Categoría: Sin categoría

Con el lanzamiento de BPMATHON, el artista electrónico y emprendedor de Miami Eddy Palermo anuncia un reto pionero mundial para completar una carrera de 50 kilómetros mientras pincha en directo

El próximo sábado 8 de agosto de 2026, BPMATHON verá a Eddy Palermo intentar completar una carrera de 50 kilómetros mientras realiza un set de DJ en directo, combinando dos de sus mayores pasiones, la música y el deporte de resistencia, en un evento diseñado para inspirar y generar un impacto significativo.

BPMATHON tendrá lugar en The Underline, el parque lineal y sendero urbano de 10 millas de Miami que va desde Brickell hasta Dadeland. Un espacio público emblemático bajo el Metrorail, que se ha convertido en un lugar donde millones de personas acuden para moverse, vivir y crecer juntos. Para hacer posible el reto, Eddy actuará utilizando un equipo de DJ personalizado y autogestionado sobre ruedas, lo que le permitirá correr y pinchar en directo simultáneamente durante todo el reto de los 50 kilómetros.

La iniciativa recaudará fondos para Friends Of The Underline, una organización sin ánimo de lucro con sede en Miami dedicada a transformar el espacio público en oportunidades para una vida más saludable y activa. En un mundo cada vez más moldeado por la IA, las pantallas y las redes sociales, la misión de Friends Of The Underline es animar a las personas a ser activas, mover sus cuerpos y desconectar del estrés de la vida moderna corriendo, montando en bicicleta y caminando. El BPMATHON tiene como objetivo ayudar a más personas a desarrollar hábitos más saludables y a reconectar con la naturaleza a través de un movimiento accesible e impulsado por la comunidad.

Un nuevo límite

El propio Eddy Palermo nos lo cuenta: “BPMATHON es la fusión de la carrera de resistencia con la magia de la música. La idea surgió cuando vi vídeos en Internet de gente corriendo 5 kilómetros mientras pinchaba, y me dije: ¿por qué no correr 50 kilómetros? Esto es un verdadero reto para mí, porque correr 50 kilómetros sin hacer de DJ es difícil, y simplemente pinchar durante siete horas sin correr es complicado. Hacer ambas cosas a la vez, sin duda me llevará a un nuevo límite.

Se estima que durará siete horas, así que el BPMATHON es tanto un desafío mental como físico. Correr 50 kilómetros solo, es una gran hazaña. Ser DJ de forma continua durante siete horas requiere concentración, resistencia y energía intensas. Combinar ambos simultáneamente crea un nivel completamente nuevo de resistencia”.

Entre 2020 y 2025, Eddy completó 14 carreras de resistencia, incluyendo 7 competiciones Ironman y 7 maratones, utilizando el deporte de resistencia como base para la disciplina, la resiliencia y la fortaleza mental. Esos mismos valores estarán ahora en el corazón de BPMATHON.

Así pues, BPMATHON marca el primer capítulo de un movimiento global más amplio que une la música, la resistencia y el bienestar, creado para inspirar a las comunidades, promover elecciones de estilo de vida positivas y animar a las personas a superar sus límites percibidos, con planes para organizar más eventos a nivel global.

El festival de Torre del Mar presentó, además, una programación actual y ecléctica como auténtico sello de identidad

La XI edición de Weekend Beach Festival bajó el pasado sábado el telón tras tres intensas jornadas de música en la Costa del Sol, en la playa de Torre del Mar (Málaga). La última noche volvió a demostrar la diversidad musical que caracteriza al festival y que ya es sello de identidad, con una programación ecléctica que recorrió el rock, el pop, el mestizaje-fusión, el sonido urbano y la electrónica ante un público entregado hasta el cierre.

El escenario Weekend Victoria abrió la jornada con la actuación del murciano Walls, antes de dar paso a la energía del inconfundible y poderoso directo de los veteranos Mägo de Oz, que convirtió el recinto en una gran celebración con su particular fusión de rock y folk, finalizando con una de sus canciones más coreadas: ‘Fiesta pagana’. Uno de los momentos más especiales llegó con la colaboración entre Los Estanques y El Canijo de Jerez, que presentaron sobre el escenario un espectáculo repleto de calidad y personalidad, mientras que José de las Heras fue el encargado de despedir la programación de este espacio con una sesión que mantuvo el ambiente festivo hasta bien entrada la madrugada.

