Categoría: Sin categoría

Durante más de quince años, Hernán Cattáneo apoyó la música de Khen desde sus sets, mucho antes de que el productor israelí alcanzara reconocimiento internacional. Lo que comenzó como una admiración artística fue evolucionando con el tiempo hasta convertirse en una amistad construida alrededor de una misma manera de entender la música electrónica: sin apuros, priorizando la emoción por encima de las tendencias.

Esa historia encuentra ahora un nuevo capítulo con “Rogelito”, el primer trabajo conjunto entre ambos artistas y, además, el debut de Cattáneo en Closure, el sello fundado por Khen. Con motivo del lanzamiento, conversamos con los dos protagonistas sobre cómo nació esta colaboración, la evolución del progressive house, la escena argentina y la importancia de mantener una identidad artística a lo largo del tiempo.

Después de apoyar la música de Khen durante más de 15 años, ¿qué hizo que este fuera finalmente el momento indicado para colaborar juntos en el estudio por primera vez?

Hernán Cattáneo: Vengo tocando la música de Khen desde hace muchos años porque conecté con su sonido desde el primer momento. Con el tiempo compartimos cabina, pasamos mucho tiempo juntos y desarrollamos una gran amistad, además de una comprensión mutua de nuestras ideas musicales.

Nunca hubo presión por hacer una colaboración. Simplemente sucedió cuando el momento se sintió natural. No estábamos intentando hacer “una colaboración”; simplemente estábamos creando música que a los dos nos gustaba tocar.

Has ayudado a moldear el progressive house a lo largo de varias generaciones. ¿Qué creés que la escena actual está haciendo bien y qué sentís que se perdió respecto a cuando empezaste?

Hernán Cattáneo: Cada generación aporta algo valioso. Los productores de hoy cuentan con herramientas y acceso al conocimiento que simplemente no existían cuando yo empecé, por lo que el nivel general de producción alcanzó un estándar muy alto.

Al mismo tiempo, creo que hemos perdido algo de paciencia. Antes los artistas tenían más tiempo para desarrollar una identidad propia, mientras que hoy la presión por lanzar música constantemente y seguir el ritmo de los algoritmos hace que muchas cosas se sientan más inmediatas y descartables. Lo que nunca cambió es que la música realmente emotiva siempre encuentra su público, sin importar las tendencias.

Argentina sigue produciendo artistas de nivel mundial. ¿Qué hace que la escena electrónica argentina sea tan especial en comparación con el resto del mundo?

Hernán Cattáneo: Argentina siempre tuvo una relación muy apasionada con la música. Incluso en los momentos más difíciles, la gente siguió saliendo, bailando y apoyando a los artistas. Creo que esa pasión genera un público que realmente escucha y conecta emocionalmente, y eso inspira a los productores a desarrollar un lenguaje musical más profundo en lugar de limitarse a seguir tendencias.

También existe un fuerte sentido de comunidad entre los artistas. Siempre compartimos ideas, nos apoyamos mutuamente y celebramos la individualidad. Creo que esa es una de las razones por las que tantos artistas argentinos lograron reconocimiento internacional.

Después de tantos años de carrera, ¿qué sigue despertando esa sensación de decir “este tema tengo que tocarlo” cuando preparás un set?

Hernán Cattáneo: Tiene que ver con sentirlo. Siempre se trata de la emoción y el groove. No importa si el track es de un productor muy conocido o de alguien de quien nunca escuché hablar. Si escucho algo que me transmite la sensación correcta, inmediatamente quiero compartirlo con la gente.

Eso sigue siendo lo más emocionante de ser DJ para mí: descubrir música que genera una conexión emocional genuina. Después de tantos años, esa sensación no cambió en absoluto.

Definiste a “Rogelito” como uno de los lanzamientos más importantes de tu carrera. ¿Sentiste presión al entrar al estudio sabiendo que finalmente ibas a colaborar con Hernán?

