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• La alfombra roja de los Martín Fierro de la Moda reunió a celebridades con propuestas estilísticas que destacaron por su originalidad y nivel de producción.

• Pampita y Juli Poggio se posicionaron entre las protagonistas con decisiones estéticas que reflejaron identidad y renovación visual.

• Ambas figuras presentaron cambios capilares y elecciones de vestuario que marcaron tendencia dentro del evento.

• La gala funcionó como escenario para consolidar referentes del estilo en televisión y redes sociales.

La reciente edición de los Martín Fierro de la Moda volvió a instalarse como uno de los eventos centrales del calendario fashionista, donde las transformaciones estéticas y las apuestas de estilo adquieren protagonismo. En ese contexto, Pampita y Juli Poggio sobresalieron con cambios que no pasaron desapercibidos.

La modelo y conductora apostó por una modificación en su imagen capilar que implicó un giro en su estética habitual, acompañado por un estilismo alineado con su impronta elegante. Por su parte, la actriz e influencer eligió una propuesta más audaz, con una construcción visual que reforzó su identidad dentro del universo juvenil.

Ambas presencias consolidaron su lugar dentro del evento, no solo por sus elecciones de vestuario sino también por el impacto generado en la alfombra roja, donde cada detalle es observado como parte de una tendencia en construcción.

Así se ven Pampita y Juli Poggio con sus cambios de looks

En esta edición, Pampita presentó un cambio de imagen centrado en su cabello, al adoptar un tono castaño oscuro identificado como 5U, caracterizado por su profundidad y matices neutros. Esta decisión aportó una estética más sobria y sofisticada, en línea con su estilo habitual para eventos de alto perfil.

El conjunto elegido acompañó esta transformación con un vestido largo strapless blanco con lunares negros, de silueta sirena. El diseño incorporó un volado en la parte inferior que generó movimiento, mientras que el escote recto equilibró la composición general. El estilismo se completó con el cabello suelto hacia un costado, maquillaje clásico y accesorios discretos.

Por su parte, Juli Poggio optó por una imagen definida por su cabello cobrizo intenso, con bucles largos y un flequillo recto desmechado que enmarcó su rostro. Este detalle capilar reforzó una estética moderna y disruptiva dentro de la gala.

En cuanto a su vestuario, eligió un vestido blanco de inspiración escultórica con recortes estratégicos, transparencias y aplicaciones. El diseño destacó por su estructura y por un escote profundo, acompañado por maquillaje con foco en los labios. Su presencia reafirmó su posicionamiento como referente de estilo dentro del ámbito de las redes sociales.

Además, la participación de Pampita incluyó nominaciones en categorías vinculadas a estilo, tanto por su presencia en televisión como en plataformas digitales, lo que refuerza su lugar dentro del universo de la moda local.

Hay un dato que suele pasar desapercibido, pero es brutal: hasta el 40% de la producción agrícola mundial se pierde cada año por plagas y enfermedades. No es un fallo puntual. Es estructural. Y durante décadas, la respuesta ha sido siempre la misma: fumigar en masa, cubrir todo el cultivo y asumir el coste.

Ahora, un desarrollo argentino propone algo muy distinto. Y bastante más preciso.

El problema no era solo detectar la enfermedad, sino hacerlo en el lugar correcto

El robot diseñado por Pedro Bocca, investigador del CONICET en el Instituto de Automática de San Juan, no hace algo completamente nuevo… pero sí cambia cómo se hace todo el proceso. Detecta enfermedades en plantas usando inteligencia artificial y, en cuestión de segundos, decide cuánto pesticida aplicar y dónde. La diferencia está en ese “dónde”.

Hasta ahora, los sistemas agrícolas trabajan con una lógica simple: si hay enfermedad, se fumiga todo. No importa si el problema está en una rama concreta o en una zona limitada del cultivo. El resultado es un uso excesivo de químicos, mayor coste y un impacto ambiental difícil de justificar. El robot rompe esa lógica. Observa hoja por hoja, clasifica su estado y actúa en consecuencia.

Un sistema entrenado para el mundo real, no para el laboratorio

Uno de los mayores retos del proyecto, publicado en ScienceDirect, no fue construir el robot, sino enseñarle a ver. Porque detectar enfermedades en laboratorio es relativamente sencillo: hojas perfectas, buena iluminación, sin ruido visual. El campo no funciona así.