Excelente cartel de electrónica

En el escenario Torremar Victoria, Biznaga volvió a demostrar por qué es una de las bandas más destacadas del panorama independiente nacional, combinando la fuerza de sus guitarras con una cuidada producción visual. Abraham Mateo eligió Weekend Beach para iniciar una nueva gira, ofreciendo un espectáculo dinámico que conectó con el público desde el primer minuto. El gran protagonista de la noche fue Myke Towers, que congregó a miles de asistentes en uno de los conciertos más esperados del festival, desplegando un repertorio cargado de éxitos y consolidando el sonido latino como uno de los grandes atractivos de esta edición. El cierre del escenario llegó con la sesión de Kybba.

La electrónica volvió a tener un papel protagonista fundamental en el escenario Sunrise, que confirmó el éxito de una de las grandes novedades de esta edición. El espacio reunió durante toda la jornada a artistas muy esperados en la madrugada, como Boris Brejcha, DJ Pepo y Patrick Mason, protagonistas de una intensa noche de música electrónica, junto a otros nombres destacados como Herman Priet, Miguel Payda y BIIA, consolidando este nuevo escenario como uno de los grandes aciertos de Weekend Beach Festival 2026.

En Silicon Valley ya es algo común comparar el surgimiento de la IA con la Revolución Industrial. Los más férreos defensores de la IA suelen decir que con las máquinas inteligentes la humanidad o solo será más productiva que antes, superando en mucho las ganancias por productividad que resultaron de la invención de la máquina a vapor, sino que podremos resolver los problemas que existencialmente nos aquejan más. Es una visión color de rosa del futuro que por lo general no menciona que la metáfora de la Revolución Industrial incluiría su lado oscuro también. Porque aunque la locomotora y la fábrica dieron inicio a una nueva era de riqueza material, también dieron lugar a problemas nuevos que todavía nos afectan: la disparidad marcada entre ricos y pobre, la guerra mecanizada y el carbono que ahoga a la atmósfera, por ejemplo.

En una carta abierta que se publicó el lunes un grupo de economistas y expertos en IA de alto nivel advierten que la sociedad necesita aprender esta lección de la historia o sufrir las consecuencias.

Un cambio radical, y pronto

La carta lleva por título “Tenemos que actuar ahora”, y desde el lunes por la mañana ya ha sido firmada por doscientas personas, incluyendo al ex CEO de Google Eric Schmidt, el cofundador de Anthropic Jack Clark, el cofundador de OpenAI Wojciech Zaremba, y Yoshua Bengio, ganador del premio Turing y uno de los “padrinos de la IA”. Se busca que sea una advertencia directa y breve (no tiene más de cien palabras) y dice que los impactos sociales y económicos de la IA pueden marcar un gran cambio histórico. Además, dice que el peligro está en que todo se desarrollará y avanzará a una velocidad nunca antes vista en la historia.

“La IA podría convertirse en algo mucho más potente en los próximos 10 años y eso impulsaría una transformación sin precedentes en la economía, mucho mayor que la que produjo la Revolución Industrial pero mucho más veloz”.

Aunque la humanidad ha tenido décadas para poder adaptarse a los efectos colaterales más desestabilizadores de la industrialización, los firmantes de la carta advierten que no habrá tanto tiempo para poder amortiguar las repercusiones económicas d ela revolución de la IA.

Advertencia – advertencia – advertencia

La carta es la más reciente de las advertencias que se han publicado en los últimos meses. La semana pasada el Secretario General de Naciones Unidas convocó a la comunidad internacional a prohibir lo que llamó “robots asesinos”, es decir armas basadas en la IA. En junio un grupo internacional de agencias de ciberseguridad que incluyó a la NSA emitió una advertencia de que la IA transformará la ciberseguridad desde sus fundamentos, no en los próximos años sino en los próximos meses. La encíclica del papa León XIV, Magnifa Humanitas se publicó en mayo e indica que si se permite la evolución de la IA sin controles podría iniciarse una nueva será de alienación social, división política y explotación ambiental.

En la carta abierta el lenguaje evoca una imagen de la humanidad dormida al volante en un auto que está avanzando a toda velocidad hacia un abismo, algo cada vez más común en el lenguaje de Silicon Valley y los círculos de políticas en tecnología.

