la energía y la promesa de futuro. Juntas encarnan el poder de la música como puente entre épocas y con sonidos que evocan al clásico Tragedy de Los Bee Gees, le dieron vida a un simple que ya promete convertirse en el himno del verano en el hemisferio norte.
El videoclip además de resaltar la química entre ambas artistas, inaugura la cuenta regresiva hacia el lanzamiento del nuevo álbum de la “Reina del Pop”, Confessions II, el esperado sucesor del icónico Confessions on a Dance Floor (2005), previsto para el próximo 3 de julio bajo el sello Warner Records.
El inicio es todo de Madonna: la cámara se centra en una alfombra interminable que avanza sobre la pista de baile hasta desplegarse por completo, revelando a la artista emergiendo de su interior, lista para adueñarse de la pista. Desde ese momento, el video se transforma en un recorrido sensorial entre una multitud de bailarines
Asimismo, la pieza audiovisual funciona como una versión extendida de una secuencia central del cortometraje de 13 minutos que Madonna presentó recientemente en el Festival de Cine de Tribeca.
Madonna y Carpenter se abren paso con una coreografía que mezcla sofisticación y sensualidad, mientras esquivan a un camarógrafo flotante que parece vigilar cada uno de sus movimientos en medio de la gente. La reina que nunca abdica y la heredera que se prepara para conquistar, son un suceso que celebra el pop y los fanáticos ya pueden disfrutar de su colaboración.
Madonna y Sabrina en Coachella
El festival de música Coachella 2026 tuvo su momento histórico, cuando Sabrina Carpenter sorprendió al público con la sorpresa de una invitada de lujo: Madonna. La cantante presentó a la «Reina del Pop» en el cierre de la cuarta jornada del evento en Indio, California, y cantaron juntas cuando los acordes de Vogue empezaron a sonar y la silueta de Madonna emergió en el escenario principal.
Las dos artistas estadounidense cantaron ante más de 100 mil personas en el Empire Polo Club, donde solo hizo falta un «Strike the pose» para que el público saltara con la leyenda viva que es Madonna y Carpenter como la heredera del trono pop.
Tras cantar unas estrofas de Vogue, ambas artistas unieron sus voces para cantar a capela un extracto de la primera entrega de Confessions, logrando un momento íntimo y poderoso que unió a dos generaciones.
La diva y conductora de La mañana con Moria le pidió a su movilero Giuliano Fessia que no la relacione con cábalas para el Mundial 2026 en la previa del debut de la Selección argentina. El cronista le había mostrado una picada nombrada en su honor para aprovechar durante el partido y consideró «una buena señal» que un jugador argentino saliera en una figurita elegida por la One.
«Mirá la estrella: la picada Moria Casán», presentó Fessia desde un bar temático y Moria Casán se mostró incómoda y le pidió: «No, pero no. Te pido un favor, te pido un favor. Te lo agradezco, pero no me pongan en la mesa cabulera. No, no, no, no, la mesa cabulera que no tenga mi nombre, porque si no me muero, no«.
El periodista intentó suavizar el momento aclarando que era la picada «para festejar», pero la conductora insistió: «La picada en otra mesa para otro día«.
Embed – LA MAÑANA CON MORIA-PROGRAMA 15/06/26 -TRAGEDIA EN RÍO: MUERIERON GASPI, LUCAS VIGNALE Y OLIVER TREE
Minutos después le pidió que eligiera una figurita como parte de un juego y la actriz dio con Alexis Mac Allister. «Nos tocó Mac Allister de la selección argentina, que esto significa una buena señal«, festejó Fessia, pero Moria volvió a pedirle que no la relacione con la suerte de Argentina para la Copa del Mundo y se tocó la teta izquierda.
«Qué divino, se agradece, pero para otro«, apuntó la vedete desde el estudio intentando ahuyentar la yeta con una mano en el pecho hacia el final de su programa de este lunes en El Trece.
Qué dijo Lionel Scaloni en la previa del debut de la Selección en el Mundial 2026
El entrenador de la Selección argentina, Lionel Scaloni, expuso que los futbolistas se encuentran en buen estado físico de cara al debut en el Mundial 2026 contra Argelia, que será este martes a las 22 por el Grupo J. Sin embargo, no dio a conocer el equipo que será titular.
En una conferencia de prensa, Scaloni mencionó la situación física de distintos jugadores, en la previa del partido que se jugará en el Kansas City Stadium: «Messi siempre ha estado y siempre fue fundamental, ahora lo será aún más y se lo ve bien. Julián Álvarez tuvo el problema en el tobillo pero ha dado fruto su recuperación y para mañana está disponible y es opción. Emiliano Martínez está bien. Si todo sigue bien, creo que va a jugar».
«Vamos a ver si Tagliafico hace la parte con el grupo, pero en principio están bien todos, o sea que los lesionados ya no están», agregó sobre el lateral izquierdo, quien se desgarró en el sóleo.
En tal sentido, remarcó la preparación del equipo: «Estamos tranquilos y enfrentaremos a un buen equipo. Llegamos en un buen momento. Estamos de la misma manera que el primer día; equilibrio es la palabra. Intentamos lo mejor para la Selección, para nuestro país. Más allá de los resultados, hemos mantenido la tranquilidad y el compromiso».
También analizó a Argelia, que volverá a jugar una Copa del Mundo después de Brasil 2014. «Creo que vamos a enfrentar a una buena selección, Argelia ha hecho mérito para estar en el Mundial. Hubo partidos que demuestran que en esta copa no hay partidos fáciles. Argelia tiene buenos jugadores adelante y mediocampistas con buen pie. También tiene poder de adaptación a distintos esquemas. Es un equipo a respetar y nos pondrá, seguramente, las cosas difíciles», expresó.