Sombras, hojas superpuestas, movimiento, variaciones de luz… todo introduce errores. Por eso, Bocca tuvo que reconstruir el sistema desde cero, entrenando redes neuronales con imágenes reales, tomadas directamente en el cultivo. Miles de ellas.

El resultado es un modelo capaz de distinguir entre hojas sanas, enfermas o directamente no clasificables. Y esto último es clave: si el sistema duda, descarta. Prefiere no actuar antes que equivocarse.

Dos robots en uno: detectar y actuar en tiempo real

El dispositivo combina dos sistemas integrados en un solo flujo. En la parte frontal, una cámara analiza constantemente el estado del árbol. Detrás, un brazo robótico se despliega para aplicar el tratamiento con precisión. No hay intermediarios. No hay espera.

La inteligencia artificial calcula el grado de enfermedad y ajusta la dosis de pesticida en función de eso. Puede aplicar más en las zonas más afectadas, menos en las cercanas y evitar completamente las sanas. Es, en esencia, una fumigación quirúrgica.

Más eficiencia, menos químicos y un cambio de escala

Las implicaciones van más allá del ahorro económico. Reducir la cantidad de pesticidas no solo abarata el proceso, también disminuye la contaminación y reduce la exposición de los operarios a sustancias tóxicas.

Y hay un detalle interesante: el sistema está pensado para integrarse con GPS y mapear el cultivo completo. Eso permitiría no solo actuar, sino anticiparse. Detectar focos tempranos, seguir su evolución y ajustar el tratamiento antes de que el problema se expanda. Pasar de reaccionar a predecir.

Una tecnología que puede escalar más allá de un cultivo

Aunque el desarrollo se ha centrado en olivos, el sistema es adaptable a cualquier cultivo arbóreo. De hecho, ya se está trabajando en su aplicación en cítricos, especialmente en enfermedades como el HLB, un virus sin cura que obliga a eliminar plantas enteras para evitar su propagación.

Aquí, la detección temprana no es una mejora. Es la diferencia entre perder un árbol o perder una plantación.

El verdadero cambio no es el robot, es la lógica

Lo interesante de este desarrollo no es solo la tecnología. Es el enfoque. Durante décadas, la agricultura ha funcionado con una lógica de exceso: más producto, más cobertura, más intervención. Este robot plantea lo contrario: precisión, ajuste y datos en tiempo real.

Puede parecer un detalle técnico, pero no lo es. Es un cambio de modelo. Y en un contexto donde la producción debe aumentar sin seguir disparando el consumo de recursos, ese tipo de cambio empieza a ser menos opcional de lo que parece.

La escena techno global sigue orbitando alrededor de Charlotte de Witte, y su nuevo EP ‘Amor’ reafirma ese lugar con una propuesta conceptual y sonora que expande su universo. El lanzamiento —ya disponible a través de su sello KNTXT— reúne tres cortes originales junto a la artista brasileña CERES, además de un Instrumental Mix exclusivo en vinilo.

A lo largo del EP, de Witte construye una narrativa cohesionada donde cada track se conecta mediante motivos sutiles, casi como una suite. La presencia de CERES es central: su voz —cargada de textura, en portugués— atraviesa todo el release, aportando identidad y una capa emocional poco habitual en el techno más funcional.

“Este EP está inspirado en mi amor por Portugal y Brasil: su gente, su cultura, su comida. Está hecho con mucho amor”, explicó de Witte.

El track principal, ‘Amor’, despliega un groove galopante con efectos espaciales y una tensión creciente marcada por sintetizadores tipo hoover y líneas ácidas que escalan progresivamente. En ‘Sem Ar’, la energía vira hacia una estructura más quebrada, con percusiones frenéticas que rozan el breakbeat y un breakdown acapella que resalta la versatilidad vocal de CERES. Finalmente, ‘O Movimento’ acelera el pulso con hi-hats incisivos y una progresión hipnótica donde la voz se vuelve casi etérea antes de fundirse con capas ácidas.

El lanzamiento llega en un momento particularmente alto para de Witte, quien recientemente celebró 15 años de carrera con dos shows masivos en Flanders Expo ante más de 23.000 personas por noche, además del impacto de su esperado álbum debut y su posterior edición deluxe. A esto se suma una agenda 2026 cargada de festivales clave como Time Warp Brazil, Awakenings, Sónar o Kappa Futur, consolidando su dominio absoluto en la escena global.