La investigación de la IA ha prometido el concepto de algoritmos que pueden entrenar a versiones más avanzadas y nuevas de sí mismos, en una suerte de auto-mejoras recursivas. Pero el peligro de estas máquinas que se auto-mejoran es que rápidamente podrían escapar al control humano y tomar decisiones en procesos que ya están modificando la economía, el escenario político y los ecosistemas informáticos en formas que no podemos entender ni revertir. El espectro de la auto-mejora recursiva estuvo en el núcleo de las declaraciones de Anthropic y OpenAI que recientemente han convocado a la formación de un comité global que supervise el desarrollo de los nuevos y avanzados sistemas de ia para, si es necesario, obligar a que se ralentice.

La capacidad de los algoritmos de detectar vulnerabilidades incluso en condiciones de hermética ciberseguridad también provocó oleadas de preocupación en sectores públicos y privados, al punto que el gobierno de Trump, que siempre se mantuvo al margen del desarrollo de la IA, aparentemente empezó a implementar un sistema de pesos y contrapesos en torno a lo potentes que pueden llegar a ser los modelos de IA. Por  ejemplo, Open IA lanzó su nuevo modelo GPT-5.6 tras recibir “luz verde” del gobierno federal aunque eso se haya negado oficialmente.

Después de quince años de recorrido, Swann Decamme publica THERIOMORPHY, su primer álbum de estudio y, al mismo tiempo, una pieza clave en el décimo aniversario de Curiosity Music.

No llega como una recopilación de ideas acumuladas ni como una demostración de madurez forzada, sino como una obra que parece haber esperado su propio momento. Entre París, Londres, el Caribe y Montreal, el productor ha ido moldeando un lenguaje donde el groove actúa desde la sombra, las texturas orgánicas respiran con calma y la emoción no necesita imponerse para dejar huella. En esta conversación, Swann Decamme habla del tiempo, del viaje, de la escucha continua y de un disco que cierra una etapa para abrir otra más libre, más viva y más conectada con lo humano.

Después de quince años de lanzamientos, THERIOMORPHY llega como tu primer álbum de estudio. ¿Por qué era el momento adecuado para dar vida a un proyecto de esta envergadura, pensado como una obra en sí misma?

En los últimos años he viajado mucho y he vivido en entornos muy diferentes, entre París, Londres, el Caribe y Montreal. Cada lugar me ha aportado algo particular, en los paisajes, las energías, los encuentros, pero también en la manera de sentir la música. Todo eso ha alimentado mi imaginario de una forma muy profunda.

Siempre he sentido una fuerte atracción por las texturas minimalistas, orgánicas, por los grooves sutiles y las atmósferas que dejan espacio. Pero con el tiempo, ese lenguaje se ha afirmado de una forma mucho más personal. Poco a poco he tenido la sensación de dar forma a un universo que me pertenecía plenamente, con algo más libre, más sensible y más inmersivo.

Llegó un momento en el que ya no quería pensar en temas aislados. Necesitaba dar vida a algo más amplio, más construido, más coherente. THERIOMORPHY nació de esa necesidad. Después de quince años de trayectoria, este primer álbum no llega demasiado tarde, llega en el momento adecuado. En el momento en el que por fin me siento capaz de proponer una obra completa, fiel a lo que soy artísticamente.

Presentas THERIOMORPHY como una escucha continua, casi como un viaje. ¿Qué querías que sintiera el oyente al entrar en este álbum y hasta llegar a su último tema?

Con THERIOMORPHY quería ofrecer una verdadera experiencia de escucha. Quería que el oyente tuviera la sensación de entrar en un mundo aparte, con sus propias texturas, su propia luz y su propio ritmo. Algo que no se sobrevuela, sino en lo que realmente se entra.

El álbum fue pensado como una progresión. Hay temas más aéreos, otros más orgánicos, otros aún más hipnóticos o más emocionales, pero todos forman parte de una misma travesía. Me gustaba la idea de que la escucha diera la impresión de pasar de un paisaje interior a otro, manteniendo al mismo tiempo un hilo invisible entre cada etapa.

Lo que quería, sobre todo, era crear una sensación de deslizamiento, casi de movimiento continuo. Que se pudiera escuchar el álbum de principio a fin dejándose guiar por las materias, las atmósferas y los detalles. Me gusta cuando un disco deja espacio a la imaginación, cuando no lo dice todo de forma frontal, sino que sugiere y abre.