Khen: La verdad es que no sentí presión. Si acaso, sentía mucha ilusión. Hernán forma parte de mi camino como DJ y productor desde hace quince años. Desde la primera vez que empezó a tocar mi música hasta la amistad genuina que construimos con el tiempo, colaborar juntos simplemente se sintió natural.

Nos conocemos muy bien, así que intercambiar ideas fue algo muy sencillo, inspirador y realmente divertido.

Hernán creyó en tu música mucho antes de tu reconocimiento internacional. Mirando hacia atrás, ¿cuál fue la mayor enseñanza que te dejó ver evolucionar su carrera?

Khen: Que cada artista es único y que mantenerse fiel a uno mismo, a su sonido y a sus convicciones es lo mejor que podés hacer si querés construir una carrera que dure décadas y no solamente unos pocos años.

Para mí, Hernán está en la misma categoría que artistas como John Digweed, Carl Cox o Richie Hawtin: verdaderos maestros, con identidades y sonidos muy sólidos.

Argentina se convirtió en uno de tus mercados más fuertes. ¿Qué tienen los públicos argentinos que hacen que siempre quieras volver?

Khen: Hay una honestidad muy especial en la forma en que el público argentino vive esta música. No están esperando un drop o un momento específico para reaccionar; simplemente están presentes durante horas.

Ese nivel de atención cambia completamente la forma en que uno toca. Te impulsa a construir el viaje musical en lugar de apresurarlo, y ese es exactamente el tipo de sets que me gusta hacer.

El progressive house atravesó distintos ciclos durante la última década. ¿Hacia dónde creés que se dirige el género y en qué debería enfocarse la próxima generación de artistas?

Khen: Siento que el progressive house está viviendo un renacimiento. En Argentina siempre fue enorme, pero ahora también está empezando a conectar mucho más con públicos jóvenes en otros países. Basta con mirar festivales como Balance en Croacia, que apenas en su segunda edición volvió a agotar entradas con un lineup claramente orientado al progressive.

A los nuevos artistas les diría que resistan la tentación de perseguir lo que está de moda en cada momento. Los tracks que realmente perduran son aquellos que suenan como la persona que los creó, y no como todos los demás que están lanzando música ese mismo mes.

Más que una colaboración puntual, “Rogelito” representa el encuentro entre dos artistas que construyeron su relación de manera orgánica, dejando que el tiempo hiciera su trabajo. Sin expectativas ni estrategias, el proyecto terminó reflejando exactamente aquello que ambos defienden desde hace años: una música que prioriza la emoción, el desarrollo y la identidad por encima de la inmediatez.

En un momento donde el progressive house vuelve a ganar protagonismo a nivel internacional, el lanzamiento también funciona como un recordatorio de que las carreras más duraderas suelen construirse desde la autenticidad. Para Cattáneo y Khen, el futuro del género parece depender menos de seguir tendencias y mucho más de mantener una voz propia, una filosofía que “Rogelito” resume a la perfección.

Durante décadas, el aire acondicionado fue la gran respuesta al calor. Si una casa se calentaba, se instalaba una máquina más potente. Si la ciudad se volvía insoportable, se sumaban más equipos, más consumo eléctrico y más dependencia de una solución que enfría interiores, pero también tensiona redes y aumenta emisiones.

El problema ya no es menor. La Agencia Internacional de la Energía calcula que el uso de aires acondicionados y ventiladores representa casi el 20% de toda la electricidad usada en edificios y cerca del 10% del consumo eléctrico global. Además, advierte que, sin políticas de eficiencia, la demanda energética para refrigeración podría más que triplicarse hacia 2050.

Frente a ese panorama, una idea antigua vuelve a sonar moderna: quizá el primer paso no sea enfriar más, sino construir mejor. Y pocas ciudades lo entendieron tan bien como Yazd, en Irán.