Con ‘Amor’, Charlotte de Witte no solo reafirma su potencia en pista, sino que también abre una nueva dimensión estética donde la identidad cultural y la sensibilidad vocal juegan un rol protagonista.

Hay máquinas que trascienden su función. El Minimoog Model D es una de ellas. Y ahora, más de cinco décadas después de su lanzamiento original, Moog Music presenta una nueva edición limitada que vuelve a ponerlo en el centro de la conversación global.

Se trata del Bob Moog Tribute Edition, una versión especial del legendario sintetizador analógico que rendirá homenaje a su creador, Bob Moog, y a su impacto en la evolución de la música electrónica. La producción estará limitada a solo 500 unidades en todo el mundo, cada una ensamblada a mano por el equipo de la marca en Carolina del Norte.

A nivel estético, esta edición incorpora un gabinete de roble blanco quartersawn especialmente diseñado, junto con un decal exclusivo de la Bob Moog Foundation en el panel trasero. Además, incluye un estuche de transporte semi-rígido personalizado, pensado para preservar el instrumento tanto en estudio como en movimiento.

El Minimoog Model D, lanzado originalmente en 1970 y producido hasta 1981, marcó un antes y un después en la historia de los sintetizadores, convirtiéndose en una herramienta clave para generaciones de artistas. Su regreso a producción en 2022 ya había despertado el interés de productores y coleccionistas, y esta nueva edición refuerza aún más su estatus como objeto de culto.

La Bob Moog Tribute Edition tendrá un precio de USD 3.999, posicionándose como una pieza tanto musical como histórica dentro del universo del hardware analógico.

Este lanzamiento se suma a una serie de iniciativas recientes que celebran el legado del Minimoog, incluyendo exhibiciones de prototipos originales en el Moogseum y la publicación de un libro en 2024 que explora su impacto cultural, con testimonios de figuras como Dr. Dre, Anne Dudley y Mac DeMarco.

Una vez más, el Minimoog no solo vuelve: reafirma por qué sigue siendo uno de los instrumentos más influyentes en la historia de la música electrónica.

Una de las parejas más consolidadas del mundo del espectáculo era la de Brenda Gandini y Gonzalo Heredia, pero en LAM contaron que decidieron separarse en medio de rumores de infidelidad. “Intentaban remontar la situación, pero que no creían que fuera posible”, contaron.

El que dio la noticia fue Pepe Ochoa, quien primero dio pistas sobre los actores hasta contar sus nombres: «Él habló con gente de su entorno en un evento, un cumpleaños, donde había dos personas que eran amigas de la pareja, y contó que estaban en crisis, separados”.

Ángel de Brito reveló que hace poco tiempo le preguntó si estaban separados, pero que Heredia decidió esquivar la respuesta: “Le pregunté hace poco y me dijo: ‘No, estamos como siempre. Por ahí porque fui con mi nena nada más al teatro y no juntos…’”.

Estaban juntos desde que se conocieron en el trabajo: ambos formaban parte de la tira de Malparida, pero luego de más de 15 años, todo terminó. “Se los vio solos en varios lugares y hace un tiempo él habla con varias personas del evento y me llegó el dato”.

Además, meses atrás quedaron envueltos en rumores de infidelidad que no fueron claros. Ambos negaron la situación, ya que tienen una relación monogámica luego de tener a dos hijos.

Mega 98.3 cumplió 26 años y lo celebró como mejor sabe hacerlo: con música en vivo, artistas emblemáticos y rodeada de su gente. El mítico escenario de Makena, en Palermo, fue el punto de encuentro de una noche donde el rock nacional fue el único protagonista.

La fiesta contó con una grilla de lujo. Pasaron por el escenario Ale Kurz (El Bordo), Fachi de Viejas Locas, Villanos, Don Adams y Perro Suizo, brindando un show potente y cargado de significado. No faltaron los conductores de la radio, los equipos de producción y los técnicos, esos que día a día ponen al aire la banda sonora de millones de argentinos.