Si el oyente siente a la vez una forma de evasión, de profundidad y de misterio, entonces creo que la experiencia está conseguida.

En este disco encontramos una mezcla muy personal de groove, misterio, texturas orgánicas y profundidad emocional. ¿Cómo definirías hoy tu lenguaje sonoro?

Hoy diría que mi lenguaje sonoro se basa en una búsqueda de equilibrio. Me gusta cuando una música puede ser a la vez muy depurada y muy habitada. Necesito que haya espacio, respiración, pero también detalles, materias, elementos casi táctiles que vengan a enriquecer la escucha sin recargarla.

El groove es central para mí, pero no de una manera demostrativa. Lo veo más bien como una tensión subterránea, una forma de hacer avanzar el tema con sutileza. También me gusta mucho trabajar las texturas orgánicas, las percusiones, los sonidos recogidos, los elementos que aportan una sensación de vida y de movimiento.

Al mismo tiempo, siempre necesito que haya una parte de misterio y una profundidad emocional. No busco solamente hacer un tema que funcione rítmicamente, también quiero que cuente algo más interior, que deje una huella, una sensación, casi una memoria.

Creo que eso es lo que mejor define hoy mi lenguaje: un equilibrio entre precisión y emoción, entre minimalismo y riqueza sensible, entre anclaje rítmico y una dimensión casi onírica.

THERIOMORPHY despliega un universo muy visual, casi cinematográfico. ¿Qué imágenes, qué sensaciones o qué paisajes interiores querías hacer nacer a través de este álbum?

Lo que quería hacer nacer era la sensación de entrar en un mundo paralelo, algo muy orgánico, muy vivo, pero nunca completamente definido. Me gusta cuando la música deja aparecer formas, materias, paisajes interiores, sin imponerlo todo. Siempre debe quedar una parte de misterio.

Con THERIOMORPHY imaginaba horizontes abiertos, luces difusas, movimientos lentos, casi flotantes, pero también algo muy terrenal en las texturas, en las percusiones, en la materia del sonido. Hay a la vez cielo, espacio, evasión, y también algo más carnal, más arraigado, más humano.

Quería que el oyente pudiera sentir imágenes sin que quedaran fijadas. Paisajes interiores, visiones casi cinematográficas, pero siempre con mucha sencillez. Me gusta la idea de que una imagen o un sonido puedan sugerir más a través de su contención que de la acumulación.

En el fondo, quería crear un universo a la vez inmersivo, sensible y libre, en el que cada uno pueda proyectar sus propias emociones, sus propios recuerdos, sus propias visiones.

Si el álbum da esa impresión de abrir un espacio interior, entonces creo que cumple su función.

Este lanzamiento marca a la vez tu primer álbum y los diez años de Curiosity Music. ¿Qué representa THERIOMORPHY en tu trayectoria y qué dice del capítulo artístico que abres hoy?

Para mí, THERIOMORPHY representa a la vez una realización y un punto de inflexión. Es un álbum que viene a cerrar un primer gran capítulo de mi trayectoria: quince años de creación, de búsqueda, de experiencias, de viajes y de afirmación artística. Necesitaba plasmar algo fuerte, coherente, casi como una síntesis sensible de todo lo que me ha construido hasta aquí.

Pero no lo vivo en absoluto como un final en el sentido de una parada. Al contrario, tengo la sensación de que este disco abre una nueva etapa. Hoy me siento más libre, más afirmado y más inspirado que nunca. Tengo todavía más ganas de componer, de buscar, de explorar y de llevar mi universo más lejos.

Este nuevo capítulo se orienta también hacia algo aún más vivo y más abierto a los demás. Ya estoy trabajando en muchos proyectos nuevos y en varias colaboraciones con artistas llegados de horizontes muy diferentes: cantantes, guitarristas, bajistas, percusionistas, productores. Tengo ganas de ir hacia una música cada vez más orgánica, a veces más acústica, manteniendo al mismo tiempo lo que constituye mi firma: el groove, las texturas, la materia y esa búsqueda de inmersión que me acompaña desde el principio.

En ese sentido, THERIOMORPHY es una conclusión, pero también un punto de partida. Cierra un ciclo con precisión y, sobre todo, anuncia algo muy vivo para lo que viene. Tengo la sensación sincera de que lo mejor está todavía por llegar. Y una cosa es segura: no voy a esperar quince años para hacer el segundo álbum.