El método persa no atacaba el calor: lo evitaba

Yazd se encuentra en medio de la meseta iraní, en un entorno desértico donde sobrevivir siempre exigió usar los recursos con inteligencia. La UNESCO describe la ciudad como un testimonio vivo del uso de recursos limitados para la vida en el desierto, con agua transportada mediante qanats y una arquitectura de tierra que conservó viviendas tradicionales, patios, bazares y sistemas históricos.

La clave estaba en que el edificio no era una caja indiferente al clima. Era parte del sistema de refrigeración. Los muros gruesos de tierra retrasaban la entrada del calor. Los patios interiores generaban microclimas protegidos del sol. Los espacios semienterrados aprovechaban la temperatura más estable del subsuelo. Y los qanats llevaban agua subterránea que también ayudaba a refrescar el ambiente.

En ese conjunto aparecía el elemento más reconocible: el bâdgir, o captador de viento. A simple vista parece una torre decorativa sobre el techo. En realidad, funciona como un sistema de ventilación pasiva. Puede capturar corrientes de aire y dirigirlas al interior, pero también favorecer la salida del aire caliente por efecto chimenea.

La UNESCO resume esa inteligencia climática al señalar que en Yazd los captadores de viento, los patios y los muros gruesos de tierra crean un microclima agradable. También destaca que la ciudad es un ejemplo de adaptación de la vida a un entorno hostil durante varios milenios.

La tecnología moderna está redescubriendo una idea muy vieja

Lo más interesante es que el bâdgir no era una pieza aislada. Funcionaba dentro de una ciudad pensada para dar sombra, canalizar aire, conservar agua y reducir la exposición directa al sol. La arquitectura no intentaba corregir el clima después de construir: lo incorporaba desde el inicio.

La refrigeración moderna tomó el camino contrario durante buena parte del siglo XX. Muchos edificios empezaron a depender de fachadas de vidrio, hormigón, grandes superficies expuestas y máquinas capaces de compensar todo eso. Funcionó mientras la energía parecía barata y el calor no era una emergencia global. Hoy esa lógica empieza a mostrar sus límites.

El Programa de Naciones Unidas para el Medio Ambiente advierte que la demanda de refrigeración podría más que triplicarse hacia 2050 si todo sigue como hasta ahora, empujada por el crecimiento de la población, el aumento de ingresos y eventos de calor extremo más frecuentes.

Por eso las soluciones pasivas vuelven a ganar fuerza. No se trata de copiar literalmente una casa persa en cualquier ciudad, sino de recuperar su principio: sombra antes que máquina, ventilación antes que compresor, masa térmica antes que consumo permanente.

Hay ejemplos modernos que van en esa dirección. El Centro de Visitantes del Parque Nacional Zion, en Estados Unidos, utiliza ventilación natural, protecciones solares y torres de enfriamiento evaporativo. El Departamento de Energía de EEUU explica que esas torres enfrían el aire con agua evaporada y que el edificio fue diseñado con cargas eléctricas mínimas y sin aire acondicionado convencional.

La lección no es que haya que renunciar al aire acondicionado. En olas de calor extremas, hospitales, hogares con adultos mayores o viviendas mal aisladas, puede ser una herramienta necesaria. Pero sí demuestra algo incómodo: durante años intentamos resolver el calor agregando máquinas a edificios que muchas veces fueron pensados como si el clima no importara.

Los persas siguieron el camino opuesto. Antes de preguntarse cómo enfriar una casa, pensaron cómo construir una que necesitara enfriarse lo menos posible. Y en plena crisis de calor, esa vieja idea empieza a parecer menos antigua que muchas de nuestras soluciones modernas.

 

Fuente: Xataka.

Poner centros de datos en el espacio tiene una lógica económica aparentemente simple: la energía solar en órbita es gratuita, ilimitada y disponible las 24 horas si el satélite vuela en una órbita heliosíncrona que evita las sombras de la Tierra. El calor residual puede disiparse hacia el espacio mediante radiadores. No hay costos de terreno, agua de refrigeración ni conexión a la red eléctrica. El problema es que primero hay que poner esos centros de datos ahí arriba, y eso cuesta.