Más allá del festejo, Mega reafirma su identidad como la radio de los festivales. En el último tiempo, la emisora llevó su transmisión federal a cada rincón de la Argentina y Uruguay, con presencia exclusiva en:

• Cosquín Rock (Córdoba)

• Festival Bandera (Rosario)

• Rock en Baradero

• Festival Montaña (Mendoza)

• Bai Bai (Chapadmalal) y Medio y Medio (Uruguay)

Y las noticias para los fanáticos no terminan: tras confirmar su presencia en Tribus (Santa Fe), la radio ya calienta motores para el Quilmes Rock 2027, consolidándose como el medio oficial de los eventos más masivos del género.

Más cerca de los oyentes

La apuesta de Mega para este año no se queda solo en el dial. La radio anunció que potenciará sus clásicos Megacústicos, permitiendo un contacto íntimo entre artistas y audiencia, y los Megaescapes, la experiencia que lleva a los oyentes a viajar por distintas ciudades para ver a sus bandas favoritas.

Con 26 años de historia, Mega 98.3 demuestra que el rock nacional no solo está más vivo que nunca, sino que tiene un lugar que siempre lo cuida: el dial de la cultura argentina.

Hay artistas que llenan pistas. Otros logran crear una atmósfera propia. Boris Brejcha se mueve en ese territorio donde la experiencia empieza antes del primer track.

Su regreso a Buenos Aires no se plantea desde la lógica habitual del circuito —line up, horario, set— sino desde algo más cercano a una obra en movimiento. Reflections no busca simplemente sonar bien: busca decir algo. Y en ese intento aparece una nueva etapa en su carrera, donde el foco deja de estar únicamente en la selección musical para expandirse hacia una experiencia completa, pensada con intención.

Brejcha lleva años escapando de etiquetas, incluso de la que él mismo creó. El high-tech minimal fue el punto de partida, pero hoy funciona más como un lenguaje que como un género. Un sistema propio donde conviven tensión, melodía y precisión, y donde cada track parece diseñado para encajar dentro de algo más grande. Reflections parece ser, justamente, eso: el lugar donde todas esas piezas encuentran sentido.

En un contexto donde los grandes escenarios —de Tomorrowland a Ultra Music Festival— empujan a los artistas a pensar en escala, Brejcha elige otro camino: no solo hacerlo más grande, sino hacerlo más profundo. La narrativa, las visuales y la estructura del show no funcionan como complemento, sino como parte central del discurso.

Y ahí es donde su propuesta se diferencia. Porque mientras muchos shows buscan el impacto inmediato, Reflections parece apostar por algo más sutil: construir una progresión emocional. Un recorrido donde los momentos no están aislados, sino conectados entre sí, como capítulos de una misma historia.

Buenos Aires entra en ese recorrido como una parada clave. No solo por la respuesta histórica del público local, sino porque cada visita del artista en el país fue marcando una evolución. Este regreso, en ese sentido, no es continuidad: es transformación.

Lo que va a pasar el 17 de octubre no se define únicamente por los tracks que suenen —aunque estarán, claro, esos himnos que ya son parte de su identidad— sino por cómo todo eso se articula en tiempo real. En cómo la música, la estética y la energía colectiva terminan construyendo algo que, por unas horas, se siente propio.

Porque al final, de eso se trata Reflections: no de mirar al artista, sino de verse dentro de lo que está pasando.

El acceso a este universo empieza antes del show. El registro ya está disponible en borisbrejcha.com.ar, y no funciona solo como preventa, sino como primera capa de la experiencia: un espacio donde se irán desbloqueando contenidos, dinámicas y beneficios pensados para quienes quieran entrar en el mundo de Reflections desde el inicio.

Hay avances que no hacen ruido… hasta que te das cuenta de lo que implican. Este es uno de ellos. Un equipo de investigadores de la Universidad de Rice ha desarrollado un material capaz de multiplicar por 100 la interacción entre electricidad y magnetismo, y eso (aunque suene abstracto) toca directamente el corazón de cómo funcionan los ordenadores.

Porque, en el fondo, todo lo digital sigue dependiendo de algo bastante simple: mover electrones.

El límite silencioso de la computación moderna

Durante décadas, el progreso tecnológico se ha basado en hacer lo mismo cada vez más rápido y más pequeño. Encender y apagar electrones en circuitos de silicio. Ese modelo nos ha traído hasta aquí, pero empieza a mostrar una grieta incómoda: el consumo energético. No es un detalle menor.

Con la expansión de la inteligencia artificial, los centros de datos y el almacenamiento masivo, algunas estimaciones apuntan a que la computación podría llegar a consumir hasta un 30% de la electricidad mundial en menos de diez años. Es una cifra difícil de ignorar. Ahí es donde entran en juego los llamados materiales multiferroicos. Y aquí es donde este nuevo desarrollo cambia el tablero.

Cuando electricidad y magnetismo dejan de ir por separado

Los materiales multiferroicos tienen algo especial: combinan propiedades eléctricas y magnéticas en un mismo sistema. Pero lo realmente interesante no es que coexistan, sino que puedan influirse entre sí. Es lo que se conoce como acoplamiento magnetoeléctrico. En términos simples, permite controlar el magnetismo con electricidad o viceversa. Y eso abre una posibilidad enorme: procesar y almacenar información sin depender tanto del movimiento constante de electrones.

El problema hasta ahora era claro, explica el estudio publicado en Proceedings of the National Academy of Sciences. No existía un material que hiciera esto de forma potente, estable y a temperatura ambiente. El ferrita de bismuto llevaba años siendo una promesa… pero se quedaba corto en magnetismo. Hasta ahora.

Un experimento que no debería haber funcionado (pero lo hizo)

El equipo de Rice decidió combinar dos ideas: modificar la composición química del material añadiendo titanato de bario y forzar una deformación estructural al fabricarlo como una película delgada. Lo curioso es que el titanato de bario no es magnético. En teoría, añadirlo no debería mejorar ese aspecto. Pero ocurrió justo lo contrario: la magnetización aumentó diez veces y el acoplamiento magnetoeléctrico se disparó hasta cien veces.

No es una mejora incremental. Es un cambio de comportamiento. Y eso obliga a replantear algo importante: diseñar materiales ya no consiste solo en mezclar propiedades, sino en provocar interacciones internas que generen fenómenos nuevos.

Lo que podría cambiar si esto escala

Este tipo de avance todavía está lejos de convertirse en un chip comercial. Pero las implicaciones empiezan a dibujarse con bastante claridad. Por un lado, abre la puerta a memorias y procesadores que consuman mucho menos, algo crítico en un mundo cada vez más dependiente de la computación intensiva. También permite imaginar dispositivos más pequeños, con menos calor y mayor eficiencia.

En paralelo, encaja con otras líneas de investigación que ya están en marcha, como las memorias magnéticas de bajo consumo (MRAM) o la computación neuromórfica, que intenta imitar el funcionamiento del cerebro. Nada de esto es inmediato. Pero tampoco es ciencia ficción.

Y hay una idea que empieza a tomar forma: si el futuro digital va a seguir creciendo al ritmo actual, no bastará con hacer chips más rápidos. Habrá que hacerlos radicalmente más eficientes. Y, a veces, ese cambio empieza en algo tan pequeño (y tan invisible) como la forma en que un material responde a un campo eléctrico.

Afrojack, Alok, Armin Van Buuren, Don Diablo, Hardwell, Korolova, Marshmello, Mathame y Timmy Trumpet encabezan un cartel internacional integrado en el universo “The Eternal Flame”

Holika Festival continúa avanzando detalles de su octava edición, que se celebrará del 1 al 5 de julio de 2026 en Calahorra, reafirmando su posición como una de las grandes citas musicales del verano europeo. Tras el anuncio de su potente avance de cartel, el festival presenta ahora el concepto que definirá esta nueva entrega: la creación de un gran imperio musical efímero inspirado en la antigua Roma.

Bajo el universo “The Eternal Flame”, Holika 2026 da un paso más en su evolución para convertirse en una experiencia inmersiva completa. Durante cinco días, el recinto se transformará en una ciudad romana contemporánea dedicada a la música, conectando el evento con el legado histórico de Calahorra y el imaginario de Mercaforum. Un recinto que se integrará con la ciudad durante la semana de celebración de Holika, en un entorno privilegiado junto al paso del río Cidacos.

La estructura del festival se compondrá de los diferentes escenarios —Eternal Flame Mainstage, Cathedral Stage, Oasis Stage, Colossus Stage y Rave Arena Stage— junto a zonas como Arcadia Village, entre otras, sobre las que se desarrollará una profunda mejora en ambientación, activaciones y experiencia de público. Un espacio que presentará muchas sorpresas y novedades esta nueva edición de Holika.