SpaceX lleva meses refinando su propuesta para hacerlo. El 7 de julio de 2026 presentó el nombre definitivo del proyecto, Starmind, y los detalles técnicos de la primera serie de satélites, denominada AI1. El anuncio llega en paralelo a una solicitud ante la Comisión Federal de Comunicaciones de EE.UU. (FCC) para operar hasta 100.000 satélites Starlink de tercera generación, casi diez veces los que tiene actualmente en órbita.

Qué son los Starmind AI1: paneles de 70 metros y radiadores de 110 m²

Los satélites Starmind AI1 están diseñados alrededor de dos restricciones físicas fundamentales: la generación de energía y la disipación de calor. Para lo primero, cada satélite desplegará dos paneles solares con una envergadura total de 70 metros, capaces de generar 250 vatios por metro cuadrado. La potencia eléctrica resultante será de 120 kilovatios de media y hasta 150 kilovatios en pico, suficiente para alimentar los módulos de cómputo a bordo.

Para lo segundo, el problema que Elon Musk había minimizado públicamente pero que los ingenieros no podían ignorar, el satélite lleva un radiador de 110 metros cuadrados que usa fluido refrigerante para transportar el calor de los procesadores hasta la superficie radiante y disiparlo hacia el espacio. El vacío es un excelente aislante térmico, lo que significa que el único mecanismo disponible para deshacerse del calor es la radiación infrarroja: sin contacto con el aire ni con agua líquida, todo el calor generado por las GPUs tiene que irse por esa ruta.

Starmind

— Elon Musk (@elonmusk) July 9, 2026

Cada satélite albergará hasta doce módulos de cómputo independientes, según los renders publicados por SpaceX, que usarán procesadores de varios fabricantes de chips especializados en IA, incluida Nvidia. Los satélites volarán en órbita polar heliosíncrona (SSO) para recibir iluminación solar constante y estarán interconectados mediante enlaces láser, la misma tecnología que ya usa la constelación Starlink para transmitir datos entre satélites sin pasar por tierra.

100.000 Starlink de tercera generación: ¿para qué tantos?

En paralelo al anuncio de Starmind, SpaceX presentó ante la FCC una solicitud para operar una constelación de hasta 100.000 satélites de tercera generación, denominada en los documentos simplemente como «Gen3 NGSO» (Non-Geostationary Orbit). Aunque la solicitud no menciona explícitamente el nombre Starlink, se asume que se refiere a los futuros Starlink v3 que serán lanzados por la Starship.

Los datos técnicos enviados a la FCC describen satélites de entre 2 y 2,5 toneladas de masa (frente a los 800 kg de los Starlink V2 Mini actuales) y una superficie de 300 a 400 metros cuadrados, con órbitas entre 320 y 480 kilómetros de altitud. Además de las bandas de frecuencia ya aprobadas, los nuevos satélites usarán bandas W y D (92-275 GHz), lo que permitirá aumentar significativamente la capacidad de transmisión de datos.

La propia presidenta de SpaceX, Gwynne Shotwell, declaró recientemente que ve poco probable que se lancen más de 15.000 o 20.000 Starlink en total para el servicio de internet, gracias al incremento de prestaciones de la Gen3. Eso deja 80.000 satélites sin explicación inmediata en la solicitud a la FCC. La hipótesis más plausible, según el análisis del blog Eureka de Daniel Marín, es que esa capacidad adicional estaría destinada a dar soporte a la constelación Starmind, transmitiendo sus datos hacia la Tierra y entre los propios centros de datos orbitales.

La pregunta que nadie ha respondido del todo: ¿tiene sentido económico?