Uno de los grandes focos será el refuerzo del Eternal Flame Mainstage, que crecerá en protagonismo para consolidarse como el epicentro visual y narrativo del festival.

A su alrededor, Holika desplegará una programación optimizada por franjas —tarde, prime time y noche—, que combinará actuaciones musicales con espectáculos temáticos.

La integración de elementos romanos será clave en esta edición, especialmente en zonas experienciales y de camping, que se transformarán en una auténtica ciudad del imperio. Instalaciones, recreaciones históricas, animación itinerante y actividades participativas permitirán al público formar parte activa del universo del festival.

Entre las grandes novedades destacan la creación de un “Castrum” o campamento romano, desfiles diarios por el recinto y la construcción de un “Circus Maximus”, que acogerá un gran espectáculo central cada jornada. Este show, programado antes de medianoche, combinará acción, narrativa y efectos especiales en una de las apuestas más ambiciosas de la historia del festival.

Con este planteamiento, Holika refuerza su posicionamiento como un evento que trasciende lo musical, integrando cultura, espectáculo e innovación en una propuesta única dentro del circuito europeo. La organización anunciará en las próximas semanas nuevos detalles sobre el recinto, la programación y las próximas incorporaciones al cartel.

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Lali Espósito sorprendió con el lanzamiento de su nueva serie documental titulada Camino a River para calentar motores hacia sus fechas históricas en el estadio Monumental. La artista publicó en la plataforma YouTube el primer capítulo del proyecto, que recorre íntimamente la preparación de los conciertos en Núñez que se concretarán el 6 y 7 de junio.

Bajo el nombre El año del Demonio, la entrega inicial propone un viaje por el proceso artístico del disco No Vayas a Atender Cuando el Demonio Llama. La cantante, que desde hace unos meses no realizaba un lanzamiento artístico, reveló detalles inéditos de sus canciones junto a la conducción de Martuli para alegría de sus millones de seguidores.

Este material exhibe las decisiones estéticas y técnicas que llevaron a su álbum a superar 200 millones de reproducciones y alcanzar el Top 5 Global de Spotify. El éxito rotundo del disco, que se convirtió en el más vendido de 2025 en Argentina, consolidó a la popstar como una referente del género.

En el primer capítulo del documental, en un repaso íntimo, la cantante y la host charlan sobre el origen de Mejor Que Vos, canción que se convirtió en hit y tuvo la participación de Miranda!. El recorrido por los temas del álbum también ahonda sobre la elección de Duki para cantar Plástico, o sobre la llamada que tuvo con su amigo, Dillom, para la colaboración en 33.

Lali, que aparece en 9 ternas y se transformó en la artista femenina con más nominaciones a los premios Gardel 2026, agotó las dos funciones en el Estadio Monumental y, gracias a la reubicación del escenario principal, la producción habilitó nuevas localidades mediante la plataforma AllAccess.

La serie documental funciona como una pieza clave para entender el trabajo de Lali y la magnitud del espectáculo que prepara para sus fanáticos en junio. Los seguidores podrán ver cómo se prepara la puesta en escena más ambiciosa de su trayectoria antes de subirse al escenario de River.

Lali de festejo: su último disco cumplió un año y lo celebró en redes sociales

Para seguir con las buenas noticias, la cantante utilizó su cuenta de Instagram para conmemorar el aniversario de su último trabajo discográfico y resaltó el esfuerzo grupal de su equipo que llevó el proyecto al éxito. «Estas canciones, el mundo visual y el corazón del álbum están atravesados por lo colectivo, la energía viva, el valor de la grupalidad», escribió.

En su posteo, la popstar agradeció a los colegas que colaboraron con sus canciones por elevar sus temas y también saludó a su familia artística por el apoyo. «Aguante el pop. El de verdad. Aguante nuestra inigualable música argentina. Aguante ustedes. Gracias por escuchar este álbum», lanzó la artista.

Su mensaje tuvo sus palabras para los fanáticos, a quienes trató de auténticos, y sumó, como siempre, referencias a la diversidad: «A los que se divierten de verdad y a los que no les importa ser lo que otros exigen», lanzó Lali, que cerró el mensaje como una verdadera estrella: «Gracias por venir a cada show. Tu popstar fav».