El argumento a favor de los centros de datos espaciales es la energía gratuita. Un centro de datos terrestre de 50 megavatios cuesta unos 1.000 millones de dólares en construcción y consume aproximadamente 60 millones de dólares anuales solo en electricidad. Si esa electricidad pudiera obtenerse del Sol directamente en órbita, sin infraestructura de generación, distribución ni refrigeración con agua, los costos operativos serían muy diferentes.

El argumento en contra es el costo de llevar los satélites ahí arriba y mantenerlos. Cada lanzamiento de Starship puede llevar varias decenas de toneladas a órbita baja, pero el costo por kilogramo en órbita, aunque se ha reducido drásticamente, sigue siendo el factor determinante. Los satélites Starmind AI1, con sus paneles de 70 metros y sus radiadores de 110 metros cuadrados, no serán objetos ligeros. La rentabilidad del sistema dependerá en gran medida de cuánto logre reducir SpaceX el costo de lanzamiento con la Starship, un proceso que todavía está en curso.

La fábrica donde se producirán los Starmind, denominada Gigasat, está en construcción en Bastrop, Texas, y se espera que esté lista el año que viene. Mientras tanto, como documenta el análisis de Daniel Marín en Eureka/Naukas, la pregunta sobre si el cielo nocturno, ya afectado por las megaconstelaciones actuales, puede absorber diez veces más satélites sin consecuencias para la astronomía seguirá siendo una de las más incómodas del proyecto.

Un chip rectangular de apenas 7,5 milímetros de largo podría contener una de las ideas más prometedoras para construir las computadoras cuánticas del futuro. En su interior, la información no se conserva mediante cargas eléctricas ni campos electromagnéticos, sino en forma de vibraciones mecánicas microscópicas que se producen a frecuencias imposibles de escuchar para el oído humano.

El dispositivo ha sido desarrollado por un equipo de físicos de ETH Zurich dirigido por Yiwen Chu, profesora de Sistemas Cuánticos Híbridos. Según explica la propia universidad suiza, el prototipo combina por primera vez resonadores mecánicos utilizados como memoria con qubits superconductores capaces de procesar la información almacenada.

La propuesta imita, en cierto modo, la arquitectura de una computadora convencional: existe una unidad encargada de realizar los cálculos y una memoria separada donde los datos permanecen disponibles hasta que vuelven a necesitarse. La diferencia es que todo ocurre bajo las extrañas reglas de la mecánica cuántica.

Una memoria cuántica que funciona como una guitarra microscópica

El principio de funcionamiento puede compararse con las cuerdas de una guitarra. Una misma cuerda es capaz de vibrar de distintas formas y producir sonidos diferentes. En el chip de ETH Zurich sucede algo similar, aunque las oscilaciones se producen a frecuencias de gigahercios y dentro de componentes minúsculos conocidos como resonadores mecánicos.

Cada una de esas formas de vibrar, llamadas modos vibratorios, puede funcionar como una posición independiente de memoria. Los distintos estados que adopta cada modo contienen la información que el sistema necesita almacenar.

“Nuestro chip cuántico contiene pequeños componentes que comienzan a vibrar cuando almacenan información”, explica Yiwen Chu en el comunicado publicado por ETH Zurich. Durante una operación, el qubit superconductivo recupera uno de esos estados vibratorios, lo modifica y posteriormente vuelve a escribir el resultado en la memoria.

No se trata, sin embargo, de vibraciones clásicas similares a las que produce un altavoz. En este régimen, las oscilaciones pueden encontrarse en superposición (ocupando distintas configuraciones simultáneamente) y también entrelazarse entre sí.

La información almacenada se expresa mediante cuantos de vibración conocidos como fonones, el equivalente mecánico de los fotones de la luz. Controlar estos fonones permite utilizar el movimiento físico de un material como soporte de información cuántica.

Separar el procesador de la memoria

Buena parte de las plataformas cuánticas actuales utiliza qubits tanto para almacenar como para procesar información. Aunque esta estrategia simplifica algunos diseños experimentales, también obliga a mantener activos numerosos componentes delicados y aumenta la cantidad de conexiones electrónicas necesarias.

El sistema de ETH Zurich plantea una alternativa más parecida a la organización de un ordenador digital. El qubit superconductivo actúa como una pequeña unidad central de procesamiento, mientras que los resonadores conservan temporalmente los estados cuánticos.

De acuerdo con el estudio publicado en la revista Science, el equipo logró utilizar un único qubit como elemento de control para operar sobre varios modos mecánicos. Esa combinación aprovecha dos cualidades diferentes: la rapidez y la capacidad de control de los circuitos superconductores, junto con la elevada densidad de almacenamiento de los resonadores acústicos.

La idea no consiste necesariamente en eliminar los qubits, sino en reducir la cantidad de ellos que deben mantenerse disponibles al mismo tiempo. Parte de la información podría permanecer almacenada en los modos vibratorios y transferirse al procesador únicamente cuando sea necesario realizar una operación.

En términos informáticos, el dispositivo se aproxima al concepto de una memoria cuántica de acceso aleatorio, o QRAM, en la que diferentes posiciones pueden consultarse y modificarse de forma selectiva.

Más memoria dentro de menos espacio

Una de las principales ventajas de los resonadores mecánicos es su tamaño. El chip presentado por el equipo mide aproximadamente 7,5 milímetros de largo, 2,5 milímetros de ancho y un milímetro de alto, unas dimensiones comparables a las de una uña pequeña.

Las memorias electromagnéticas empleadas habitualmente en circuitos superconductores requieren resonadores relativamente grandes para evitar interferencias y preservar los estados cuánticos. Añadir más memoria implica, por tanto, ampliar físicamente el sistema.

Los resonadores mecánicos pueden albergar numerosos modos dentro de un volumen mucho menor. Investigaciones anteriores del mismo grupo ya habían demostrado que los dispositivos acústicos de ondas de volumen permiten concentrar múltiples modos de alta calidad y conectarlos con qubits superconductores. Según detalla un trabajo publicado en Nature Physics, estos sistemas ofrecen volúmenes reducidos, poca interferencia entre modos y tiempos de coherencia relativamente elevados.

Esa combinación podría ayudar a resolver uno de los problemas más difíciles de la computación cuántica: escalar los prototipos actuales sin llenar los laboratorios de cables, resonadores, sistemas de control y dispositivos de refrigeración.

Cuanto mayor es el número de qubits, más compleja resulta la electrónica necesaria para manejarlos. Una memoria compacta permitiría almacenar varios estados utilizando menos componentes de control, aunque todavía será necesario comprobar si esa ventaja se mantiene al construir dispositivos mucho más grandes.

El chip ya puede ejecutar algoritmos cuánticos

El experimento no se limitó a demostrar que las vibraciones podían guardar información. Los investigadores utilizaron el sistema para ejecutar un conjunto universal de operaciones cuánticas, incluyendo puertas individuales y operaciones controladas entre diferentes modos mecánicos.

También implementaron la Transformada Cuántica de Fourier y un algoritmo de búsqueda de períodos. La primera es una operación fundamental que aparece dentro de numerosos algoritmos cuánticos, incluido el conocido algoritmo de Shor para factorizar números.

Según explica Igor Kladaric, investigador de ETH Zurich y coautor del trabajo, estas pruebas obligan al sistema a controlar, conservar y vincular coherentemente varios estados cuánticos de manera simultánea. El resultado demuestra que la arquitectura puede realizar, al menos en principio, los pasos básicos necesarios para una computación cuántica programable de propósito general.

Eso no significa que el diminuto chip pueda competir todavía con una computadora convencional ni que esté listo para salir del laboratorio. Se trata de una demostración de viabilidad construida para comprobar que el procesador superconductivo y la memoria vibratoria pueden trabajar juntos sin destruir la frágil información cuántica.

El siguiente desafío será aumentar el número de modos accesibles, mejorar la fidelidad de las operaciones y conectar varios módulos sin que aparezcan errores difíciles de corregir. También será necesario integrar sistemas de lectura, control y refrigeración capaces de manejar arquitecturas mucho más complejas.

Aun así, el dispositivo aporta algo más importante que una simple reducción de tamaño. Propone reorganizar la computadora cuántica desde sus cimientos, separando la parte que calcula de la parte que recuerda. Y en esa posible máquina del futuro, la memoria podría no permanecer silenciosa: estaría vibrando sin que nadie pudiera escucharla.

Con The Longest Journey EP, que verá la luz el próximo 24 de julio de 2026 como la referencia número 57 de Melómana Records, el productor, compositor y DJ lituano Wolg vuelve a demostrar que su música escapa de cualquier etiqueta convencional. Si el EP funciona como un viaje sonoro entre la electrónica orgánica, la influencia balcánica y una marcada sensibilidad cinematográfica, “Tanaris”, el tercer corte del lanzamiento, representa probablemente su episodio más inmersivo y evocador.

Desde los primeros compases, “Tanaris” construye una atmósfera casi ritual donde la percusión orgánica dialoga con texturas envolventes y melodías que parecen surgir desde un paisaje remoto. Sin recurrir a estructuras previsibles, Wolg desarrolla una narrativa sonora en constante evolución, dejando que cada elemento encuentre su lugar de forma natural mientras el groove avanza con una elegancia hipnótica.

La producción consigue mantener un delicado equilibrio entre la energía destinada al club y una escucha mucho más contemplativa. Ecos de la música tradicional de Europa del Este, sintetizadores de carácter cinematográfico y una cuidada arquitectura rítmica convierten el tema en una pieza profundamente visual, capaz de transportar al oyente hacia escenarios imaginarios donde tradición y futurismo conviven con absoluta naturalidad.

Lejos de perseguir el impacto inmediato, “Tanaris” apuesta por el desarrollo progresivo y la construcción de emociones a través del detalle. Es una producción que invita tanto al movimiento físico como a la desconexión mental, consolidando una identidad artística donde la electrónica funciona como vehículo para explorar nuevas geografías sonoras.

Con este lanzamiento, Wolg continúa afianzando una personalidad musical única dentro del catálogo de Melómana Records, demostrando que aún es posible crear música de baile con una fuerte carga narrativa y un enfoque claramente cinematográfico, sin renunciar en ningún momento a la profundidad, la musicalidad ni al poder hipnótico del groove.

Después de casi una década construyendo una sólida trayectoria como DJ y productora, Linda Lenor presenta True Sound, un trabajo que supone mucho más que un nuevo lanzamiento

El EP marca el inicio de una nueva etapa creativa para la artista colombiana, que apuesta por ampliar su universo sonoro sin renunciar a la identidad que ha definido su carrera.

Actualmente afincada en Madrid, Linda Lenor ha consolidado un estilo propio dentro del Melodic Techno, pero en lugar de acomodarse en un sonido ya reconocido, ha decidido explorar nuevos horizontes musicales. En True Sound conviven influencias del Liquid Drum & Bass, el Liquid Funk y la electrónica de carácter más alternativo, siempre atravesadas por la sensibilidad melódica que ha sido una constante en sus producciones.

Lejos de plantear una ruptura con su pasado, el EP representa una evolución coherente y profundamente personal. Como explica la propia artista: “Quería demostrarme que podía explorar nuevos ritmos sin dejar de sonar a Linda Lenor.”

Cosmic Music Records: un sello para artistas con identidad propia

True Sound ve la luz a través de Cosmic Music Records, el sello fundado por la propia Linda Lenor entre Colombia y España. Más que una plataforma de lanzamientos, Cosmic nace con el propósito de conectar escenas y talentos de ambos lados del Atlántico, apostando por proyectos donde la personalidad artística esté por encima de las tendencias del mercado.

La filosofía del sello es clara: entender los géneros musicales como un punto de partida y no como un límite creativo, ofreciendo un espacio para artistas que conciben la música como una expresión libre y auténtica.

Tres canciones que cuentan una misma historia

El EP se articula en torno a tres composiciones que, aunque diferentes entre sí, forman parte de un mismo relato emocional.

La apertura llega con Can You Feel It, probablemente la pieza más íntima del proyecto. Escrita, producida e interpretada íntegramente por Linda Lenor, la canción nace como una carta dedicada a su hijo y se convierte en una reflexión sobre el amor, el paso del tiempo y los vínculos que permanecen incluso cuando todo cambia.

El segundo corte, Echoes, incorpora la colaboración del violinista, productor y DJ colombiano José Labeat. La combinación entre la electrónica y el violín da lugar a una composición de marcada sensibilidad cinematográfica, donde ambos lenguajes musicales dialogan con absoluta naturalidad.

El cierre llega con A Feeling, una colaboración junto a la artista colombiana Indra, cuya visión de la electrónica alternativa aporta una nueva dimensión al EP. La fusión entre producción electrónica y elementos orgánicos demuestra que la experimentación también puede ser un vehículo para transmitir emoción.

Una evolución que apuesta por la autenticidad

Con True Sound, Linda Lenor demuestra que evolucionar no significa abandonar la esencia, sino encontrar nuevas formas de expresarla. Desde Madrid continúa desarrollando un proyecto que combina creación musical, dirección artística y visión empresarial a través de Cosmic Music Records, fortaleciendo los vínculos entre las escenas electrónicas de Europa y Latinoamérica.

En un contexto donde las tendencias cambian a gran velocidad, True Sound apuesta por algo mucho más complejo: construir una identidad artística capaz de perdurar en el tiempo.

El lanzamiento también refleja el carácter colaborativo del proyecto. Linda Lenor ha querido agradecer especialmente la participación de José Labeat e Indra, así como el trabajo realizado por Leghet y PsyCorp durante la fase final de producción, cuyo apoyo ha sido clave para dar forma definitiva a un EP que representa el comienzo de una nueva etapa en su carrera.

Dentro de Soul Kraft, el nuevo EP que Tim Xavier y D-Knox publicarán el próximo 17 de julio de 2026 a través del sello berlinés Face To Face, “Tomorrow Is a Rainy Day” emerge como uno de los momentos más sorprendentes del lanzamiento. Alejándose parcialmente de la contundencia del techno que domina el resto del trabajo, ambos productores construyen una pieza donde el breakbeat se convierte en el eje de una propuesta elegante, hipnótica y cargada de personalidad.

Desde el primer compás, el groove roto aporta una sensación de movimiento constante mientras los sintetizadores amortiguados añaden profundidad sin saturar la mezcla. La producción respira con naturalidad, encontrando un equilibrio muy atractivo entre la funcionalidad para la pista de baile y una escucha mucho más detallada. Pequeños matices, efectos cuidadosamente colocados y un tratamiento muy preciso del espacio convierten el tema en una producción que evoluciona de forma orgánica sin perder nunca su identidad.

El resultado es un corte que mira tanto al techno más experimental como al electro y al breakbeat clásico, demostrando la química creativa entre dos artistas con una enorme experiencia a ambos lados del Atlántico. “Tomorrow Is a Rainy Day” no busca el impacto inmediato mediante grandes explosiones; apuesta por el detalle, el groove y una narrativa sonora que atrapa progresivamente al oyente.

Con este adelanto, Tim Xavier y D-Knox dejan entrever el carácter de Soul Kraft, un EP concebido como una obra cohesionada donde cada composición aporta una perspectiva distinta sobre su universo sonoro, combinando experimentación, musicalidad y una clara vocación para el club.